Margaret Bonds (1913 - 1972)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: De niña, Margaret Bonds estudió piano gracias a la Beca Coleridge Taylor, que se le fue concedida por la Escuela de Música Coleridge Taylor, donde su madre (organista y directora del coro de una iglesia y miembro de la National Association of Negro Musicians) trabajó como educadora por 20 años. Fue una niña prodigio que firmó su primera pieza a la edad de cinco y a las edades de ocho y nueve ganó becas de piano del Chicago Musical College. Sus profesores de piano hasta la edad de trece incluyeron a su madre, Estella Bonds, Martha B. Anderson y Tom Theodore Taylor. A la edad de trece, comenzó a estudiar con William Levi Dawson y Florence Price (la primera afroamericana que compuso música sinfónica). La madre de Margaret a menudo recibía a otros músicos, artistas y escritores negros en su hogar; entre estos se encontraban Abbie Mitchell, Lillian Evanti, Countee Cullen, Noble Sissle, Langston Hughes y Will Marion Cook, todos los cuales influenciaron sus estudios y carrera musicales.

En 1929, a la edad de 16, Bonds comenzó a estudiar en la Universidad del Noroeste, donde obtuvo su Licenciatura de Música (1933) y su Máster de Música (1934) en piano y composición. Bonds era una de los pocos estudiantes negros en esa institución; el ambiente era hostil, racista y casi insoportable: aunque se le permitió estudiar en la universidad, no se le permitió vivir en el campus o usar la biblioteca, las instalaciones o la piscina.

Después de graduarse de la Universidad, Bonds se mudó a Nueva York, donde asistió a Juilliard y estudió composición con Roy Harris, Robert Starer y Emerson Harper y piano don Diane Herz. También estudió con Walter Gossett. Intentó estudiar con Nadia Boulanger, quien, al ver su obra, dijo que no necesitaba más estudios y se negó a enseñarle. No obstante, no se sabe si Boulanger realmente pensaba que Bonds no necesitaba más instrucción o actuaba desde una posición de prejuicio racial.

A pesar de que toda su vida enfrentó discriminación debido a su sexo y su raza, tuvo una carrera larga y prestigiosa como pianista, compositora, profesora, organizadora musical en los cargos más variados y promotora de la música de otros compositores afroamericanos. Fue una de los primeros músicos negros en ganar reconocimiento en los Estados Unidos, la primera afroamericana en actuar con la Orquesta Sinfónica de Chicago (todos varones blancos), una de las primeras afroamericanas en ver su música emitida por la radio europea, la primera afroamericana en ver su música interpretada extensamente en África, la segunda afroamericana en la música clásica en ser elegida como un miembro completo de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores y la primera mujer, blanca o negra, en ganar tres premios de dicha organización.

En sus años finales sufrió problemas de depresión y alcoholismo y murió de un ataque cardiaco a la edad de 59.

¿Qué salió mal?: Bonds ocupa un lugar peculiar como una “Gloria Olvidada” porque una parte de su obra puede decirse que tiene cierta fama hasta el día de hoy y hasta puede que la hayan escuchado. Me refiero a su Música Popular: sus versiones de spirituals tienen cierta popularidad, participó de bandas sonoras para el cine, la radio y la televisión (por ejemplo, una de sus piezas puede escucharse en el icónico clásico Gone with the Wind) y compuso música para Cab Calloway, la Glenn Miller Orchestra, Louis Armstrong y Woody Herman.

Es su trabajo con la Música Clásica el que ha caído en la oscuridad.

Escribió más de 200 obras (la mayoría de las cuales incluyen la voz humana de una forma u otra) en los géneros de música para los escenarios (dos ballets, música incidental y musicales), orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral en un estilo que combina el neorromanticismo con influencias del blues, el jazz, los spirituals y todos los demás géneros de música afroamericana.

El problema es que la inmensa mayoría de su música se ha perdido, quizá para siempre…

Sólo 75 de sus obras sobreviven hasta el día de hoy. Bonds no mantenía archivos organizados y a menudo enviaba las copias originales directamente a los individuos a los que las dedicaba. En una ocasión, una caja entera de sus partituras fue encontrada al lado de un bote de basura en una feria del libro después de, aparentemente, no encontrar un comprador.

Para colmo de males, montones de sus obras se encuentran en una especie de limbo legal. Ni ella ni su viudo ni su hija dejaron testamentos, por lo que no se sabe cuál era su voluntad respecto a su música y su muerte sucedió cuatro años antes que se aprobara la Ley de Derechos de Autor de 1976, por lo que los herederos no pudieron beneficiarse de los derechos de propiedad intelectual que los patrimonios de compositores posteriores tienen sobre sus obras. Y la discriminación hacia las afroamericanas significó que la inmensa mayoría de su música nunca fue grabada. La situación legal de su obra es tan confusa que esta podría entrar en el dominio público en tres fechas posibles (2042, 2060 ó 2085) dependiendo de cómo interpretes la ley.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con The Ballad of the Brown King (1954)…

…Simon bore the cross (una de las obras encontradas en esa caja al lado de un bote de basura):

…y Credo (1965):

Curiosidades históricas: Conlon Nancarrow (1912 - 1997)

¿A qué categorías habría pertenecido?: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nacido en una familia con cierta afición por la música, Nancarrow empezó sus clases de piano a la edad de cuatro y de violín a la edad de diez. A la edad de catorce aprende a tocar la trompeta y se integra a la banda local de su pueblo. No tarda en descubrir el jazz e identificarse con algunos de sus grandes intérpretes.

En 1928 ingresa brevemente en la Western Military Academy de Alto, después, por presiones de su padre, en la Facultad de Ingeniería de la Universidad Vanderbilt y, después, en el National Music Camp en Interlochen. Ingresa en el Conservatorio de Cincinnati en 1929, donde estudia trompeta y teoría musical hasta 1932 y donde conocería la música de Stravinski. En 1933, ingresa en el Conservatorio Malkin, donde estudia dirección de orquesta con Arthur Fiedler. Estudia en privado con Nicholas Slonimsky, Roger Sessions y Walter Piston.

Se une al Partido Comunista estadounidense y, debido a sus convicciones políticas, ingresa en el batallón Abraham Lincoln y lucha en la Guerra Civil Española en el bando republicano. En 1939 regresa a Estados Unidos, pero sus simpatías socialistas lo vuelven sospechoso para el gobierno estadounidense y Nancarrow escapa del país y huye a México. En 1955 adquiere la ciudadanía mexicana.

¿Por qué no es más famoso?: En primer lugar, por haber vivido prácticamente como un recluso en Ciudad de México (aunque consiguió algunos amigos entre los compositores locales), pero principalmente por la naturaleza de su propia música en sí.

A pesar de que también escribió algunas piezas orquestales, de cámara y para piano, la fama de Nancarrow se debe principalmente a los más de sesenta estudios para pianola que firmó. En 1947 empezó a trabajar con la pianola, y hasta consiguió una máquina para perforar sus rollos, debido a que le permitía experimentar con una música que estaba más allá de las capacidades de cualquier intérprete humano. Estas piezas condensan montones de influencias, desde J. S. Bach y el jazz (pianistas como Art Tatum) y el blues hasta las ideas más radicales que Henry Cowell expresó en el libro New Musical Resources y John Cage. Esto, junto con que usara una pieza de tecnología obsoleta, garantiza que su obra siempre va a ser muy oscura fuera de los círculos dedicados a la música vanguardista.

Tras años de aislamiento del mundo musical, su obra empezó a ser publicada en 1969 y sólo logró reconocimiento en la década de 1980 cuando gente como György Ligeti lo descubrió y comenzó a proclamar que era uno de los compositores más importantes del siglo XX y a compararlo con Ives y Webern. Entre los músicos que influenció se encuentran el propio Ligeti, Elliott Carter, Harrison Birtwistle, John Adams, Steve Reich, James Tenney, David Murcott, Paul Usher y Robert Wiley.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque es un compositor muy irregular; sus famosos estudios para pianola varían grandemente en calidad. No obstante, sus mejores estudios son auténticas obras maestras.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con este puñado de, ¿qué más?, sus estudios para pianola…

Ingolf Dahl (1912 - 1970)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Un compositor del Neoclasicismo.

Dahl nació como Walter Ingolf Marcus en Hamburgo, Alemania, hijo de un padre judío alemán y de una madre sueca.

En Hamburgo, Dahl estudió piano con Edith Weiss-Mann, una clavecinista, pianista y defensora de la música antigua, y con Philipp Jarnach en la Universidad de Música y Danza de Colonia. Dahl dejó Alemania cuando el Partido Nazi tomó el poder y continuó sus estudios en la Universidad de Zúrich, junto con Volkmar Andreae y Walter Frey. Trabajó en la Ópera de Zúrich por más de seis años (y colaboró en los estrenos mundiales de Lulu de Alban Berg y Mathis der Maler de Paul Hindemith), pero cuando Suiza se volvió cada vez más hostil hacia los refugiados judíos, Dahl emigró a los Estados Unidos. Allí usó el nombre “Ingolf Dahl”, una combinación de su segundo nombre con el apellido de soltera de su madre, para ocultar su herencia judía. Se estableció en Los Ángeles y se unió a la comunidad de músicos expatriados que incluía a Ernst Krenek, Darius Milhaud, Arnold Schönberg, Igor Stravinski y Ernst Toch.

Se cambió el nombre legalmente a Ingolf Dahl en febrero de 1943 y se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos en septiembre de ese año.

¿Por qué no es más famoso?: Dahl es más famoso hoy en día más por haber sido amigo de Igor Stravinski y de Aaron Copland.

Esto se debe a dos factores principales.

En primer lugar, su obra es muy reducida: sólo un poco más de 30 piezas, la mayoría de estas música de cámara. Esto se debió a que Dahl era uno de esos perfeccionistas enloquecedores que revisaban hasta el más mínimo detalle de sus obras.

Y, en segundo lugar, Dahl se dedicó toda su vida a esconder no sólo su herencia judía sino también su condición de homosexual. En su adolescencia fue bisexual para más tarde volverse un homosexual completo. Su esposa, Etta, aceptó su homosexualidad y lo ayudó a mantenerla escondida; ambos tendrían sus propios amantes a lo largo de sus vidas. Parece que la presión por esconder estos secretos personales lo hizo mantener un perfil bajo toda su vida, lo cual no ayuda a alguien a proyectar su carrera.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Concerto a tre (1947) para violín, violonchelo y clarinete…

…su Música para instrumentos de viento de metal (1944):

…y el Concierto para saxofón alto y orquesta de viento (1948):

Jehan Alain (1911 - 1940)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Alain nació en una familia musical. Su padre, Albert Alain (1880 – 1971), fue un organista, compositor (469 números de opus, en su mayoría piezas corales litúrgicas breves) y constructor de órganos; su abuela materna estudió con Chopin y se supone que fue una excelente pianista. Sus tres hermanos también se convertirían en músicos profesionales.

Alain empezó a recibir clases de música en cuanto creció lo suficiente para sentarse frente a un teclado. Recibió sus primeras clases de piano con Augustin Pierson, el organista de Saint-Louis en Versalles, y de órgano con su propio padre. Para la edad de once, Jehan sustituía a su padre en St. Germain-en-Laye. A la edad de 18 se convirtió en compositor.

Entre 1927 y 1939, asistió al Conservatorio de París, donde estudió armonía con André Bloch, fuga con Georges Caussade, órgano con Marcel Dupré y composición, primero y brevemente, con Paul Dukas y, después, con Jean Roger-Ducasse.

En su breve carrera logró escribir unas 140 piezas. La mayoría de estas son obras para órgano, aunque también firmó música coral, de cámara, canciones y tres volúmenes de música para piano. Su lenguaje musical fue influenciado por la primera etapa de Debussy, por Satie, por la música, la danza y las filosofías del Lejano Oriente, por la música antigua (desde el canto gregoriano hasta el Barroco) y por el jazz.

Además, fue un excelente dibujante, escribió poemas y relatos cortos y le gustaba reparar y conducir motocicletas. Su personalidad combinaba un sutil sentido del humor con una profunda sensibilidad y fe religiosa. Fue amigo de Messiaen.

Murió en combate en la Segunda Guerra Mundial.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su obra más famosa, sus Litanies (1937)…

Vagn Holmboe (1909 - 1996)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Dinamarca.

¿Quién es?: Probablemente sea el segundo compositor más importantes producido por Dinamarca (superado sólo por Carl Nielsen) y uno de los sinfonistas y compositores de cuartetos de cuerdas más importantes del siglo XX.

Nació en una familia llena de músicos aficionados; ambos de sus padres tocaban el piano. Desde la edad de 14 tomó clases de violín. A la edad de 16 comenzó su educación musical formal en la Real Academia Danesa de Música por recomendación de Carl Nielsen. Estudió teoría con Knud Jeppesen y composición con Finn Høffding. Tras terminar sus estudios se mudó a Berlín donde durante un breve periodo fue estudiante de Ernst Toch.

Un gran amante de la naturaleza, Holmboe se estableció en una granja en la década de 1950 y vivió en el campo hasta su muerte y con los años plantó personalmente 3000 árboles en su tierra.

Holmboe compuso unas 370 obras, con y sin números de opus, muchas de las cuales siguen sin estrenar: varias óperas, música orquestal, de cámara, coral y vocal. Su estilo musical combina el neoclasicismo (al que se aproximaba de una forma muy parecida a Hindemith) con la incorporación de la música folclórica en la música clásica, desde la de Transilvania (su esposa era rumana) hasta la de Groenlandia, de una forma que recuerda a Béla Bartók y Ralph Vaughan Williams.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus trece sinfonías…

…y estas dos piezas de cámara:

Ljubica Marić (1909 - 2003)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Serbia.

¿Quién es?: Es considerada la más original e influyente compositora yugoslava (reclamada por Serbia) del siglo XX y fue quien introdujo la Música Moderna en Yugoslavia.

Comenzó a estudiar el violín a la edad de once y a componer poco después. Discípula de Josip Štolcer-Slavenski y Miloje Milojević, fue el primer serbio en conseguir un diploma de composición en 1929. Continuó sus estudios en el Conservatorio Estatal de Praga con Josef Suk. Desde el primer instante fue considerada una mujer genialmente talentosa (por gente como Shostákovich, Bartók, Lutoslawski, Hába, Slonimsky, Scherchen y Flothius), fue elogiada en festivales de Ámsterdam, Estrasburgo y Praga, su música fue promovida por Hermann Scherchen y Alois Hába le ofreció un puesto como profesora en el Conservatorio Estatal de Praga. La Segunda Guerra Mundial interrumpió su carrera internacional y pasó la mayor parte del resto de su vida en Belgrado.

También estaba interesada en las artes visuales, el zen y el taoísmo y escribió poesía filosófica. Vivió como una reclusa.

Su estilo musical combina una serie de influencias de la música del siglo XX (atonalidad, microtonalidad, Béla Bartók, etcétera) con sus estudios de la música litúrgica bizantina (fue el primer compositor en usarla en composiciones no litúrgicas). Es precursora del minimalismo (gente como Ärvo Pärt y John Tavener) y del posmodernismo. Trágicamente, su obra es reducida debido a que secciones importantes de su producción se han perdido para siempre…

…por cosas como la complicada historia de su país en el siglo XX (durante la Segunda Guerra Mundial fue arrestada por sus conexiones con el movimiento comunista yugoslavo y casi toda su música de este periodo ha desaparecido; después de la guerra, el régimen comunista yugoslavo les puso trabas a los compositores de música moderna) y extensas etapas de su vida en las que prácticamente no compuso (tras la muerte de su madre en 1964, escribió muy poco o nada hasta 1983). Tras este largo silencio, volvió a componer y hasta ganó un interés entusiasta en importantes centros musicales de los Países Bajos, Alemania y Gran Bretaña.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su cantata Pesme prostora (“Canciones del espacio”; 1956)…

…y su Concierto Bizantino (1959) para piano y orquesta:

Grażyna Bacewicz (1909 - 1969)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Polonia.

¿Quién es?: Fue la segunda compositora polaca en ganar reconocimiento internacional después de Maria Szymanowska a principios del siglo XIX y es considerada la más importante compositora polaca de la primera mitad del siglo XX.

Bacewicz nació en Lodz, hija de Maria y Vincas (Wicenty) Bacewicz. Ella tuvo dos hermanos mayores, Kiejstut y Vytautas, y una hermana menor, Wanda. Su padre era de origen lituano e inculcó en sus hijos una profunda conexión con su herencia lituana, a pesar de cambiarse su apellido de Bacevičius a Bacewicz. También fue el primer profesor de música de sus hijos e insistió en que los cuatro estudiaran violín, piano y teoría musical fundamental desde una edad muy temprana. Sus dos hermanos mayores también se dedicarían a la música (Vytautas, quien se identificaba como lituano, usó la versión lituana de su apellido, emigró a Nueva York y se convirtió en un pianista y compositor influenciado por el Varèse más radical y el Skriabin más místico), mientras que su hermana menor se convirtió en poeta.

El padre de Grażyna, casi con toda seguridad, había sido enviado a Lodz por autoridades zaristas en 1899 en un intento por dispersar estudiantes que pudiesen estar interesados en revivir el movimiento nacionalista lituano. El padre de la compositora eventualmente se separó de su familia en 1925 por seguir una oportunidad para tener un puesto de enseñanza en Lituania.

Grażyna tocó su primer concierto a la edad de siete, junto a sus hermanos, y escribió su primera pieza con unos trece años. En 1928, comenzó a estudiar en el Conservatorio de Varsovia: violín con Józef Jarzębski y composición con Kazimierz Sikorski; también estudió piano con Józef Turczyński por dos semestres. Tras graduarse en 1932, asistió a clases de composición impartidas por Nadia Boulanger en la École Normale de Musique (aunque Boulanger afirmaba que Bacewicz ya tenía su propia voz al entrar en su escuela) y también estudió con André Touret y Carl Flesch.

Su estilo musical evolucionó con el tiempo. En un principio su música todavía conservó influencias del romanticismo tardío, pero, con el paso de los años, se transformó en un sonido que combinaba influencias de Bartók, el neoclasicismo, el neobarroco y la música folclórica polaca para después, con la muerte de Stalin y el relajamiento de la presión del régimen comunista sobre la vida cultural del país, poco a poco incluir influencias de la escuela de Darmstadt. Su catálogo enumera más de 200 composiciones: ballets, música incidental, bandas sonoras para el cine y la radio (lo cual incluye una ópera para la radio), música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral.

Ella también escribió una novela, una obra de teatro y varios cuentos cortos.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Se considera que sus obras maestras son sus cuartetos de cuerdas, de los cuales el más famoso es el cuarto (1951)…

Después pueden continuar con su segunda sinfonía (1951):

…y su concierto para piano y orquesta (1949):

Hugo Distler (1908 - 1942)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Nacido en Núremberg, asistió al Conservatorio de Leipzig desde 1927 hasta 1931, primero como estudiante de dirección con piano como su materia secundaria, pero, siguiendo el consejo de sus profesores, se cambió a composición y órgano. Estudió allí con Martienssen (piano), Günther Ramin (órgano) y Grabner (armonía).

Distler es considerado uno de los grandes campeones del movimiento neobarroco, uno de los compositores alemanes más importantes de su generación y el autor de alguna de la música coral y para órgano más importante del siglo XX. Aparte de esos dos géneros, escribió, con menos suerte, piezas de cámara, obras para piano solo y para otros instrumentos, algo de música vocal y de música incidental y dos conciertos. Al principio su estilo estaba fuertemente influenciado por Stravinski, Ravel y Busoni pero, cuando se pasó al neobarroco, su música se volvió fuertemente deudora de Heinrich Schütz y Paul Hindemith.

En 1933 se unió al Partido Nazi y mis fuentes discrepan si fue sólo para poder conservar su empleo o si fue uno de los protestantes que ingenuamente pensaron que el ascenso de Hitler al poder llevaría a un restablecimiento de la Iglesia en Alemania.

Durante la Segunda Guerra Mundial, cayó en una profunda depresión, la cual empeoró con el tiempo, debido a las muertes de amigos, familiares y colegas, los ataques aéreos, el aislamiento, los horrores del régimen, el acoso que recibió de los Nazis debido a que fue declarado un creador de “arte degenerado” y la constante amenaza de ser reclutado por el ejército alemán. Se suicidó con gas cuando recibió una carta que decía que finalmente había sido reclutado.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Distler se ha convertido en, más que nada, la clase de músico que sólo es recordado durante aniversarios. Esto se debe a una variedad de factores como el que su música sea muy desafiante para los intérpretes, el que la música europea de la posguerra fuese conquistada por los diferentes serialismos y el estereotipo de que él es más famoso por su trágico fin y por un sentimiento de “culpa alemana”.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Die Weihnachtsgeschichte (1933)…

…y el motete “Singet frisch und wohlgemut”:

Especial: Tres compositoras canadienses

Las tres compositoras que voy a presentarles hoy tienden a ser agrupadas juntas por unas cuantas razones: las tres pertenecen a la primera generación de compositores canadienses que comenzó a componer música en serio y que pusieron a Canadá en el panorama musical internacional, las tres tuvieron carreras notables como compositoras, docentes, intérpretes y/o organizadoras musicales y las tres, por coincidencias de la vida, murieron en el año 2000 en un periodo de tan sólo cinco semanas.

La primera que trataremos es Jean Coulthard (1908 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Canadá.

¿Quién es?: Fue hija de Jean Blake Robinson Coulthard, un prominente e influyente profesor de música en Vancouver. Su madre le dio sus primeras lecciones de música y desde una edad muy temprana se le presentó la obra de compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel, los cuales ella misma describiría como sus influencias más importantes en su obra. Entre 1924 y 1928 estudió piano con Jan Cherniavsky y teoría musical con Frederick Chubb. Una beca le permitió estudiar en el Royal College of Music en 1928 y 1929 con Kathleen Long, R. O. Morris y Ralph Vaughan Williams. En las décadas de 1930 y 1940 estudiaría con compositores como Béla Bartók, Aaron Copland, Darius Milhaud y Arnold Schönberg. Cerca del final de la Segunda Guerra Mundial pasó un año estudiando en Juilliard y en la década de 1950 estudió con Nadia Boulanger.

Coulthard escribió unas 350 obras en casi todos los géneros tradicionales: una ópera, un ballet, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo es predominantemente neorromántico y neoimpresionista pero, a partir de la década de 1960, empezó a incluir material más experimental como música electrónica, bitonalidad, cuartas armónicas, escalas inusuales, serialismo, microtonalidad, aleatoriedad y clústeres tonales.

A pesar de todo, con frecuencia ella fue una compositora bastante ignorada debido, por un lado, a la razón evidente…

…y, por el otro, por su estilo neorromántico en una época en la que los distintos serialismos dominaban el mundo. Fue sólo a partir de la década de 1970, cuando una actitud más pluralista emergió, que la gente empezó a reevaluar otros estilos musicales y la música compuesta por mujeres y la estatura de Jean Coulthard aumentó hasta llegar a ser considerada una de los compositores más importantes en la historia de Canadá y conseguir un puesto firme en el repertorio canadiense, particularmente en su natal Columbia Británica.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con The Bird of Dawning (1949)…

…sus Aegean Sketches (1961):

…y su segunda sonata para piano (1986):

Y ahora vamos con Barbara Pentland (1912 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nacida en Winnipeg, Manitoba, Pentland sufrió de un desorden cardiaco que limitó significativamente sus actividades físicas y sociales durante su infancia. Como resultado, dedicó mucho de su tiempo a sus estudios y otras actividades intelectuales. A la edad de nueve comenzó a estudiar piano y pronto desarrolló un interés en la composición, pero esto fue desanimado por sus profesores y su familia relativamente adinerada y conservadora. Sus padres deseaban que ella adoptara sus valores y persiguiese una vida en la clase alta de la sociedad canadiense.

A pesar de la oposición de su familia, Barbara continuó componiendo en privado durante toda su adolescencia. Finalmente fue animada en estos intereses por uno de sus profesores, el organista y director Frederick H. Blair, quien le enseñó piano y teoría musical mientras asistía a un internado de Montreal desde 1927 hasta 1929. En 1929, sus padres la sorprendieron al permitirle estudiar con Cécile Gauthiez en la Schola Cantorum de París; sus lecciones incluyeron forma, armonía y análisis de compositores como César Franck, Vincent d’Indy y Ludwig van Beethoven.

Pentland eventualmente regresó a Winnipeg y continuó tomando lecciones con Gauthiez por correspondencia. Desafortunadamente, sus padres siguieron desaprobando sus sueños de convertirse en compositora profesional y dejaron cada vez más claro que esperaban que abandonara esos proyectos y se casara. Tras una desastrosa presentación como debutante, Pentland pasó seis años dedicándose a la música, lo que incluyó composición, interpretación y aprender nuevos instrumentos.

Entre sus problemas de salud, sus conflictos con sus padres y sus clases de música, en 1936, Pentland entró en Juilliard, donde estudió contrapunto del siglo XVI con Frederick Jacobi y técnicas de composición modernas con Bernard Wagenaar. En 1941 y 1942 estudió en el Centro Musical Tanglewood con Aaron Copland.

El estilo de Pentland evolucionó de un romanticismo influenciado por los compositores que estudió en la Schola Cantorum y los eventos de la Revolución Francesa a un neoclasicismo influenciado por Bartók, Stravinski, Hindemith y, después, Copland, en sus años de Juilliard y Tanglewood. Su lenguaje musical comenzó a alejarse del neoclasicismo cuando descubrió el serialismo, de la mano de una de las estudiantes de Schönberg, en visitas a la Colonia MacDowell de Nueva Hampshire que hizo en 1947 y 1948 y terminó de romper con este con una visita que hizo a Darmstadt en 1955, donde conoció a la influencia más importante en su estilo maduro: Anton Webern. Aunque no se convirtió en una compositora estrictamente serial, adaptó elementos de su estilo y técnica en su nuevo lenguaje musical “atonal libre”. Es durante este periodo que alcanzó su madurez artística. Durante las décadas de 1960 y 1970 incorporó en su obra elementos como microtonos, aleatoriedad, sonidos pregrabados e improvisación. Escribió más de 150 composiciones en casi todos los géneros: música para los escenarios, bandas sonoras para el cine y la radio, música orquestal, de cámara, para piano (más de cien piezas), vocal y coral.

Durante su última década de vida batalló contra el Alzheimer.

¿Por qué no es más famosa?: Además de la razón ya mencionada en el meme de arriba, Pentland fue una compositora de música “difícil” que a menudo ha sido criticada por su severidad y frialdad emocional (ella estaba perfectamente consciente de estas críticas y no le importaba). Sus seguidores normalmente eran otros músicos y críticos musicales.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Escuchen su tercer cuarteto de cuerdas (1969)…

…Disasters of the Sun (1976):

…y Vincula (1983):

Y, por último, tenemos a Violet Archer (1913 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Canadá.

¿Quién es?: Hija de inmigrantes italianos amantes de la ópera, nació en Montreal y fue bautizada Violetta Balestreri. En 1940, su familia entera cambiaría su apellido por “Archer” y sus nombres por versiones en inglés. En 1914, su madre la llevó con ella a Italia para traer a dos de sus hermanos a Canadá, los cuales había dejado en Italia al cuidado de su abuela materna. El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó que la familia quedara atascada en el país europeo durante cinco años, por lo que, como resultado, el primer idioma de Archer era el italiano. En respuesta a su interés en la música, su familia le regaló un piano a la edad de ocho y pronto comenzó sus clases de música. A la edad de 16 comenzó a componer.

Archer ganó una licenciatura de música de la Universidad McGill (allí estudió piano con Dorothy Shearwood-Stubington, órgano con J. J. Weatherseed y composición con Claude Champagne y Douglas Clarke) en 1936 y en 1938 un diploma del Royal Canadian College of Organists. En el verano de 1942 viajó a Nueva York y estudió con Béla Bartók. En 1947 estudió con Paul Hindemith en Yale. En su larga carrera, dio clases en varias universidades tanto de Estados Unidos como de Canadá.

Su prolífica obra, más de 330 composiciones, oscila, en cuanto a estilo, entre un sonido más tradicional y conservador y piezas más vanguardistas y está conformada por una ópera, bandas sonoras, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal, coral y experimentos con música electrónica en la década de 1960. A lo largo de su carrera, ella enfrentó muchos de los mismos desafíos que Jean Coulthard y, al igual que esa otra compositora, tuvo que esperar hasta la década de 1970 para que su obra fuese reevaluada.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pueden empezar con The Bell (1949)…

…continuar con su primer concierto para piano (1956):

…y terminar con Green Rain (1971):

Elizabeth Maconchy (1907 - 1994)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Muchos la consideran uno de los mejores compositores producidos por las Islas Británicas.

Ella nació en Hertfordshire, Inglaterra, hija de padres irlandeses. En 1917, su familia regresó a Irlanda; Maconchy, a lo largo de su carrera, se identificaría como irlandesa mientras en los medios era descrita como una compositora inglesa con influencias irlandesas.

Su familia no era particularmente musical pero tampoco se opuso a los deseos de Maconchy de convertirse en compositora. En su adolescencia comenzó sus estudios musicales en Dublín: piano con Edith Boxhill y armonía y contrapunto con John Francis Larchet. En 1923, se mudó a Londres y entró en la Royal College of Music, donde estudió con Arthur Alexander, Gordon Jacob, Charles Wood y Ralph Vaughan Williams, de quien sería una amiga de toda la vida. Ella también sería amiga de Elisabeth Lutyens, Grace Williams, la compositora irlandesa Ina Boyle y el crítico musical checo Jan Löwenbach. En 1930, gracias a una beca, fue a estudiar a Praga con Karel Jirak.

Produjo más de 200 obras: música para los escenarios, orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Ella partió de un estilo muy deudor del Pastoralismo de su maestro, Vaughan Williams, el cual enriqueció con influencias de Bartók y Janácek (a los cuales ella reconoció como sus influencias más importantes) y un neoclasicismo que vuelve a los modelos de Mozart y Beethoven; el resultado final la emparenta con compositores como Britten, Rubbra y Alwyn. Ella atrajo la atención de algunos de los músicos más famosos de la época, como Henry Joseph Wood, Donald Francis Tovey y Gustav Holst.

¿Por qué no es más famosa?: A pesar de que en su carrera no le faltaron los encargos y los reconocimientos y desempeñó numerosos cargos oficiales, Maconchy nunca fue la compositora más famosa (en una temporada en la que las obras de Britten consiguieron más de 150 interpretaciones, las suyas sólo consiguieron seis). Esto se debió a que ella no escribía música que fuese inmediatamente accesible al público y, además, que no le interesara hacerse famosa, pues prefería llevar su vida en privado (aunque no era una reclusa). Pero también porque fue eclipsada, primero por Britten y después por las múltiples vanguardias que entraron en las Islas Británicas en la década de 1960.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Lo más parecido que tiene Maconchy a unas obras famosas son sus trece cuartetos de cuerdas, los cuales son un excelente punto de inicio y son considerados sus obras maestras. Sólo por llevar la contraria, en lugar de estos voy a poner en el blog tres de sus obras orquestales: la obertura de coronación “Proud Thames” (1952-53)…

…la Sinfonía para doble orquesta de cuerdas (1952-53):

…y la Serenata concertante (1968) para violín y orquesta: