Arthur Farwell (1872 - 1952)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Se graduó de la carrera de ingeniería, pero decidió convertirse en músico profesional tras conocer a Rudolf Gott, un excéntrico compositor de Boston. Después de estudiar en esa ciudad con George Whitefield Chadwick y Homer Norris (e intentar estudiar, sin éxito, con Edward MacDowell), Farwell viajó a Europa donde se convirtió en estudiante de Engelbert Humperdinck y Hans Pfitzner en Berlín y de Alexandre Guilmant en París.

Tras regresar de Europa, tuvo una carrera musical larga y de lo más variada.

Sus más de cien composiciones en casi cada género musical importante en su época se agrupan en tres etapas bien diferenciadas. En la primera escribió en el estilo típico de los Clasicistas de Nueva Inglaterra más tardíos, aunque fuertemente influenciado por los extravagantes intereses religiosos de Farwell: el compositor practicó toda clase de esoterismos de moda en la época, como el espiritismo, la numerología, la Teosofía y el Nuevo Pensamiento, además de ser aficionado a escritores como William Blake y Lord Dunsany.

En la segunda etapa, Farwell se unió al Movimiento Indianista. Este fue un movimiento musical de finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Estados Unidos que siguió el consejo de Dvorák de que los estadounidenses debían volver a la música de los negros e indios norteamericanos para construir una música nacional. Farwell, quien podría ser la figura más importante del movimiento[1], se unió no sólo por su interés en la música y los rituales de los indios (siempre aficionado a las modas religiosas y espirituales), sino que también para contrarrestar los movimientos musicales del siglo XX.

De hecho, fue más lejos que cualquiera de los otros compositores del movimiento: muchos indianistas sólo se preocuparon de buscar una inspiración superficial en la música de los indios; Farwell, por su parte, estudió las estructuras musicales fundamentales de los indios norteamericanos, de una forma muy similar a como hizo Bartók con la música folclórica húngara, además de absorber también influencias de los spirituals afroamericanos, la música de los vaqueros y de los hispanos en California.

En la tercera y última etapa, con el fracaso del Movimiento Indianista, Farwell abandonó el estilo y, rindiéndose a los tiempos, se puso a componer Música Moderna, aunque, como siempre, a su manera: con una muy personal aproximación al politonalismo, poniendo música a poemas de Emily Dickinson y parodiando tanto a Stravinski como a Schönberg, tal como hizo en la ópera satírica Cartoon.

Hay quienes afirman que su importancia en la historia de la música clásica estadounidense está al mismo nivel que la de Charles Ives.

¿Por qué no es más famoso?: Farwell es más recordado como un director, profesor, crítico, editor y organizador musical que como compositor. En especial hay que destacar sus “coros comunitarios”, eventos para exteriores que podían llegar a incluir miles de participantes, los cuales sentía que podían evolucionar en una nueva forma artística estadounidense, comparable en poder a los dramas musicales de Wagner y que organizó en cada ciudad por la que pasaba.

Parte de la razón del fracaso de Farwell como compositor, y del Movimiento Indianista en general, fue el ascenso de los movimientos musicales del siglo XX, pero la principal razón fue política: en su época, mucha gente vio con malos ojos que estos tipos compusieran obras inspiradas en la música de indios, negros y otros intocables de la sociedad norteamericana. El rechazo era tal que Farwell, en dos ocasiones, tuvo que fundar, con el apoyo de su padre, editoriales para que su obra y la de los demás indianistas pudiese ser publicada.

Las controversias continúan hasta el día de hoy, pues mucha gente se niega a grabar o interpretar a Farwell; esta vez, acusándolo de “apropiación cultural”. Estos dos factores combinados son la razón por la que su Cuarteto de Cuerdas “El Hako” (el nombre de una ceremonia Pawnee), compuesto en 1923, sólo fuese grabado por primera vez hasta 2021.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para su primera etapa, escuchen…

Para su música indianista:

No pude encontrar nada de su etapa final en YouTube😞.

Notas:

[1] Otros miembros importantes fueron Charles Sanford Skilton (1868 – 1941), Arthur Nevin (1871 – 1943) y Charles Wakefield Cadman (1881 – 1946).

Pável o Paul Juon (1872 - 1940)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nació en Rusia, hijo de expatriados suizos (y su madre afirmaba que tenía ascendencia escocesa). Estudió composición con Arenski y Tanéyev en Moscú, primero, y con Woldemar Bargiel (el medio hermano de Clara Schumann) en Berlín, después. Pasó la mayor parte de su vida adulta en Alemania, trabajando para Joachim dando clases de composición. Con el ascenso de los Nazis se retiró y pasó sus años finales en Suiza.

Menos prolífico que otros compositores (sólo 99 números de opus y un puñado de piezas sin número de opus), la mayor parte de su producción está conformada por obras de cámara, que también es el género donde se supone que obtenía sus mejores resultados, aunque también firmó la ópera Aleko (1896), el ballet Psyche (1906), otras piezas para los escenarios, música orquestal (incluyendo cuatro sinfonías, tres conciertos para violín y un concierto triple), música para piano, obras corales y lieder. Su estilo es una combinación de la escuela nacional rusa con el clasicismo romántico de Brahms (lo que provocó que Rajmáninov, quien fue compañero de clases suyo, lo apodara “el Brahms ruso”). Su sonido es, pues, un Romanticismo tardío muy conservador; sin embargo, es uno que estaba consciente que el mundo empezaba a ser dominado por movimientos musicales como el neoclasicismo y el atonalismo.

¿Por qué no es más famoso?: Aunque tuvo algo de popularidad antes y después de la Primera Guerra Mundial, principalmente en Europa central, un mundo que estaba a punto de ser conquistado por los movimientos artísticos del siglo XX no era un lugar donde Juon fuese a convertirse en una superestrella de la música.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con el Cuarteto de cuerdas op. 67 (1920)…

…y el Quinteto con piano op. 44 (1909):

Florent Schmitt (1870 - 1958)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Fue estudiante de Fauré, Massenet, Dubois y Lavignac. Ha sido descrito como uno de los más fascinantes de los compositores menos conocidos de Francia y durante las primeras cuatro décadas del siglo XX fue uno de los compositores franceses más escuchados. Fue parte del grupo de artistas franceses conocidos como Les Apaches, al que también perteneció Ravel.

Escribió 138 obras con números de opus en todos los géneros mayores de su época excepto la ópera. Su estilo era un impresionismo emparentado con el de Debussy, aunque también tuvo muchas otras influencias musicales como Wagner, Richard Strauss, César Franck, la escuela nacional rusa y la música islámica. Fue precursor de Stravinski (el compositor ruso empezó siendo un admirador de Schmitt, pero, con los años, su opinión del francés daría un giro de ciento ochenta grados) y de Messiaen.

¿Qué salió mal?: Stravinski y otros lo acusaron de ser un reaccionario estancado en el pasado, aunque nada afectó más su reputación como el haber sido un simpatizante de los Nazis, haber colaborado con el régimen de Vichy y aceptado honores del gobierno de Pétain. Tras la Segunda Guerra Mundial su música cayó en la oscuridad, aunque experimentaría un renacimiento menor a partir de la década de 1990.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus piezas más famosas; la suite inspirada en su ballet La Tragédie de Salomé (1907)…

…su Psaume XLVII (1906):

…y, en muchísima menor medida, su quinteto con piano (1902-08):

Curiosidades históricas: Ciaconna Gotica (1920)

¿Quién la compuso?: Cornelis Dopper (1870 – 1939).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Celebridades locales, Glorias olvidadas.

¿En qué país era famoso?: Países Bajos.

¿Quién es?: Estudió en Leipzig con, entre otros, Carl Reinecke.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX se forjó una carrera bastante exitosa como compositor, director de orquesta, maestro de coro, profesor de música y violinista. Firmó más de cien obras: cinco óperas, música orquestal (incluyendo siete sinfonías), música de cámara, canciones y obras corales (incluyendo muchas para coro de niños). Por su gran amor por la canción folclórica, la cultura y el paisaje neerlandeses a veces era llamado “el más neerlandés de todos los compositores neerlandeses”. Fue apreciado por Richard Strauss.

¿Qué salió mal?: A pesar de su exitoso con las audiencias, los críticos musicales siempre fueron tremendamente escépticos de su obra pues lo consideraban “demasiado alemán”. Las cosas empeoraron cuando entraron en escena las vanguardias musicales del siglo XX, pues la generación más joven de compositores lo veía como una reliquia de otra era. Matthijs Vermeulen, en particular, se la tenía jurada y esto eventualmente llevó al infame “incidente Vermeulen” en noviembre de 1918. Después de una interpretación de la séptima sinfonía de Dopper (que termina en una marcha), con el propio compositor en la batuta, Vermeulen se puso de pie y gritó “Leve Sousa” (“Larga vida a Sousa”), insinuando que Dopper tenía poco más valor que John Philip Sousa, un compositor estadounidense de marchas odiado por los críticos. Esto provocó una trifulca, no sólo por la afrenta de Vermeulen, sino también porque gran parte de la audiencia entendió “¡Larga vida a Troelstra!” (el nombre de un líder socialista que intentó desencadenar una revolución días antes) y por lo tanto un llamado a la revolución.

El escándalo subsiguiente provocó, entre otras cosas, que Dopper fuese relegado con la esperanza de que no volviesen a pasar escenas como esa. Este fue el principio del fin para el compositor, pues esto provocó que eventualmente tuviese que soportar toda clase de humillaciones del establishment musical y su música cayese en el olvido de inmediato tras su muerte.

Entre la década de 1980 y la del 2000 hubo un intento por revivir la música de Dopper pero se quedó en eso, en el intento y, aun en su país natal, su nombre es tremendamente oscuro.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: No me extraña que no se pudiese revivir ni su música ni su reputación pues es un compositor muy menor. Su obra no tiene nada desafiante ni atrevidamente original y aun sus mejores piezas tienen sus defectos graves. No obstante, esta Ciaconna Gotica, que es considerada su obra maestra y es su obra más famosa tanto en vida como tras su muerte, es una joyita que vale la pena conocer.

Charles Tournemire (1870 - 1939)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Un niño prodigio que a la edad de 11 años fue nombrado organista de la iglesia de St. Pierre en su ciudad natal de Burdeos, fue estudiante de César Franck (junto a Lekeu sería uno de los últimos estudiantes del maestro belga), Widor y d’Indy.

Sus composiciones incluyen ocho sinfonías (la sexta de las cuales es coral), siete óperas, doce obras de cámara, 18 piezas para piano solo, canciones y música coral, pero es conocido más que nada por L’Orgue mystique (1927-32), un monumental ciclo de más de 15 horas de música de órgano para acompañar el año litúrgico católico inspirado en el canto gregoriano.

Como dato curioso, murió en circunstancias misteriosas: un día de 1939 salió de su casa para caminar y fue encontrado muerto cuatro días después en una ciénaga.

¿Por qué no es más famoso?: Porque estaba más interesado en desempeñar sus cargos de organista de la basílica de Santa Clotilde de París y profesor de música de cámara del Conservatorio de París que en intentar convertirse en una superestrella de la música, lo que también hizo que firmase una obra relativamente reducida.

En YouTube pueden encontrar grabaciones de sus sinfonías, pero no es muy común verlas interpretadas en vivo porque, al igual que todas sus otras obras en los géneros mayores, son en muy gran escala (tanto como según que sinfonías de Mahler).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su sexta sinfonía…

Guillaume Lekeu (1870 - 1894)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Firmó su primera pieza a la edad de 15 años. Tuvo muchos profesores, de los cuales los más importantes fueron César Franck y, tras la muerte de este, d’Indy.

Escribió unas 50 obras de música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral en un estilo influenciado por el Beethoven tardío, César Franck y Wagner. Fue precursor de Satie y Milhaud.

Amaba la literatura clásica y la poesía, tenía una personalidad sensualista y sibarita y era una reina del drama: decía que la muerte de César Franck lo hizo contemplar el suicidio; una vez fue en peregrinación a Bayreuth para escuchar a Wagner y se desmayó después del preludio del Tristán, teniendo que ser sacado del teatro; y afirmaba que su objetivo era “poner toda su alma en su música”.

Murió poco después de cumplir 24 años de una fiebre tifoidea que contrajo por comer un sorbete contaminado. Su maestro, d’Indy, completó un par de sus piezas que habían quedado inacabadas a su muerte.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus dos piezas más famosas, la Sonata para violín en sol mayor (1892-93)…

…y el Trío con piano en do menor (1889-91):