Willem Pijper (1894 - 1947)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Países Bajos.

¿Quién es?: Pijper es considerado uno de los compositores neerlandeses más importantes de la primera mitad del siglo XX.

Sus padres eran de clase obrera y estrictos calvinistas. Su padre, quien a veces tocaba acompañamientos para los salmos en el armonio, le enseñó los nombres de las notas musicales al pequeño Willem cuando tenía cinco. Rápidamente el niño comenzó a componer melodías simples, empezó sus lecciones formales de piano a la edad de diez e hizo rápidos progresos.

Debido a su mala salud fue educado en casa hasta la edad de 13. Estudió composición brevemente con Johan Wagenaar pero, aparte de esto, fue un autodidacta.

A Pijper se lo acusa de no tener una personalidad musical muy distintiva: en su primerísima etapa compuso música muy deudora de Mahler (el contrapunto nunca dejaría de ser importante para él), para después caer bajo el hechizo de Francia; su producción, sucesivamente, reflejaría las influencias del Impresionismo de Debussy y Ravel, el método compositivo “celular” de Stravinski y los experimentos con el atonalismo, el politonalismo y la inclusión del jazz y otros géneros de música popular bailable de Les Six. También se lo acusa de ser más conservador que otros modernistas.

No obstante, es innegable su talento y la calidad de su obra y fue un prolífico escritor de dos óperas (la segunda de las cuales quedó inacabada con su muerte), música incidental, orquestal, de cámara, instrumental, coral y vocal. A pesar de que casi todos sus manuscritos fueron destruidos cuando los Nazis bombardearon Rotterdam, donde estaba su hogar, la inmensa mayoría de su producción sobrevive hasta el presente. Su estilo musical seguía evolucionando en el momento de su muerte por un cáncer en 1947.

Además de su labor como compositor, también destaca como crítico musical (se metió en varias controversias bastante feas con otros compositores), profesor (les dio clases a muchos de los compositores neerlandeses más importantes de las décadas de 1950, 1960 y 1970) y organizador musical (dedicado a la reconstrucción de la vida musical neerlandesa tras la Segunda Guerra Mundial).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su sonata para violín solo (1931)…

Erwin Schulhoff (1894 - 1942)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, Pasto de historia alternativa.

La Gloria: Schulhoff nació en Praga, en una familia judía de habla alemana.

A la edad de diez años su madre lo presentó a Dvorák, quien normalmente no tenía tiempo para niños prodigios (Schulhoff podía sacarle melodías al piano desde la edad de tres), quien lo animó para que comenzara sus estudios musicales en el Conservatorio de Praga. Estudió composición y piano allí y después en Viena, Leipzig y Colonia, donde sus profesores incluyeron a Debussy, Reger, Fritz Steinbach, Carl Friedberg y Willi Thern. Ganó el premio Mendelssohn dos veces: por piano en 1913 y por composición en 1918. Combatió en el ejército austrohúngaro en la Primera Guerra Mundial, fue herido y terminó en un campo de prisioneros de guerra italiano hasta el final del conflicto.

Su estilo musical tuvo una evolución larga y compleja. En su primerísima etapa firmó piezas en un Romanticismo tardío muy deudor de Debussy, Skriabin y Richard Strauss, la cual fue rápidamente seguida por una segunda etapa en la que abrazó con pasión la Música Moderna, fuertemente influenciada por la Segunda Escuela de Viena (lo cual no es sorpresa pues fue amigo por correspondencia de Alban Berg), aunque sin renunciar nunca a la tonalidad, y los elementos más absurdos del Dadaísmo (su catálogo de esta época incluye una pieza muda que antecede a 4’33’’ de John Cage por más de 30 años y una Sonata Erotica que consiste en nada más que la cantante ¡fingiendo que tiene un orgasmo!). Esta fue seguida por la tercera etapa, la más prolífica e interesante, en la que Schulhoff se revela como un artista tremendamente polifacético, casi como si fuese varios músicos en una sola persona: en esta combina el Modernismo de la etapa anterior con el Neoclasicismo de Stravinski, los experimentos de Bartók y Janácek con la música folclórica de Europa central, el jazz (fue uno de los primeros compositores en incorporar el jazz en la música clásica) y otros géneros bailables introducidos en la Europa de la época.

La década de 1920 vio el apogeo de su carrera pues consiguió un contrato con Universal Edition que le permitió difundir extensamente su obra, contaba con el entusiasmo de los críticos (que lo consideraban uno de los modernistas más interesantes y provocadores), se dedicaba a promover la Música Moderna y era muy solicitado como pianista a nivel internacional…

¿Qué salió mal?: …pero, también, fue una época de profunda incertidumbre económica: nunca consiguió la clase de puestos académicos que hubiese hecho su vida mucho más fácil, su padre (un rico comerciante de lana) perdió su fortuna con la inflación alemana, tenía un hijo que mantener, era visto con sospecha tanto por la comunidad alemana como por la checa en la que estaba dividida la Praga de su época y su única ópera fue un rotundo fracaso.

Las cosas empeoraron dramáticamente en la siguiente década: en 1931 su contrato con Universal Edition fue disuelto, en parte porque él era demasiado prolífico para el gusto de la Universal, en parte porque la música influenciada por el jazz estaba empezando a pasar de moda, en parte porque parece que era difícil tratar con Schulhoff; el ascenso del Partido Nazi hizo que fuese acusado de escribir “música degenerada” y se prohibió contratarlo como pianista y publicar su obra en Alemania; su compromiso político con el Comunismo y el pacifismo radical lo metió en problemas con el gobierno de Checoslovaquia; la relación con sus padres, tensa desde hace mucho tiempo, se deterioró con rapidez y su madre murió en 1938; y su esposa cayó enferma y divorció de él cuando descubrió que estaba teniendo una aventura con una de sus estudiantes.

Fue en esta época que dio comienzo la cuarta y última etapa de la música de Schulhoff, la cual está marcada por su adopción del Realismo Socialista. Como era de esperarse, esta es la etapa menos valiosa de su obra.

Con la ocupación Nazi de Checoslovaquia, Schulhoff solicitó la ciudadanía soviética, la cual se le fue concedida e intentó huir a la URSS. No obstante, un día antes de partir, fue arrestado por los Nazis y enviado a un campo de concentración en Baviera, donde murió de tuberculosis.

Su música cayó en el olvido más absoluto hasta principios de la década de 1990, cuando su ópera fue grabada. Titulada Plameny en checo y traducida al alemán por Max Brod, amigo y biógrafo de Kafka, como Flammen (“Llamas”), esta es una combinación de los mitos de Don Juan y el Judío Errante reinterpretados a través de los lentes del Surrealismo y el Psicoanálisis. A pesar de haber sido un fracaso en sus días, en el presente es considerada una de las óperas más interesantes del siglo XX y provocó que resucitara el interés en la música de Schulhoff.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Suite para orquesta de cámara (1921)…

…su Concierto para piano y orquesta pequeña “alla Jazz” (1923)…

…su Sexteto (1924):

…sus cuartetos de cuerdas primero y segundo (compuestos en 1924 y 1925, respectivamente):

…su Sonata Caliente para saxofón alto y piano (1930):

…y su segunda sinfonía (1932):

Arthur Benjamin (1893 - 1960)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Este judío australiano fue un niño prodigio que dio su primer recital público a la edad de seis y comenzó su educación musical formal a la edad de nueve con George Sampson, organista de la Catedral de San Juan y de la ciudad de Brisbane, aunque, en realidad, sus padres fueron sus primeros profesores de música. En 1911 ganó una beca para estudiar en Inglaterra composición con Charles Villiers Stanford (y aguantar su antisemitismo), armonía y contrapunto con Thomas Dunhill y piano con Frederic Cliffe.

Tuvo una carrera larga y exitosa como compositor, pianista, director y profesor de piano (su estudiante más famoso es Benjamin Britten) y pasó la mayor parte de su vida adulta en Inglaterra. Nos dejó unas 80 piezas: cinco óperas (la última de las cuales quedó inacabada con su muerte), un ballet, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal.

Como dato curioso, él sirvió en la Real Fuerza Aérea en la Primera Guerra Mundial y en julio de 1918 fue derribado por un joven piloto alemán llamado Hermann Göring.

¿Qué salió mal?: A pesar de que Benjamin era innegablemente popular con el público, la crítica siempre estuvo dividida respecto a él.

La principal acusación que se lanzaba en su contra era el que no tuviese una personalidad musical propia muy diferenciada: dependiendo de qué obra estés escuchando, Benjamin puede sonar como Gershwin, Walton, Sibelius, Bax, Hindemith, Ravel, la primera etapa de Stravinski u otros.

Otro problema era la propia naturaleza de su música: en lugar de interactuar con los movimientos musicales del siglo XX, Benjamin prefirió escribir música ligera, accesible y convencionalmente tonal con un fuerte sabor romántico, lo que hizo que mucha gente no lo tomara en serio e, incluso hoy día, muchos no sepan qué hacer con las pocas piezas en las que se puso serio (como, por ejemplo, en su única sinfonía).

Por último, él fue famoso como compositor de bandas sonoras para el cine y fue una víctima del problema con los compositores de bandas sonoras.

Tras su muerte, su música cayó rápidamente en el olvido, con la excepción de Jamaican Rumba (1938):

…que sigue siendo una pieza muy popular en el repertorio de música ligera, de la cual escribió varias versiones (la original para dos pianos es la que pueden escuchar arriba) y por la que el gobierno de Jamaica, en agradecimiento por hacer la isla famosa a nivel mundial, le mandó un barril de ron al año por el resto de su vida.

¿Qué más hay para escuchar?: Su Concerto quasi una fantasia para piano y orquesta (1950)…

…el concertino para piano (1926-27):

…y la Fantasía romántica para violín, viola y orquesta (1938):

Explicación: El problema con los compositores de bandas sonoras

¿Y cuál es ese problema? Pues que los críticos, por alguna razón, se la tienen jurada.

Curiosidades históricas: Arnold Bax (1883 - 1953)

¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Nacido en una familia próspera que lo animó a que persiguiera una carrera musical y siempre apoyó sus proyectos artísticos, Bax fue un compositor prolífico de ballets, bandas sonoras para el cine, música orquestal (la cual incluye sus siete sinfonías, las cuales en su época le ganaron una reputación como el principal sinfonista inglés), de cámara, instrumental, coral y vocal.

Su estilo era una mezcla del Romanticismo tardío de los wagnerianos y postwagnerianos, Rajmáninov y Sibelius con el Impresionismo y, en sus primeros años, una fuerte influencia de las culturas y mitologías céltica y nórdica (aunque, cuando alcanzó su madurez artística, abandonó en su mayor parte sus elementos fantásticos). En su mejor época, después de la Primera Guerra Mundial y durante toda la década de 1920, fue uno de los compositores más famosos y amados de Inglaterra.

¿Qué salió mal?: En la década de 1930 la música de Bax empezó a dejar de ser considerada nueva y difícil y cada vez atrajo menos y menos atención. En sus años finales cayó en un olvido casi absoluto. La única obra suya que permaneció en el repertorio, y que aún conserva cierta popularidad, es el poema sinfónico Tintagel (1921):

…al cual, honestamente, no le veo la gracia.

Esto se debió, principalmente, a que fue uno de los muchos, muchísimos compositores que siguieron aferrados al Romanticismo en los tiempos en los que el Modernismo conquistaba el mundo (y Bax era especialmente hostil a Schönberg). Además, el que trabajase fuera de toda ortodoxia y moda musical, aunque loable desde el punto de vista artístico, tuvo la desventaja de convertirlo en una figura aislada.

Fue en la década de 1960 en la que empezó a renacer el interés en su música y hoy en día hay montones de grabaciones de sus obras, tanto mayores como menores, aunque sigue siendo un gran ausente de las salas de concierto. Una de las razones por las que sucede esto es simplemente porque sus obras en los géneros mayores demandan fuerzas excepcionalmente grandes; York Bowen lo resumió mejor que nadie: “cuando la partitura demanda tales lujos como el triple o cuádruple de instrumentos de viento de madera, seis cuernos, tres o cuatro trompetas, percusión extra y quizá un órgano, indudablemente está arrojando dificultades extra en el camino de la interpretación”.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque Bax es la clase de compositor que tiene tantos defectos como virtudes y los unos pesan exactamente lo mismo que las otras.

¿Qué más hay para escuchar?: A pesar de lo anterior, Bax tiene un par de piezas que me impresionaron bastante. Estas son la segunda sonata para piano (1919, revisada en 1920):

…y su primera sinfonía (1922):

Lili Boulanger (1893 - 1918)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Marie-Juliette Olga “Lili” Boulanger fue la hermana menor de la famosa directora y profesora Nadia Boulanger.

Esta niña prodigio (que a la edad de dos ya cantaba melodías) nació en un hogar musical: sus padres eran ambos músicos y entre los conocidos de su padre se cuentan Fauré (quien más tarde sería su primer profesor de música y fue impresionado por el talento de Lili), Gounod, Massenet, Saint-Saëns, Ravel y Widor; su abuelo fue un violonchelista famoso y su abuela fue una cantante.

Antes de cumplir cinco ya acompañaba a su hermana Nadia a sus clases en el Conservatorio de París, poco después sentándose en la clase de teoría musical y estudiando órgano con Louis Vierne. También cantaba y tocaba el piano (que estudió con Mme. Hélène Chaumont), el violín (que estudió con Fernand Luquin), el violonchelo y el arpa (que estudió con Marcel Tournier y Alphonse Hasselmans). No obstante, debido a su mala salud (a la edad de dos contrajo una neumonía bronquial, lo que destrozó su sistema inmunológico por el resto de su breve vida, la cual fue cortada por una afección que pudo haber sido la enfermedad de Crohn o una tuberculosis intestinal), a la edad de seis interrumpió sus estudios musicales y no los reanudó hasta que cumplió 16. Tras esperar pacientemente, estudió armonía con Georges Caussade y composición con Paul Vidal (siempre se vería más que nada como una compositora) en el Conservatorio de París.

Fue la primera mujer en ganar el Prix de Rome en 1913 con la cantata Faust et Hélène, la cual, en vida, fue interpretada numerosas veces y aclamada por gente como Debussy y Ravel.

Nos dejó unos pocos puñados de obras orquestales, de cámara, para piano, corales y vocales compuestas en un estilo fuertemente influenciado por Massenet, Fauré y Debussy y que, a su vez, influenciaron a Honegger y Messiaen. También dejó la ópera inacabada La princesse Maleine, inspirada en una obra teatral de Maeterlinck (el mismo autor en el que se basó Debussy para su Pelléas et Mélisande) y cuenta la leyenda que el propio autor le suplicó a la compositora que viviera lo suficiente para completar la ópera. Sin embargo, hay que mencionar que muchas de sus obras se perdieron o fueron destruidas por la propia compositora, de otras sólo quedan los bocetos y…

Vale la pena preguntarse qué más habría logrado de haber vivido más tiempo, pues iba de camino al superestrellato musical y estaba empezando a innovar con influencias de las vanguardias musicales de la época.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con Les sirènes (1911)…

…la ya mencionada Faust et Hélène (1913):

…sus tres Salmos (compuestos en 1916 y 1917):

…su Vieille prière bouddhique (1914-1917):

…su D’un soir triste (1918; la última pieza que pudo completar sin la ayuda de su hermana):

…su Pie Jesu (1918; la cual tuvo que dictar en su lecho de muerte):