Especial: Tres compositoras canadienses

Las tres compositoras que voy a presentarles hoy tienden a ser agrupadas juntas por unas cuantas razones: las tres pertenecen a la primera generación de compositores canadienses que comenzó a componer música en serio y que pusieron a Canadá en el panorama musical internacional, las tres tuvieron carreras notables como compositoras, docentes, intérpretes y/o organizadoras musicales y las tres, por coincidencias de la vida, murieron en el año 2000 en un periodo de tan sólo cinco semanas.

La primera que trataremos es Jean Coulthard (1908 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Canadá.

¿Quién es?: Fue hija de Jean Blake Robinson Coulthard, un prominente e influyente profesor de música en Vancouver. Su madre le dio sus primeras lecciones de música y desde una edad muy temprana se le presentó la obra de compositores franceses como Claude Debussy y Maurice Ravel, los cuales ella misma describiría como sus influencias más importantes en su obra. Entre 1924 y 1928 estudió piano con Jan Cherniavsky y teoría musical con Frederick Chubb. Una beca le permitió estudiar en el Royal College of Music en 1928 y 1929 con Kathleen Long, R. O. Morris y Ralph Vaughan Williams. En las décadas de 1930 y 1940 estudiaría con compositores como Béla Bartók, Aaron Copland, Darius Milhaud y Arnold Schönberg. Cerca del final de la Segunda Guerra Mundial pasó un año estudiando en Juilliard y en la década de 1950 estudió con Nadia Boulanger.

Coulthard escribió unas 350 obras en casi todos los géneros tradicionales: una ópera, un ballet, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo es predominantemente neorromántico y neoimpresionista pero, a partir de la década de 1960, empezó a incluir material más experimental como música electrónica, bitonalidad, cuartas armónicas, escalas inusuales, serialismo, microtonalidad, aleatoriedad y clústeres tonales.

A pesar de todo, con frecuencia ella fue una compositora bastante ignorada debido, por un lado, a la razón evidente…

…y, por el otro, por su estilo neorromántico en una época en la que los distintos serialismos dominaban el mundo. Fue sólo a partir de la década de 1970, cuando una actitud más pluralista emergió, que la gente empezó a reevaluar otros estilos musicales y la música compuesta por mujeres y la estatura de Jean Coulthard aumentó hasta llegar a ser considerada una de los compositores más importantes en la historia de Canadá y conseguir un puesto firme en el repertorio canadiense, particularmente en su natal Columbia Británica.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con The Bird of Dawning (1949)…

…sus Aegean Sketches (1961):

…y su segunda sonata para piano (1986):

Y ahora vamos con Barbara Pentland (1912 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nacida en Winnipeg, Manitoba, Pentland sufrió de un desorden cardiaco que limitó significativamente sus actividades físicas y sociales durante su infancia. Como resultado, dedicó mucho de su tiempo a sus estudios y otras actividades intelectuales. A la edad de nueve comenzó a estudiar piano y pronto desarrolló un interés en la composición, pero esto fue desanimado por sus profesores y su familia relativamente adinerada y conservadora. Sus padres deseaban que ella adoptara sus valores y persiguiese una vida en la clase alta de la sociedad canadiense.

A pesar de la oposición de su familia, Barbara continuó componiendo en privado durante toda su adolescencia. Finalmente fue animada en estos intereses por uno de sus profesores, el organista y director Frederick H. Blair, quien le enseñó piano y teoría musical mientras asistía a un internado de Montreal desde 1927 hasta 1929. En 1929, sus padres la sorprendieron al permitirle estudiar con Cécile Gauthiez en la Schola Cantorum de París; sus lecciones incluyeron forma, armonía y análisis de compositores como César Franck, Vincent d’Indy y Ludwig van Beethoven.

Pentland eventualmente regresó a Winnipeg y continuó tomando lecciones con Gauthiez por correspondencia. Desafortunadamente, sus padres siguieron desaprobando sus sueños de convertirse en compositora profesional y dejaron cada vez más claro que esperaban que abandonara esos proyectos y se casara. Tras una desastrosa presentación como debutante, Pentland pasó seis años dedicándose a la música, lo que incluyó composición, interpretación y aprender nuevos instrumentos.

Entre sus problemas de salud, sus conflictos con sus padres y sus clases de música, en 1936, Pentland entró en Juilliard, donde estudió contrapunto del siglo XVI con Frederick Jacobi y técnicas de composición modernas con Bernard Wagenaar. En 1941 y 1942 estudió en el Centro Musical Tanglewood con Aaron Copland.

El estilo de Pentland evolucionó de un romanticismo influenciado por los compositores que estudió en la Schola Cantorum y los eventos de la Revolución Francesa a un neoclasicismo influenciado por Bartók, Stravinski, Hindemith y, después, Copland, en sus años de Juilliard y Tanglewood. Su lenguaje musical comenzó a alejarse del neoclasicismo cuando descubrió el serialismo, de la mano de una de las estudiantes de Schönberg, en visitas a la Colonia MacDowell de Nueva Hampshire que hizo en 1947 y 1948 y terminó de romper con este con una visita que hizo a Darmstadt en 1955, donde conoció a la influencia más importante en su estilo maduro: Anton Webern. Aunque no se convirtió en una compositora estrictamente serial, adaptó elementos de su estilo y técnica en su nuevo lenguaje musical “atonal libre”. Es durante este periodo que alcanzó su madurez artística. Durante las décadas de 1960 y 1970 incorporó en su obra elementos como microtonos, aleatoriedad, sonidos pregrabados e improvisación. Escribió más de 150 composiciones en casi todos los géneros: música para los escenarios, bandas sonoras para el cine y la radio, música orquestal, de cámara, para piano (más de cien piezas), vocal y coral.

Durante su última década de vida batalló contra el Alzheimer.

¿Por qué no es más famosa?: Además de la razón ya mencionada en el meme de arriba, Pentland fue una compositora de música “difícil” que a menudo ha sido criticada por su severidad y frialdad emocional (ella estaba perfectamente consciente de estas críticas y no le importaba). Sus seguidores normalmente eran otros músicos y críticos musicales.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Escuchen su tercer cuarteto de cuerdas (1969)…

…Disasters of the Sun (1976):

…y Vincula (1983):

Y, por último, tenemos a Violet Archer (1913 – 2000):

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Canadá.

¿Quién es?: Hija de inmigrantes italianos amantes de la ópera, nació en Montreal y fue bautizada Violetta Balestreri. En 1940, su familia entera cambiaría su apellido por “Archer” y sus nombres por versiones en inglés. En 1914, su madre la llevó con ella a Italia para traer a dos de sus hermanos a Canadá, los cuales había dejado en Italia al cuidado de su abuela materna. El estallido de la Primera Guerra Mundial provocó que la familia quedara atascada en el país europeo durante cinco años, por lo que, como resultado, el primer idioma de Archer era el italiano. En respuesta a su interés en la música, su familia le regaló un piano a la edad de ocho y pronto comenzó sus clases de música. A la edad de 16 comenzó a componer.

Archer ganó una licenciatura de música de la Universidad McGill (allí estudió piano con Dorothy Shearwood-Stubington, órgano con J. J. Weatherseed y composición con Claude Champagne y Douglas Clarke) en 1936 y en 1938 un diploma del Royal Canadian College of Organists. En el verano de 1942 viajó a Nueva York y estudió con Béla Bartók. En 1947 estudió con Paul Hindemith en Yale. En su larga carrera, dio clases en varias universidades tanto de Estados Unidos como de Canadá.

Su prolífica obra, más de 330 composiciones, oscila, en cuanto a estilo, entre un sonido más tradicional y conservador y piezas más vanguardistas y está conformada por una ópera, bandas sonoras, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal, coral y experimentos con música electrónica en la década de 1960. A lo largo de su carrera, ella enfrentó muchos de los mismos desafíos que Jean Coulthard y, al igual que esa otra compositora, tuvo que esperar hasta la década de 1970 para que su obra fuese reevaluada.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pueden empezar con The Bell (1949)…

…continuar con su primer concierto para piano (1956):

…y terminar con Green Rain (1971):

Elizabeth Maconchy (1907 - 1994)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Muchos la consideran uno de los mejores compositores producidos por las Islas Británicas.

Ella nació en Hertfordshire, Inglaterra, hija de padres irlandeses. En 1917, su familia regresó a Irlanda; Maconchy, a lo largo de su carrera, se identificaría como irlandesa mientras en los medios era descrita como una compositora inglesa con influencias irlandesas.

Su familia no era particularmente musical pero tampoco se opuso a los deseos de Maconchy de convertirse en compositora. En su adolescencia comenzó sus estudios musicales en Dublín: piano con Edith Boxhill y armonía y contrapunto con John Francis Larchet. En 1923, se mudó a Londres y entró en la Royal College of Music, donde estudió con Arthur Alexander, Gordon Jacob, Charles Wood y Ralph Vaughan Williams, de quien sería una amiga de toda la vida. Ella también sería amiga de Elisabeth Lutyens, Grace Williams, la compositora irlandesa Ina Boyle y el crítico musical checo Jan Löwenbach. En 1930, gracias a una beca, fue a estudiar a Praga con Karel Jirak.

Produjo más de 200 obras: música para los escenarios, orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Ella partió de un estilo muy deudor del Pastoralismo de su maestro, Vaughan Williams, el cual enriqueció con influencias de Bartók y Janácek (a los cuales ella reconoció como sus influencias más importantes) y un neoclasicismo que vuelve a los modelos de Mozart y Beethoven; el resultado final la emparenta con compositores como Britten, Rubbra y Alwyn. Ella atrajo la atención de algunos de los músicos más famosos de la época, como Henry Joseph Wood, Donald Francis Tovey y Gustav Holst.

¿Por qué no es más famosa?: A pesar de que en su carrera no le faltaron los encargos y los reconocimientos y desempeñó numerosos cargos oficiales, Maconchy nunca fue la compositora más famosa (en una temporada en la que las obras de Britten consiguieron más de 150 interpretaciones, las suyas sólo consiguieron seis). Esto se debió a que ella no escribía música que fuese inmediatamente accesible al público y, además, que no le interesara hacerse famosa, pues prefería llevar su vida en privado (aunque no era una reclusa). Pero también porque fue eclipsada, primero por Britten y después por las múltiples vanguardias que entraron en las Islas Británicas en la década de 1960.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Lo más parecido que tiene Maconchy a unas obras famosas son sus trece cuartetos de cuerdas, los cuales son un excelente punto de inicio y son considerados sus obras maestras. Sólo por llevar la contraria, en lugar de estos voy a poner en el blog tres de sus obras orquestales: la obertura de coronación “Proud Thames” (1952-53)…

…la Sinfonía para doble orquesta de cuerdas (1952-53):

…y la Serenata concertante (1968) para violín y orquesta:

Louise Talma (1906 - 1996)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nació en Francia, hija de una madre estadounidense, Alma Cecile Garrigues, una soprano profesional que tomó el nombre Cecile Talma alrededor de 1900, y de un padre cuya identidad sigue sin estar del todo clara. Madre e hija regresaron a Estados Unidos en 1914 y se establecieron en la ciudad de Nueva York.

Talma creció rodeada de música, pero también fue una excelente estudiante de ciencia y consideró convertirse en química antes de decidirse por una carrera como música. Después de graduarse de Wadleigh High School, Talma estudió química en la Universidad de Columbia mientras simultáneamente estudiaba piano y composición en el Instituto de Artes Musicales (hoy en día Juilliard) en Nueva York desde 1922 hasta 1930. Obtuvo títulos de la Universidad de Nueva York y de la Universidad de Columbia. Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio Americano de Fontainebleau, Francia, cada verano desde 1926 hasta 1935. Desde 1928 hasta 1939, estudió anualmente composición con Nadia Boulanger e, influenciada por ella, en 1935 decidió enfocarse en la composición. Boulanger también la convirtió del agnosticismo al catolicismo romano y Talma hasta adoptó un estilo de vida muy similar al de Boulanger. La voluminosa correspondencia de Talma revela que tuvo varios romances apasionados con otras mujeres. Nunca se casó.

La propia Talma dividió su obra en tres etapas: un “periodo neoclásico” (1925 – 1951) por el que hasta fue comparada con Stravinski, un “periodo serial” (1952 – 1967) y un “periodo atonal no serial” (desde 1967 hasta su muerte), aunque, en realidad, ella nunca abandonó del todo las técnicas seriales. Su ópera The Alcestiad (1962) fue la primera ópera compuesta por una estadounidense en ser estrenada por una casa de la ópera importante de Europa, aunque su inmensa escala ha disuadido las representaciones. También escribió una ópera de cámara, música orquestal, de cámara, para piano, para órgano, vocal y coral. Su catálogo incluye unas cuarenta obras importantes.

¿Por qué no es más famosa?: Pues por la razón evidente…

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus Seis estudios para piano (1954)…

…su primera sonata para piano (1943):

…Let’s Touch the Sky (1952):

…y Variations on 13 Ways of Looking at a Blackbird (1979):

Especial: El Grupo de los cuatro

Érase una vez…

…la época en la que Carlos Chávez fue director del Conservatorio Nacional de México…

…sí, ya sé que en otra parte de este blog me he quejado de ese señor, pero él también tuvo sus virtudes, como, por ejemplo, que, en 1931, como parte de sus esfuerzos para reformar el currículo del conservatorio, introdujera un curso llamado “Clase de Creación Musical”, primero y, después, “Taller de Composición”, con el propósito de animar a los compositores a escribir en una mayor variedad de estilo. Aunque la mayoría de los que asistieron a este curso fueron compositores ya establecidos, incluyendo algunos colegas de Chávez en el profesorado, también hubo un grupo de cuatro alumnos de menos de veinte años de edad. El nuevo curso atrajo a más estudiantes (los cuales fueron incrementando años tras año), aunque al final sólo esos cuatro estudiantes originales se presentaron en la prueba final.

Las cosas cambiaron en 1934, cuando, debido a tejemanejes en la política mexicana de la época, Chávez fue removido de la dirección del Conservatorio Nacional y reemplazado por su enemigo, Estanislao Mejía. Con la nueva administración el taller de composición fue terminado. Los cuatro estudiantes ya mencionados fueron etiquetados como “chavistas” y perseguidos por la nueva administración del Conservatorio, la cual llegó a poner obstáculos para que pudieran matricularse. Sin embargo, los cuatro perseveraron y se reunieron con Chávez en privado, y en noviembre de 1935 se unieron para dar un concierto con composiciones escritas por ellos después que Chávez partiera del Conservatorio como una forma de demostrar el valor de la clase de Creación Musical que fue suprimida. Ellos se hacían llamar el “Grupo de Jóvenes Compositores” pero en el periódico El Universal fueron apodados el “Grupo de los cuatro” como una referencia a los Cinco de Rusia y Les Six de Francia. Ellos adoptaron ese nombre y, por unos años, el “Grupo de los cuatro” se convirtió en la gran promesa del nacionalismo mexicano y llegaron hasta a alcanzar fama internacional.

Los nombres de estos cuatro jóvenes compositores eran José Pablo Moncayo, Daniel Ayala, Salvador Contreras y Blas Galindo (Ayala y Galindo eran de ascendencia india). A ellos se los considera los máximos representantes de la segunda generación del nacionalismo musical mexicano (la que sucedió a la generación de Chávez, Manuel M. Ponce y Silvestre Revueltas) y los que agotaron las posibilidades de esa etapa de la música mexicana. Durante el resto de sus días ellos serían amigos de Carlos Chávez.

Probablemente el más importante del grupo sea José Pablo Moncayo (1912 – 1958):

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales, One-hit-wonders que hicieron mucho más, Pasto de historia alternativa.

¿En qué país es famoso?: México.

¿Quién es?: José Pablo Moncayo García nació en Guadalajara, Jalisco. Se acercó a la música gracias a la influencia de su hermano mayor, Francisco. Empezó a estudiar piano a la edad de catorce con Eduardo Hernández Moncada, quien se supone que le recomendó que entrara en el Conservatorio Nacional de Música, lo cual sucedió en 1929. En esta época se vio obligado a trabajar como pianista en cafés y en estaciones de radio para contribuir a la economía familiar y para pagar sus estudios. En el Conservatorio estudió armonía con Candelario Huízar y composición con Carlos Chávez. Aunque no se sabe con exactitud a que clases asistió, no es descabellado asumir que asistió a muchas de las mismas clases que sus compañeros en el “Grupo de los cuatro”. Gracias a una beca, en 1942 fue a Estados Unidos donde estudió con Aaron Copland y Leonard Bernstein.

Moncayo murió prematuramente debido a una enfermedad cardiaca de origen desconocido, precisamente en el momento en el que su ingenio y su dominio de la composición se encontraban en su auge y dejó inacabado un concierto para piano y orquesta que escribía para su esposa.

Fue un montañista aficionado que frecuentemente escalaba el Popocatépetl, el Iztaccíhuatl y el Orizaba y evocaba los paisajes mexicanos en su obra.

A Moncayo no falta gente que lo considera uno de los más grandes representantes del nacionalismo mexicano junto a Silvestres Revueltas y Carlos Chávez e, inclusive, considera su muerte el punto en el que termina la etapa nacionalista de la música mexicana. Escribió unas cuarenta piezas: una ópera, un ballet, una banda sonora para el cine, música orquestal, de cámara, para piano y coral. Pero, sin lugar a dudas, su mayor éxito fue la breve fantasía orquestal Huapango[1] (1941):

Esta obra fue un éxito monumental casi de inmediato; su popularidad es tal que en México es tocada en toda clase de efemérides nacionales y eventos políticos (lo que hace que algunos lo apoden “el segundo Himno Nacional mexicano”), con tanta frecuencia que algunas personas se quejan de saturación, y, no sólo eso, sino que pasó a formar parte del repertorio internacional y probablemente sea la pieza de música clásica mexicana más tocada en el mundo. De hecho, su inmensa popularidad se ha vuelto problemática, pues ha pasado a eclipsar al resto de su producción, aunque, en México, el problema no es tan grave porque cinco o seis otras obras orquestales o para piano se interpretan y graban con cierta frecuencia.

¿Qué más hay para escuchar?: Moncayo es la clase de compositor al que le sobran las candidatas a obras maestras. Pueden continuar con el “tríptico paisajista” conformado por Tierra de temporal (1950), Cumbres (1954) y Bosques (1957):

…Amatzinac (1935) para flauta y cuarteto de cuerdas:

…Hueyapán (1950) para orquesta:

…y Muros verdes (1951) para piano:

Ahora es turno de hablar de Daniel Ayala (1906 – 1975):

Categorías a las que pertenece: One-hit-wonders que hicieron mucho más.

¿Por qué piezas es famoso?: Por el poema sinfónico Tribu (1934)…

¿Por qué no tuvo más éxitos?: Ayala tuvo una carrera larga y fascinante. Poco tiempo después de salir del Conservatorio, ingresó al equipo de compositores de la Sección de Música del Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación. Poco después del estreno de su Tribu, fue comisionado por Bellas Artes como Director de Cultura Estética en Morelia (donde dirigió un coro por dos años) y en Michoacán, pero en 1940 regresó a su natal Yucatán como director de la Banda de la Policía de Mérida. En 1942 fundó la Orquesta Típica Yukaltepén, la cual interpretaba obras de compositores yucatecos. En 1944 fue director de la Orquesta Sinfónica de Mérida y del Conservatorio de Yucatán. En 1955 se trasladó para Veracruz, donde trabajó para el Instituto de Bellas Artes…

…y esa es la razón por la que sólo tuvo un éxito: todos estos deberes oficiales le robaban tiempo y energía a sus labores como compositor y promotor de su propia obra, aunque se supone que en los estados de Yucatán y Veracruz unas pocas obras suyas más se interpretan con un poco más de frecuencia. Del “Grupo de los Cuatro”, Daniel Ayala ya era el menos prolífico y, después de 1944, su producción se redujo muchísimo más.

Felipe de Jesús Daniel Ayala Pérez nació en Abalá, Yucatán y tenía ascendencia maya. Desde pequeño tuvo inclinación hacia la música e inició sus estudios musicales en su pueblo natal a la edad de diez años, después de vencer la oposición de su padre, bajo la dirección de Alfonso Aguilar Reyes, músico rural y juez del registro civil. Continuó sus estudios en la escuela de música de Mérida, donde obtuvo el certificado de excelencia, al mismo tiempo que trabajaba como vendedor ambulante, repartidor de leche y lustrabotas para pagar sus estudios.

En el Conservatorio Nacional estudió violín con Silvestre Revueltas y composición con Carlos Chávez. Además, también estudió con José Rocabruna, Manuel M. Ponce, Francisco Contreras, Vicente T. Mendoza, Candelario Huízar y Julián Carrillo, entre otros.

Escribió ballets, música orquestal, de cámara, para piano y vocal. En la última obra que compuso, su concertino para piano y orquesta (1974), abandonó el estilo nacionalista por el neoclasicismo.

¿Qué más hay para escuchar?: Pueden continuar con su ya mencionada última obra…

A Ayala le sigue Salvador Contreras (1910 – 1982):

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: José Avelino Salvador Contreras Sánchez nació en Cuerámaro, Guanajuato, el primero de once hermanos. Su padre alentó en él el estudio de la música desde una edad muy temprana. En 1916, la familia Contreras se trasladó a la Ciudad de México, se supone que por las condiciones adversas creadas por la Revolución, donde Salvador tomó sus primeras clases de violín con su tío. Las condiciones económicas de su familia fueron tan adversas que Contreras decía que su hermano Eduardo y él iban a la escuela casi sin calzado. Fue aceptado en el Conservatorio Nacional, pero, debido a las carencias económicas que la familia atravesaba, tuvo que dejar sus estudios para ponerse a tocar el violín en diferentes carpas. En 1931 logró retomar sus estudios en el Conservatorio y tomó clases de composición con Carlos Chávez, de formas musicales con Candelario Huízar y de música de cámara y de dirección de orquesta con Silvestre Revueltas.

Se supone que él fue el que tuvo la idea de formar el “Grupo de los cuatro” y una de las fuentes que consulté hasta proclama que él era el cabecilla.

Escribió unas cien obras en los géneros de la música orquestal (donde se supone que obtuvo sus mejores logros), de cámara, instrumental (principalmente para piano y para guitarra), vocal y coral. Murió dejando inconclusas su cuarta sinfonía y su Homenaje a Diego Rivera.

¿Por qué no es más famoso?: Porque abandonó el estilo nacionalista por el dodecafonismo, el cual era muchísimo menos popular en México. Además, él tuvo serios problemas para ver su obra publicada y estrenada; por ejemplo, sus Tres movimientos para guitarra, escritos en 1963, sólo pudo publicarlos en 1978 y esta fue la primera obra suya publicada. Otra de sus obras, la Danza negra, iba a ser estrenada en 1966, pero el estreno fue pospuesto indefinidamente dado que las particellas eran “casi ilegibles”; el director Eduardo Díaz Muñoz recuperó la obra y la estrenó en 1988. La inmensa mayoría de su producción sigue estando archivada.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su sonata para violín y violonchelo (1933)…

…su segundo cuarteto de cuerdas (1936):

…sus Cuatro canciones (1959):

…sus Tres movimientos para guitarra (1963):

…sus Dos piezas dodecafónicas (1966):

…y sus Siete preludios para piano (1971):

Y, por último, pero no por eso menos importante, tenemos a Blas Galindo (1910 – 1993):

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Blas Galindo Dimas nació en San Gabriel, Jalisco, y pertenecía a la etnia wixárika. Inició su formación musical a la edad de siete años al participar en el coro del maestro Antonio Velasco Ornelas, cantor de la iglesia, quien además de enseñarle solfeo le dio las primeras lecciones de piano, bases de armonía, melodía y matices y, en general, le enseñó a amar la música. Abandonó su ciudad natal debido a los desórdenes de la Revolución Mexicana pero regresó 20 años después para retomar sus estudios y organizar la banda municipal de música. Ingresó al Conservatorio Nacional donde estudió composición con Carlos Chávez y José Rolón y también con Candelario Huízar. Asistió junto a Moncayo a los cursos de Copland y Bernstein.

Fue el más prolífico del grupo con más de 150 obras: ballets, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral, y se le quedaron en el tintero montones de proyectos ambiciosos, como una ópera o hasta un ciclo de óperas acerca de la agitada vida de México desde el líder azteca Cuauhtémoc hasta los próceres como Morelos, Juárez, Zapata y Cárdenas.

¿Por qué no es más famoso?: Al igual que Contreras, Galindo tuvo gravísimos problemas para ver su obra publicada y estrenada y un porcentaje importante de esta sigue estando archivada.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con lo más parecido que tiene a una carta de presentación, sus Sones de mariachi (1940)…

Notas:

[1] El “huapango” es un género de la música folclórica y popular mexicana del estado de Veracruz.

Elisabeth Lutyens (1906 - 1983)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Es considerada el primer compositor británico en haber trabajado con el dodecafonismo y el serialismo.

Desde los nueve años ella decidió que iba a convertirse en compositora. Su infancia fue un tanto inusual: su madre, una aristócrata inglesa, estaba muy involucrada con el Movimiento Teosófico y desde 1911 un joven Jiddu Krishnamurti vivió en la casa en Londres de los Lutyens como un amigo de Elisabeth y sus hermanas. La vida familiar estuvo marcada por el conflicto entre las personalidades fuertes de sus padres. Recibió lecciones de violín, piano y composición. Su tía, Constance Lytton, una sufragista y una talentosa pianista, cuyo tutor había sido instruido por uno de los estudiantes de Clara Schumann, le presentó las obras de Robert Schumann. A la edad de 15 creó sus primeros intentos de música de cámara y un año después el concepto para un primer ballet. En 1922, Lutyens estudió en París en la École Normale de Musique y vivió con el compositor teosófico Marcelle de Manziarly, quien fue a su vez estudiante de Nadia Boulanger. En 1923 acompañó a su madre a una gira por los principales centros teosóficos del mundo en Austria, Italia, India y Australia. A su regreso a Europa se volvió radicalmente contra la Teosofía y todas las religiones y estudió con John Foulds, primero, y después, entre 1926 y 1930, en el Royal College of Music como discípula de Harold Drake (composición) y Ernest Tomlinson (viola).

Lutyens firmó más de 150 números de opus en los géneros de música para los escenarios, orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral, además de sus innumerables bandas sonoras para el cine (prácticamente fue la “maestra de capilla” de la Hammer y su rival, la Amicus), la radio y la televisión. Su estilo empezó en el romanticismo tardío, pasó a experimentos con el neoclasicismo y terminó, en sus obras más representativas de su personalidad madura, en algo que creo que fue descrito con precisión por el crítico que lo llamó “Debussy reinventado a través del serialismo de Webern” (aunque ella afirmó en cartas a Stravinski y a William Alwyn que inventó el serialismo independientemente antes de ver una sola nota de Webern a través de su estudio de Henry Purcell). Fue gran admiradora de Debussy y Stravinski (y la admiración era mutua: cuenta la leyenda que una vez, para felicitarla por una de sus obras, el ruso la abrazó y gritó “¡esa es la música que me gusta!”), fue amiga de Luigi Dallapiccola y desaprobaba a Mahler y a compositores similares.

Lutyens tuvo una vida difícil: fumaba y bebía demasiado, durante su estadía en París empezó a padecer problemas de depresión que la acompañarían toda su vida y que la llevarían a sufrir varias crisis mentales (llegó a estar recluida en una institución de salud mental), su primer matrimonio fue infeliz y terminó en divorcio, con su segundo esposo parrandeaba en exceso y en sus últimos años de vida sufrió de artritis en las manos y adicción a las tabletas (antidepresivos, tranquilizantes, barbitúricos y esteroides), lo que la limitó seriamente como compositora.

¿Por qué no es más famosa?: En primer lugar, es otro de esos compositores cuya música no es accesible ni para los intérpretes ni para el público.

En segundo lugar, ella fue víctima de su propia condición de pionera: entró demasiado pronto para que su estilo serial fuera popular y, cuando las vanguardias del continente finalmente triunfaron en las Islas Británicas, pasó a resultar anticuado.

En tercer lugar, ella se volvió infame por su violento rechazo de la Escuela Pastoral (a la que llamaba “escuela de boñigas”), en general, y a compositores como Ralph Vaughan Williams, Gustav Holst, John Ireland y Arnold Bax, en particular. Y dado que estos son algunos de los compositores y de la música más amados en la historia de Inglaterra, eso no le sentó bien a mucha gente.

También, su segundo esposo, Edward Clark (un director y productor que había estudiado con Schönberg), renunció de la BBC en 1936 de mala manera. Él estuvo prácticamente desempleado desde 1939 hasta su muerte en 1962. Lutyens se metió en el pleito entre la BBC y su esposo y esto afectó sus posibilidades profesionales. Además, se involucró en una batalla legal con Benjamin Frankel, quien también tenía sus conexiones con la BBC.

Para pagar las cuentas fue que ella empezó a componer bandas sonoras. Lutyens, por lo general, no tomaba en serio sus bandas sonoras porque le resultaban demasiado parecidas a su odiada Escuela Pastoral (aunque le gustó el título de “Reina del Horror”); estas la convirtieron en otra víctima del problema con los compositores de bandas sonoras.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con todo esto…

Grace Williams (1906 - 1977)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Gales.

¿Quién es?: Es considerada la más notable compositora galesa, la responsable de la primera sinfonía galesa y la primera británica en componer la banda sonora para un filme.

Ambos de sus padres fueron profesores y su padre fue su primer profesor de música. Aprendió piano y violín de niña, tocaba tríos con piano con su padre y su hermano y acompañaba el coro de su padre. En la escuela local comenzó a desarrollar un interés en la composición guiada por su profesora de música, la señorita Rhyda Jones, y en 1923 ganó una beca para la University College of South Wales and Monmouthshire (hoy en día Universidad de Cardiff), donde estudió con el profesor David Evans. En 1926 comenzó a estudiar en el Royal College of Music, Londres, con Gordon Jacob y Ralph Vaughan Williams (a quien apodó “Tío Ralph”). En 1930 ganó una beca que le permitió estudiar con Egon Wellesz en Viena, donde residió hasta 1931.

Desde 1932 dio clases de música en Londres, pero durante y después de la Segunda Guerra Mundial experimentó depresión y otros problemas de salud relacionados con el stress. Los doctores le recomendaron que regresara a su pueblo natal, lo cual hizo en 1947; permaneció allí por el resto de su vida y más o menos se dedicó a la composición a tiempo completo.

Ella tardó mucho más que otros compositores en alcanzar su madurez musical pues esto sólo sucedería hasta mediados de la década de 1950. Su estilo musical combina la Escuela Pastoral de su maestro, Vaughan Williams, con una evocación del paisaje, los sonidos del mar, la poesía, la música folclórica y la historia galeses, con la influencia, a través de Egon Wellesz, de Wagner, Richard Strauss y Mahler. Escribió una ópera, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, vocal y coral.

No obstante la calidad de su obra madura, incluso dentro de la propia Gales, Grace Williams es famosa por sólo un puñado de piezas. Por tres décadas después de su muerte, su nombre cayó en el olvido, probablemente por una combinación de seguir aferrada a la Escuela Pastoral cuando las vanguardias musicales de la segunda mitad del siglo XX finalmente penetraron las Islas Británicas y el que la propia compositora fuese muy autocrítica, lo que llevó a que copiosas cantidades de su música, hasta el día de hoy, sigan sin publicar y sin estrenar. Esto cambió en 2006, cuando la BBC conmemoró el centenario de su nacimiento, lo cual hizo que su obra empezara a tener algo de difusión internacional.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Missa Cambrensis (1971), que algunas de las fuentes que consulté consideran una de las más grandes obras corales del siglo XX…

William Alwyn (1905 - 1985)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Desde su infancia mostró un gran interés por la música y comenzó a aprender a tocar el flautín con músicos locales. Firmó su primera composición a la edad de ocho. A la edad de quince, entró en la Real Academia de Música de Londres, donde estudió flauta, piano y composición.

Su estilo musical empezó como una mezcla entre la Escuela Pastoral y el neoclasicismo de Stravinski para, durante los años de la Segunda Guerra Mundial, evolucionar en un neorromanticismo (él mismo se consideraba un romántico que nació cien años tarde) que empleaba un sistema alternativo al dodecafonismo. Fue un compositor muy prolífico: escribió más de 200 bandas sonoras (setenta de las cuales son para largometrajes y la música que compuso para documentales durante la Segunda Guerra Mundial fue considerada tan importante para subirle la moral a las tropas inglesas que los Nazis lo pusieron en su lista negra) junto con música para los escenarios (cuatro óperas y un ballet pantomima), música orquestal, música de cámara, música para piano y para otros instrumentos, música vocal y coral.

No obstante, destruyó montones de obras anteriores a 1939…

…porque las declaró “obras de juventud” a las que les faltaba seguridad y técnica y muchas de las partituras de sus bandas sonoras se perdieron o sobreviven sólo como borradores fragmentarios…

…aunque algunas han sido reconstruidas por Philip Lane o Christopher Palmer a partir de las bandas sonoras de las películas mismas…

En 1960 sufrió una crisis que lo hizo abandonar la composición de bandas sonoras.

Además de compositor, fue un escritor de poemas, ensayos y ficción, un traductor de poesía francesa, un pintor y una autoridad en cuanto a pintura prerrafaelista y un políglota.

¿Por qué no es más famoso?: Fue eclipsado por Vaughan Williams, Walton, Britten y Tippett. Además, sufrió por el problema con los compositores de bandas sonoras.

¿Cómo empezar a conocer su música?: Con sus cinco sinfonías…

…y su concierto para arpa y orquesta de cuerdas, Lyra Angelica (1954):

Curiosidades históricas: The Rio Grande (1927)

¿Quién lo compuso?: Constant Lambert (1905 – 1951).

¿A qué categorías habría pertenecido?: One-hit-wonders que hicieron mucho más.

¿Quién es?: Junto con Ninette de Valois y Frederick Ashton, fue uno de los fundadores del ballet clásico inglés, en su mejor época fue considerado EL compositor inglés de ballets y fue uno de los responsables de popularizar la tendencia de crear ballets con música que originalmente no tenía esa intención (como las sonatas de Scarlatti y música de Couperin, Mozart, Schubert, Meyerbeer y Liszt, entre otros). Fue el primero de sólo dos compositores ingleses a los cuales los Ballets Rusos de Diaghilev le representaron una obra y, a la muerte de dicho empresario, se pensó que él se convertiría en el siguiente Diaghilev. Fue uno de los primeros compositores “serios” en comprender la importancia del jazz y proclamó que “Mood Indigo” de Duke Ellington era una absoluta obra maestra. Casi todos los que trataron personalmente con él lo describen como un genio absoluto o, por lo menos, como la personalidad más interesante que alguna vez hubiesen conocido, pero también, por su labor como un crítico musical beligerante con una pluma feroz, ganó numerosos enemigos entre los académicos y los periodistas musicales. Además, tuvo grandes conocimientos de pintura, escultura y literatura.

Lambert fue un niño prodigio que desde su más tierna infancia le inculcaron el aprecio por el arte y la literatura y a la edad de trece años ya escribía música orquestal y en la escuela completó una pequeña opereta.

En septiembre de 1915, Constant ingresó en el colegio Christ’s Hospital de Horsham. Apenas terminado su primer año allí, fue ingresado en la enfermería del colegio, aquejado de una osteomielitis complicada con una septicemia estreptocócica. La infección se extendió hasta su oído derecho, su rodilla derecha y su tobillo izquierdo, los cuales tuvieron que ser intervenidos quirúrgicamente. Lo llevaron a Margate, donde la recuperación duró seis meses y medio. Constant volvió a casa en abril de 1917, pero pasó otro año completo antes que pudiera volver al colegio y perdió en total cinco trimestres. Por si fuera poco, seis meses más tarde tuvo que volver a ser operado, esta vez por una apendicitis. En total, se le practicaron seis operaciones. Como secuela de todos estos problemas de salud, Lambert cojeó de su pierna derecha y quedó parcialmente sordo de su oído derecho por el resto de su vida. También, estas largas ausencias afectaron su relación con sus compañeros, circunstancia agravada por la imposibilidad para practicar deportes como el cricket y el futbol. No es sorpresa que desarrollara una profunda desconfianza de los médicos, lo cual llevó a su muerte prematura debido a una neumonía combinada con una diabetes sin diagnosticar, agravadas por el estilo de vida desordenado de Lambert (él era mujeriego, borracho y fumador, trabajaba hasta altas horas de la noche y comía irregularmente).

En septiembre de 1922, ingresó en el Royal College of Music tras conseguir una beca. Estudió composición con Ralph Vaughan Williams, R. O. Morris y George Dyson, piano con Herbert Fryer (Lambert fue un excelente pianista) y dirección orquestal con Malcolm Sargent. Lambert desarrollaría un estilo musical que combinaría las influencias de compositores franceses como Debussy, Satie y Les Six con el neoclasicismo de Stravinski (formó parte de la generación que introdujo el neoclasicismo en las Islas Británicas; Walter Leigh también formó parte de esa generación) y el jazz.

Una vez graduado, Lambert tuvo un estilo de vida bohemia: se rodeaba de jóvenes intelectuales brillantes, asistía a fiestas de estilo americano y clubes de jazz, conducía autos rápidos, se iba de vacaciones a La Riviera francesa, vestía sólo ropas caras, etcétera. Así fue como conoció a Peter Warlock y se convirtió en uno de los habituales de la casa donde este último organizaba sus fiestas y vivía junto a Moeran.

Durante la segunda mitad de la década de 1920, la fama de Lambert tuvo un ascenso meteórico, el cual culminó con la pieza que pueden escuchar arriba, la cual fue un éxito fenomenal en su época y, hasta el día de hoy, aún tiene presencia en el repertorio. Pero cuando parecía que Lambert sería la siguiente gran estrella de la música británica…

¿Por qué no tuvo más éxitos?: …fue cuando las cosas empezaron a torcerse.

The Rio Grande creó unas expectativas estilísticas que impidieron la buena acogida de sus siguientes obras. Aunque tendría un par de éxitos menores, la increíble popularidad de The Rio Grande no volvería a repetirse.

Durante la década de 1930 su carrera se estancó: su obra empezó a ser considerada pasada de moda y sus deberes como empresario del ballet y director le robaban tiempo y energías a sus esfuerzos como compositor, dando como resultado una producción reducida. Él mismo llegó a considerarse un fracaso como compositor. Por esta época, en su función como crítico musical, se volvió violentamente contra el romanticismo elgariano y casi todo en los movimientos musicales del siglo XX (incluso su antes admirado Stravinski). Entre los pocos que se salvaban, en su opinión, estaban Sibelius, Bernard van Dieren y Busoni.

Sus años finales fueron marcados no sólo por su salud que se deterioró rápidamente (por las razones que se describen arriba) sino por una profunda depresión en la que cayó debido a una serie de reveses profesionales.

Como dato curioso, fue padre de Kit Lambert, empresario de música rock y manager de The Who.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Su obra es demasiado irregular y es la clase de compositor cuyos defectos son tan grandes como sus virtudes. No obstante, The Rio Grande no es la única obra que vale la pena conocer, como, por ejemplo…

¿Qué más hay para escuchar?: …su Concierto para piano y nueve instrumentos (1931)…

…y el ballet Horoscope (1937):

Karl Amadeus Hartmann (1905 - 1963)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Muchos consideran a Hartmann el más grande compositor alemán de la generación posterior a la de Hindemith y anterior a la de Henze y el más grande sinfonista alemán del siglo XX.

Nació en Múnich, el más joven de cuatro hermanos. Su padre era un pintor, sus tres hermanos se convirtieron en pintores y él mismo pudo haberse convertido en pintor también, pero empezó a componer después de ver la ópera Der Freischütz de Weber. Fue muy afectado por su participación en los eventos de la fallida Revolución Obrera en Baviera que siguió al colapso del imperio alemán al final de la Primera Guerra Mundial y toda su vida sería un socialista idealista.

En la Academia de Múnich en la década de 1920, Hartmann estudió con Joseph Haas, un discípulo de Max Reger, y después estímulo y ánimo intelectuales del director Hermann Scherchen, un aliado de la Segunda Escuela de Viena, con quien tuvo una relación mentor-protegido de toda la vida. Durante la Segunda Guerra Mundial, y a pesar de ser ya un compositor bastante experimentado, estudió un curso en privado con Anton Webern, con quien a menudo entraba en conflicto a nivel personal y político, pero, no obstante, sintió que se benefició del perfeccionismo de Webern.

Escribió óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical empezó como una mezcla entre el romanticismo tardío de Reger, Bruckner y Mahler, el jazz e influencias extramusicales como la Nueva Objetividad y las pinturas dadaísta, futurista y expresionista. A esto eventualmente añadió influencias del neoclasicismo de Igor Stravinski y Paul Hindemith, de Béla Bartók y Zoltán Kodály (con quienes estableció una relación cercana en la década de 1930), del dodecafonismo de Schönberg en la década de 1940 (aunque esta siempre sería una influencia menor comparada con otras) y, en la década de 1950, de las técnicas métricas de Boris Blacher y Elliott Carter. Sus obras podían ser satíricas y/o comprometidas políticamente.

Con el ascenso de los Nazis, voluntariamente se retiró por completo de la vida musical en Alemania y se negó a que sus obras fuesen publicadas y representadas, lo que ha llegado a ser conocido como “exilio interior”. De hecho, fue el único compositor importante que adoptó una postura de disidencia activa al mismo tiempo que permanecía en el país. Fue condenado por el régimen, pero ganó fama a nivel internacional. También, durante un tiempo, se escondió y escondió sus partituras.

¿Qué salió mal?: Aunque a otros les ha ido considerablemente peor, Hartmann no es grabado ni representado con la frecuencia que se merece. La situación es un poco mejor en Alemania que a nivel internacional.

Tras la Segunda Guerra Mundial, debido a que fue uno de los pocos antifascistas que sobrevivieron y a que nunca colaboró ni llegó a compromisos con el régimen Nazi[1], fue una de las pocas personas en las que los Aliados confiaron para otorgarles una posición de responsabilidad, por lo cual se convirtió en una figura vital para reconstruir la vida cultural de Alemania occidental. Quizá su logro más notable fue la serie de conciertos “Musica Viva”, que fundó y organizó durante el resto de su vida en Múnich. Comenzaron en noviembre de 1945 y reintrodujeron el repertorio del siglo XX al público alemán, el cual había sido prohibido en 1933 por los Nazis. Hartmann también proveyó una plataforma para la música de compositores jóvenes de finales de la década de 1940 y principios de la década de 1950 y ayudó a establecer figuras tales como Hans Werner Henze, Luigi Nono, Luigi Dallapiccola, Carl Orff, Iannis Xenakis, Olivier Messiaen, Luciano Berio, Bernd Alois Zimmermann y muchos otros. Hartmann también involucró a escultores y artistas tales como Jean Cocteau, Le Corbusier y Joan Miró en exhibiciones de “Musica Viva”.

A pesar de la importancia de esto, dichos deberes administrativos absorbieron tanto de su tiempo y energía que no le quedaba mucho para la composición y dejó muchas piezas inacabadas a su muerte. Hartmann era un compositor muy autocrítico y perfeccionista y, durante esta época, suprimió muchas de sus obras anteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, a veces sólo retirándolas de la circulación, a veces destruyéndolas y reciclando por lo menos parte de su material en nuevas piezas, a veces revisándolas para actualizar sus mensajes políticos cuando estos quedaban anticuados. Todo esto da como resultado un catálogo reducido, lo que tampoco ayuda.

Tras su prematura muerte debido a un cáncer de estómago, muy pocos directores importantes de Alemania occidental promovieron su música. Scherchen, su defensor más notable, murió en 1966. Se especula que esto se debe a que muchos de esos directores (como Herbert von Karajan y Karl Böhm), en diversos grados, tuvieron conexiones con los Nazis, por lo cual veían a Hartmann y a su música con contenidos políticos de izquierdas como un anatema. Entre los directores que sí interpretaron con regularidad la música de Hartmann se encuentran Rafael Kubelik, Ferenc Fricsay, Ferdinand Leitner, y más recientemente, Ingo Metzmacher, Leon Botstein y Mariss Jansons.

Por último, murió precisamente en el momento en el que la generación de Boulez, Stockhausen y Berio alcanzó su madurez y, con su rechazo violento de cualquier cosa conectada con el pasado, lo dejó eclipsado.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Su obra más interpretada y grabada es su Concerto funebre (1939, revisado en 1959) para violín y orquesta de cuerdas…

Pero su aportación más importante son sus ocho sinfonías:

Notas:

[1] Vale la pena señalar que Hartmann sólo pudo lograr esto porque su esposa venía de una familia adinerada, la cual lo apoyó durante esos años.

Walter Leigh (1905 - 1942)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Hubo muchos compositores que murieron en las dos guerras mundiales, aunque los que murieron en la Primera Guerra Mundial son los que atraen toda la atención: el inglés George Butterworth (1885 – 1916) y el alemán Rudi Stephan (1887 – 1915) murieron en batalla, el francés Albéric Magnard (1865 – 1914) murió defendiendo una propiedad suya de los invasores alemanes (lo que lo convirtió en un héroe nacional) y el español Enrique Granados (1867 – 1916) murió cuando el barco en el que regresaba a España de un recital en Norteamérica fue hundido por un submarino alemán.

Pero, en mi opinión, son los compositores que murieron durante la Segunda Guerra Mundial los verdaderamente interesantes, como el nombre que les traigo hoy: Walter Leigh.

Su primer profesor fue Harold Darke, con quien trabajó desde la edad de ocho hasta la de diecisiete. Asistió al Christ’s College, Cambridge, donde estudió composición con Cyril Rootham y se graduó en 1926. Después estudió dos años con Paul Hindemith.

Su obra es reducida: escribió una ópera cómica, una opereta, pantomimas, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano y vocal. Su estilo combina la influencia de Paul Hindemith con la de Maurice Ravel.

Murió en combate en Tobruk, Libia.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Leigh tiene algo parecido a una obra famosa. Es su Concertino para clavecín (o piano) y orquesta de cuerdas (1934):

También pueden probar la Obertura Agincourt (1934):

…y la música incidental para las comedias Las ranas (1936) de Aristófanes:

…y Sueño de una noche de verano (1936) de William Shakespeare: