Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Fue hijo de un próspero empresario de obras públicas y recibió la mejor educación que el dinero podía pagar. Tuvo un preceptor particular, Brethous-Lafargue, un hombre de mundo amante de las disciplinas artísticas, quien lo llevó a conciertos y exposiciones y lo introdujo, hacia 1871, en los salones parisinos. En estos conoció a personalidades de la época como los pintores Henri Fantin-Latour, Odilon Redon y Paul Chenavard, al abad Lacaria y al músico Vincent d’Indy.
En octubre de 1875, para satisfacer a su padre, ingresó en la facultad de derecho y llegó a convertirse en abogado de la corte de apelaciones, aunque nunca hizo el curso de prácticas y sentía de muy poco a ningún interés en la profesión.
Coqueteó con la escritura y el dibujo antes de decidirse por la música. Su obra se divide en tres etapas bien diferenciadas. La primera está fuertemente influenciada por Jules Massenet (en 1879 se matriculó en las clases de composición que Massenet impartía en el Conservatorio de París); la segunda está fuertemente influenciada por César Franck (su segundo profesor de música y ambos músicos serían amigos hasta la muerte de Franck en 1890), Richard Wagner (llegó a ir varias veces al Festival de Bayreuth y estuvo presente en el estreno de Parsifal) y, en mucho menor medida, por Johannes Brahms; y la tercera está fuertemente influenciada por sus lecturas de los simbolistas y autores rusos como Tolstoi, Dostoievski y Turguenev, la cual lo convierte en una suerte de eslabón perdido entre el romanticismo tardío de Jules Massenet y César Franck y el impresionismo de Claude Debussy (fue amigo personal de Debussy, aunque terminó su amistad con él cinco años antes de su muerte porque lo escandalizaba la promiscuidad sexual del compositor de Pelléas et Mélisande; no obstante, Debussy siguió admirando la música de Chausson).
Su música mezcla un misticismo muy deudor de César Franck con un erotismo y un sentido de la decadencia y la desesperación (lo que Baudelaire habría llamado “spleen”) muy deudores de los simbolistas. Fue poco prolífico: no llegó a firmar ni 70 obras y, de estas, sólo 39 tienen números de opus. Esto se debió a una serie de razones. En primer lugar, él entró en este medio con un bagaje musical muy pobre, lo que significa que tuvo que aprender a lo largo de su vida adulta cosas que otros compositores ya sabían antes de entrar en el conservatorio. En segundo lugar, porque era un perfeccionista obsesivo. Y, en tercer lugar, porque era un hombre tremendamente inseguro de sus capacidades artísticas. Esto parece haber sido, en parte, resultado de algún trauma que sus biógrafos no han podido descubrir, pero también tiene causas más identificables, como el que fuese parte de una generación de músicos que se preguntó cómo era posible componer algo, cualquier cosa, después que Wagner escribiera su Ciclo del Anillo y que le temiese a los críticos que lo acusaban de ser un diletante ricachón que creía que podía componer como Franck y Wagner.
Convirtió su casa en un salón donde recibió a muchas de las grandes personalidades artísticas del París de la época: aparte de los ya mencionados, conoció a los músicos Duparc, Fauré, Bréville, Ysaye y Albéniz; a los poetas Mallarmé y Régnier; al escritor ruso Turguenev; y a los pintores Monet y Chavanne. También amasó una importante colección de pinturas impresionistas y una excelente biblioteca (en particular, era un gran fan de Shakespeare).
Murió prematuramente a la edad de 44 debido a un desgraciado accidente de bicicleta en el que, tras perder el control mientras bajaba por una colina, chocó contra el muro de cierre de una propiedad suya, rompiéndose el cráneo. En esa época estaba en vías de alcanzar su madurez musical, lo cual hace que uno se pregunte que más habría logrado.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Unas pocas de sus obras han ganado cierto nivel de fama y popularidad, como su Poème de l’amour et de la mer (1882-90)…
…su Concert para violín, piano y cuarteto de cuerdas (1889-91):
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Alemán de ascendencia judeopolaca, desde una edad muy tierna demostró talento, comenzando su educación musical en casa. Continuó su formación en el Conservatorio de Dresde y después en el Conservatorio Julius Stern de Berlín, donde estudió piano con Eduard Franck y composición con Friedrich Kiel, y más tarde en la Neue Akademie der Tonkunst de Theodor Kullak, donde estudió composición con Richard Wüerst y orquestación con Heinrich Dorn y eventualmente también se convertiría en uno de sus profesores. Allí también forjó una cercana amistad de toda la vida con los hermanos Scharwenka.
Pronto Moszkowski ganó fama y fortuna como compositor, pianista virtuoso, director de orquesta y profesor con una larga lista de estudiantes notables. Hasta Liszt se supone que lo tenía en alta estima. También fue un violinista más que competente.
Se casó con Henriette Chaminade (hermana menor de Cécile Chaminade) en 1884, con quien tendría un hijo y una hija y que lo dejaría tres años después por el poeta Ludwig Fulda. A mediados de la década de 1880 empezó a padecer de un problema neurológico en el brazo que eventualmente terminó con su carrera como pianista, lo que lo llevó a concentrarse en sus otras facetas profesionales. En 1897, famoso y rico, se mudó a París junto a sus hijos.
Paderewski dijo: “después de Chopin, Moszkowski comprende mejor como escribir para el piano y su escritura abraza la gama entera de la técnica del piano”. Se lenguaje musical era conservador pero melódico, extrovertido y optimista, muy deudor de Chopin y Schumann (aunque estaba abierto a otras influencias). Fue bastante prolífico, con más de 200 piezas para piano solo, además de óperas, ballets, dos conciertos para piano (uno de los cuales sólo sería redescubierto hasta 2011), un concierto para violín, tres suites orquestales, el monumental poema sinfónico Jeanne d’Arc, otras piezas orquestales, música de cámara, de órgano y canciones.
¿Qué salió mal?: Los problemas comenzaron en 1906, con la muerte de su hija, entonces de 17 años, lo cual fue un duro golpe. Para 1908, ya se había convertido en un recluso y su salud comenzó a deteriorarse. Con los cambios en los gustos musicales, su popularidad y reputación empezaron a caer picada (no ayudó que un montón de sus piezas para piano perteneciesen al género de la música de salón) y su productividad disminuyó dramáticamente por la falta de ambición y entusiasmo. Dejó de aceptar estudiantes de composición porque “quieren escribir como locos artísticos tales como Skriabin, Schönberg, Debussy, Satie…”
Sus últimos años los pasó en la pobreza por haber vendido los derechos de su obra e invertido el dinero en bonos y acciones alemanas, polacas y rusas que quedaron sin valor tras la Primera Guerra Mundial.
En diciembre de 1924, enfermo y fuertemente endeudado, sus amigos y admiradores vinieron en su ayuda, organizando un gran concierto conmemorativo en su honor en el Carnegie Hall, el cual involucró 15 grandes pianos en el escenario. Ossip Gabrilowitsch, Percy Grainger, Josef Lhévinne, Elly Ney, Wilhelm Backhaus y Harold Bauer estuvieron entre los pianistas y Frank Damrosch dirigió. El concierto fue todo un éxito y recaudó sumas importantes que se suponía ayudarían a cancelar sus deudas y mantenerlo de por vida, pero Moszkowski murió en marzo de 1935 de cáncer de estómago antes de llegar a ver un centavo.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para ser honesto, a Moszkowski le ha ido muchísimo mejor que al promedio en la sección “Glorias olvidadas”. Nunca han faltado los pianistas virtuosos que incluyeran en su repertorio al menos alguno de sus Études de Virtuosité (1903)…
…los cuales, también, siguen siendo piezas didácticas muy populares en muchos lugares del mundo; sus miniaturas, como sus “Étincelles” (“chispas”; parte de sus Huit Morceaux Caractéristiques de 1886)…
…son muy populares como piezas de relleno en recitales de piano. Sus Danzas españolas, en la versión orquestada por Philipp Scharwenka y Valentin Frank entre 1879 y 1884 (la original es para piano a cuatro manos y fue publicada en 1876)…
…nunca desaparecieron del todo del repertorio y, desde hace unos años, su Concierto para piano en mi mayor (1897)…
…ha recuperado cierta fama. No obstante, la reputación de Moszkowski sigue esperando una rehabilitación en toda la regla.
Para más de su música para piano, escuchen:
Y, si quieren escuchar algo que no es para su instrumento:
Tuvo una carrera exitosa como pianista virtuoso hasta que le diagnosticaron tuberculosis. Tras descubrir eso, se dedicó a dar clases de música en el Real Conservatorio de Bruselas, muriendo dos años después, a la edad de 31.
Su producción está compuesta en su inmensa mayoría por piezas para piano solo (todas o piezas de salón o piezas didácticas a las cuales, a pesar de eso, no les falta encanto), más un puñado de canciones y una única obra de cámara. Su estilo es fuertemente deudor de Liszt y Chopin, aunque también incluye influencias de Mendelssohn, Schumann y Brahms. Tras convertirse en profesor de música, su lenguaje musical se fue haciendo más avanzado hasta llegar a su obra cumbre, su quinteto con piano, el cual insinúa que, de haber vivido más tiempo, habría llegado a alturas más elevadas.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pues con la joyita que acabo de mencionar…
Categorías a las que pertenecen: Glorias olvidadas.
¿Quiénes fueron?
Este es uno de los muchos nombres (y, en mi opinión, el que suena mejor cuando se traduce al español) con los que se conoce a la generación de compositores estadounidenses que, durante la segunda mitad del siglo XIX y primeros años del siglo XX, pusieron a su país en el mapa musical internacional[1] y fueron los primeros en esa nación en dedicarse en serio a los géneros mayores.
Aunque fueron muchos los músicos activos durante esta era, convencionalmente se considera que los más importantes de todos estos fueron un grupo conocido como “los Seis de Boston”[2]. Antes de continuar, hay que señalar que no eran como “Les Six”; algunos de ellos se conocieron personalmente y frecuentaron los mismos círculos sociales, pero no conformaron un círculo estrecho de amigos y colaboradores y ellos no se hacían llamar así, este nombre se los pusieron[3].
De estos seis sólo voy a presentarles a cuatro[4]. Empezaré con…
Las Glorias: George Whitefield Chadwick (1854 – 1931)…
Nació en una familia donde uno era animado a recibir clases de música, la cual era vista como un pasatiempo noble pero no como una profesión. Desertó de la secundaria para ayudar brevemente en el negocio de seguros de su padre. Esto le permitió viajar a Boston y otras ciudades, donde asistió a conciertos y otros eventos culturales que pudieron haberlo animado a seguir una carrera en las artes.
Entró en el Conservatorio de Nueva Inglaterra (algo que no le gustó a su padre) como un “estudiante especial”, lo que significa que podía estudiar en la facultad sin tener que satisfacer sus rigorosos requisitos de entrada. No obstante, abordó sus estudios con seriedad y aprovechó todo lo que el conservatorio tenía para ofrecer. Eventualmente, progresó hasta convertirse en un estimado profesor y administrador musical en la escena norteamericana. También fue en esta etapa que empezó a mostrar interés en la composición.
En 1877, viajó a Alemania para continuar con sus estudios musicales, igual que muchos otros compositores de su generación. En Leipzig estudió con Carl Reinecke y Salomon Jadassohn y en Múnich con Josef Rheinberger.
A su regreso a Boston en 1880 empezó a establecer una carrera musical en EE.UU.: compuso, dio clases de música, fue organista y director de orquesta. Se convirtió en director del Conservatorio de Nueva Inglaterra y ayudó a elevar su estatura y reputación al incorporarle características que vio en los conservatorios alemanes.
Chadwick compuso en casi cada género musical de su época, incluyendo varias óperas, música incidental, música de cámara, vocal y coral, treinta piezas para piano y ocho piezas para órgano, aunque tenía una afinidad particular por la música orquestal (firmó, entre otras cosas, tres sinfonías). Sus primeras obras muestran la influencia de Beethoven, Mendelssohn, Schumann y Brahms, aunque eventualmente también metería en su música una fuerte influencia de la Nueva Escuela de Liszt y Wagner, Dvorák y los movimientos realista e impresionista. Hay críticos que afirman que también detectan las influencias de los compositores rusos.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta breve selección de su género favorito…
Ahora vamos a continuar con Amy Beach (apellido de soltera: Cheney; 1867 – 1944):
Esta fue una niña prodigio: con sólo un año de edad podía cantar 40 canciones con precisión, con dos años podía improvisar contramelodía y con tres años aprendió a leer de forma autodidacta. A la edad de cuatro, compuso tres valses para piano durante un verano en la granja de su abuelo a pesar de que allí no había piano; en su lugar, compuso las piezas mentalmente y las tocó al regresar a casa. También podía tocar música de memoria, incluyendo himnos de cuatro partes y tenía sinestesia (atribuía colores a la música, igual que Mozart, Liszt, Rimski-Kórsakov, Skriabin, Sibelius, Messiaen y Ligeti). Su concentración a la hora de escuchar música era extraordinaria y pasaba horas escuchando a su madre tocar el piano o cantar. Su familia tuvo problemas para seguirle el ritmo a sus intereses y demandas musicales. Su madre (quien supuestamente era una estupenda pianista y cantante) tocaba y cantaba para ella, pero intentó evitar que la niña tocara el piano ella misma, creyendo que satisfacer sus deseos en este aspecto afectaría la autoridad paternal y que iniciarse en el piano tan pronto podría causar rechazo en el futuro; la niña se limitó a aprender melodías y cantarlas acompañándose de un teclado imaginario. Amy a menudo contralaba la música que se tocaba en casa, enojándose si no cumplía con sus estándares. La niña comenzó lecciones de piano formales con su madre a la edad de seis y pronto dio recitales públicos de obras de Händel, Beethoven y Chopin, así como de sus propias piezas. Cuando su madre quería castigarla, le prohibía acceso al instrumento o tocaba una pieza de un modo menor, lo que la ponía muy triste. En 1881 y 1882, entonces con 14 años, estudió armonía y contrapunto con Junius W. Hill; estas serían sus únicas clases formales como compositora; sin embargo, ella se conseguía cada libro acerca de teoría, composición y orquestación sobre el que pudiese poner sus manos, llegando a traducir tratados en francés de Gevaert y Berlioz sobre composición, considerados “biblias” por muchos compositores, al inglés ella sola.
Crecería para convertirse en la primera compositora estadounidense en componer con éxito en los géneros mayores, firmó la Sinfonía “Gaélica” (la primera sinfonía compuesta por una mujer en las Américas) y fue una de los compositores estadounidenses más exitosos y aclamados de su era (aunque siempre se vio a sí misma más como una pianista, área en la que también fue aclamada tanto en Norteamérica como en Europa, entre las cuales viajó con frecuencia).
Su estilo musical era extremadamente deudor de Brahms, aunque también se detectan influencias de Liszt, Wagner y Debussy y, con el paso de los años, sin abandonar su romanticismo muy conservador, experimentó con la escala de tonos enteros, así como con armonías y técnicas más exóticas y la incorporación de las músicas folclóricas de diversas culturas (indias norteamericanas, afroamericanas, balcánicas, etcétera). De las más de 300 composiciones que publicó en vida, abarcando casi cada género, la inmensa mayoría pertenece al género de la canción; el resto lo conforman una ópera, obras orquestales, de cámara, para piano y corales.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para piano (1899; dedicado a Teresa Carreño)…
…su quinteto para piano en fa bemol menor (1907):
…su sonata en la menor para violín y piano (1899):
…su cuarteto de cuerdas (1929):
…su trío para piano en la menor (1938):
…su Tema y Variaciones para flauta y cuarteto de cuerdas (1916):
…y sus Variaciones sobre Temas Balcánicos (1904):
Y le toca el turno a Edward MacDowell (1860 – 1908):
Recibió sus primeras lecciones de piano de Juan Buitrago, un violinista colombiano que vivía con su familia en la época; más tarde, también recibió clases de música con los amigos de Buitrago, incluyendo al pianista cubano Pablo Desverine y la pianista y compositora venezolana Teresa Carreño (así inició una amistad de toda la vida entre ambos músicos: Carreño promovería la música de MacDowell y MacDowell le dedicaría sus piezas a ella). En 1877 fue admitido en el Conservatorio de París tras ganar una beca competitiva para estudiantes internacionales. Tras dos años de estudios con Antoine François Marmontel y ser el primero de la clase, continuó su formación en el Conservatorio del Dr. Hoch en Frankfurt, Alemania, donde estudió piano con Carl Heymann y composición con Joachim Raff. Tras graduarse, permaneció unos años en Alemania componiendo, interpretando y dando clases de música, antes de volver a Estados Unidos.
Tras unos años de carrera en Estados Unidos (muchos consideran que, brevemente, fue el compositor estadounidense más popular del mundo), su salud, tanto física como mental, repentina y rápidamente se deterioró (hay varias hipótesis acerca de la causa de esto) y murió prematuramente a la edad de 48 años.
Compuso principalmente piezas para piano solo y canciones, así como unas cuantas obras orquestales, en un estilo influenciado por Schumann, Brahms, Grieg y Saint-Saëns. Y él también tiene algo de “Pasto de historia alternativa”, pues muchos críticos sienten que su música seguía desarrollándose y progresando antes que su carrera fuese interrumpida por la enfermedad y la muerte prematura.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con aquellas obras donde nos mostró su mejor cara… su segundo concierto para piano (1890)…
…y estas tres suites para piano:
Y, por último, pero no menos importante, tenemos a Horatio Parker (1863 – 1919):
Un estudiante del ya mencionado George Whitefield Chadwick, su primer puesto profesional fue tocar el órgano en la Iglesia Episcopal de San Pablo en Dedham, Massachusetts. Completó su formación en Múnich con Rheinberger, donde también firmó sus primeras obras importantes, incluyendo una sinfonía y una cantata dramática. Impresionó tanto a su profesor que este lo escogió para que estrenara su primer concierto para órgano. A su regreso a Estados Unidos, desempeñó diversos cargos importantes como organista, profesor de música y director de organizaciones musicales.
Componía en un estilo conservador muy deudor de Mendelssohn, Brahms y Wagner; no obstante, después del año 1900, su música empezó a incluir algunas influencias de Elgar y Debussy. Firmó unas 200 obras: el género donde fue más prolífico y donde obtenía sus mejores resultados (como era de esperarse de un discípulo de Rheinberger) fue en el de la música sacra, tanto coral como para órgano; sin embargo, también produjo obras en casi cada género de su época, incluyendo dos óperas, música incidental, música orquestal, música de cámara, música para piano, música secular para órgano y para coro y música vocal.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta pequeña muestra…
¿Qué salió mal?: En primer lugar, con la entrada en escena de los movimientos musicales del siglo XX, así como del jazz y la música popular tal y como la conocemos, esta generación entera de músicos quedó totalmente eclipsada.
Y, en segundo lugar, la siguiente generación de compositores estadounidenses siempre se refirió a la generación anterior con displicencia cuando no lo hacía con abierta hostilidad. Charles Ives, considerado el padre de la escuela nacional estadounidense, fue estudiante de Parker y siempre afirmó que le debía más de su formación musical a su propio padre que a su profesor. Una de las quejas más frecuentes que los compositores del siglo XX arrojaban a los Clasicistas era que su sonido era demasiado “europeo” y “alemán”… lo cual no es justo, considerando que no sólo la inmensa mayoría de los intérpretes de música clásica en Estados Unidos eran inmigrantes alemanes y de otros países de Europa central, sino que también eran de esa procedencia profesores de música, editores, periodistas musicales y un largo etcétera, y muchos de estos compositores iban a Alemania a recibir toda su formación o, por lo menos, completar sus estudios.
Con el ascenso de la generación de Ives, la música de los Clasicistas de Nueva Inglaterra cayó en el olvido más absoluto, aunque hay gente que siente que ellos influenciaron a los compositores estadounidenses del siglo XX que componían en un estilo conservador y neorromántico (como Howard Hanson). Los “Seis de Boston” tuvieron que esperar hasta la década de 1990 para que su música y su legado fuesen rescatados de la oscuridad y reevaluados.
Notas:
[1] Por muy famoso y exitoso que fuese Louis Moreau Gottschalk, fue él quien tuvo una reputación musical y no Estados Unidos.
[2] No tienen nada que ver con la que es a veces llamada “la Escuela de Boston”, la cual incluyó a compositores como Leonard Bernstein y Aaron Copland.
[3] Por mucho que montones de artículos en internet quieran convencernos de lo contrario.
[4] El primero de los compositores que no va a formar parte de este especial es John Knowles Paine (1839 – 1906):
…considerado el padre de la tradición sinfónica estadounidense, fue uno de los principales responsables de los avances en la escena musical de esa nación, mientras que sus cursos pioneros en apreciación y teoría musicales conformaron el plan de estudios del Departamento de Música de Harvard; el cual, a su vez, fue el modelo que siguieron otros Departamentos de Música de la Unión Americana…
…pero, a pesar de todo lo anterior, en la música en sí, en mi opinión personal, los defectos pesan tanto como las virtudes y él, en resumen, tiene mucho más interés histórico que artístico.
El otro es Arthur Foote (1853 – 1937):
…un estudiante de Paine y el primer compositor importante enteramente formado en Estados Unidos…
…pero, para mi gusto, un músico demasiado conservador y desigual. Aunque debo reconocer que, cuando acertaba, acertaba, como demuestra su música de cámara (el género donde obtenía sus mejores resultados):
