Ernest Bloch (1880 - 1959)

Categorías a las que pertenece: One-hit-wonders que hicieron mucho más.

¿Por qué piezas es famoso?: Por Schelomo (1916)…

…una rapsodia para violonchelo y orquesta que fue grabada por todos los violonchelistas importantes del siglo XX.

¿Por qué no tuvo más éxitos?: Porque Bloch queda un poco en tierra de nadie.

El estilo de Bloch es tremendamente personal y tuvo una evolución larga y compleja: al principio de su carrera escribió piezas influenciadas por Richard Strauss, Mahler (de quien fue un gran admirador), Músorgski y Debussy, a lo que su siguió su etapa de maduración, en la que introdujo en su sonido fuertes influencias de la música folclórica judía (Bloch era judío y su identidad como judío tenía mucha importancia para él) y el exotismo (firmó música que evocaba lugares como China, Bali y el Tahití de Gauguin… los cuales nunca visitó); su trabajo como profesor lo hizo desarrollar una preocupación por el contrapunto que lo llevó a estudiar a J. S. Bach y a los maestros renacentistas, lo cual, a su vez, hizo que anduviese en acercamientos con el Neoclasicismo (aunque de una forma que no tiene nada que ver con el estilo de Stravinski) y, en sus últimos años de vida, produjo obras con algunas influencias del atonalismo. En realidad, no hay otro compositor que suene como él… y ese es el problema: Bloch era demasiado modernista para el público de gustos conservadores y demasiado romántico para el público de gustos progresistas; aunque nunca le faltaron encargos, nadie importante tocaba o siquiera hablaba de su música y, a pesar de tener una larga lista de estudiantes prestigiosos (George Antheil, Frederick Jacobi, Quincy Porter, Bernard Rogers, Roger Sessions, Douglas Moore, Randall Thompson, Herbert Elwell y Leon Kirchner), ninguno de estos suena como él, por lo que, en realidad, no tuvo mucha influencia en la historia de la música del siglo XX.

No obstante, Bloch es considerado uno de los compositores más importantes producidos por Suiza y, aunque tiene sus momentos flojos, es sus mejores momentos también es uno de los mejores compositores de todos los tiempos… lo cual no evita que la inmensa mayoría de sus obras sean conocidas sólo por el culto más reducido imaginable. Escribió prolíficamente: una ópera, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal, coral y bandas sonoras para el cine.

Empezó a tocar el violín a la edad de 9 y a la edad de 10 juró que iba a convertirse en compositor. Viajó por toda Europa y estudió con una larga sucesión de profesores prestigiosos: Jaques-Dalcroze en Ginebra, Eugene Ysaÿe y François Rasse en Bruselas, Ivan Knorr en Fráncfort del Meno y Ludwig Thuille en Múnich.

Se estableció en Estados Unidos en 1916 y obtuvo la ciudadanía en 1924. En 1930 volvió a Suiza, pero regresó a Estados Unidos en 1939, en parte por el miedo a la expansión del Nazismo, en parte por temor a perder la ciudadanía estadounidense. Los sucesos en la Europa de la época hicieron que cayese en una depresión que le impidió componer y de la que no salió hasta que terminó la Segunda Guerra Mundial.

¿Qué más hay para escuchar?: Están sus cinco cuartetos de cuerdas (en realidad, hay más, pero estos son los canónicos)…

…los dos quintetos con piano:

…los dos concierti grossi:

…las dos sonatas para violín:

…el Avodath Hakodesh (“Servicio Sagrado”, 1933) para barítono, orquesta y coro:

…el concierto para violín (1938):

…la Suite Hébraïque (1951) para viola (o violín) y orquesta:

…y la Sinfonia Breve (1953):

Nikolái Médtner (1880 - 1951)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Sus primeros profesores de música fueron su madre y su tío materno. Después estudió en el Conservatorio de Moscú con Pavel Pabst, Wassily Sapellnikof, Vasily Safonov, Anton Arensky y Serguéi Tanéyev.

Su estilo musical está emparentado con el de Rajmáninov (de quien fue un amigo personal de toda la vida): un Romanticismo ruso tardío muy deudor de la música alemana. Toda su producción incluye el piano: tres conciertos para piano, música de cámara, música para piano solo, música para dos pianos y más de cien canciones para voz y piano.

¿Por qué no es más famoso?: En parte fue por seguir aferrado al Romanticismo mientras la Música Moderna conquistaba el mundo… y el que dijera cosas como que pensaba que la mayor parte de la música compuesta después de Brahms era un error no le hizo ganar muchos puntos…

En 1924, Rajmáninov lo ayudó a salir de la Unión Soviética y le aseguró una gira de recitales por los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, no pudo adaptarse a los aspectos comerciales del negocio de la música y sus conciertos se volvieron infrecuentes. También, a pesar de ser un excelente pianista, su personalidad reservada hizo que fuese eclipsado con facilidad por otros virtuosos que eran mucho mejores a la hora de armar un espectáculo. Después de residir en varios países europeos, él junto con su esposa se establecieron en Londres en 1936, donde se ganaron la vida modestamente enseñando, tocando y componiendo.

Además, hay que considerar que sus partes para piano son muy demandantes, lo que hace que sean difíciles de difundir, y su música en general es más cerebral y menos accesible para el público que la de Rajmáninov.

A pesar de que toda su vida tuvo sus partidarios importantes, su música era poco conocida y, tras su muerte, aunque nunca cayó del todo en el olvido en Inglaterra y Rusia, se convirtió en un compositor tremendamente oscuro. Tendrían que pasar 25 años después de su fallecimiento para que su obra fuese reevaluada y hoy en día se lo considera uno de los compositores rusos más importantes de todos los tiempos.

No obstante, a pesar de haber muchas de grabaciones de sus obras, sigue sin ser muy conocido por el gran público y, por ejemplo, montones de sus canciones para voz y piano esperan ser grabadas por primera vez.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su tercer concierto para piano (1940-43)…

Otto Olsson (1879 - 1964)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Suecia.

¿Quién es?: Es considerado uno de los compositores, organistas y profesores más importantes e influyentes del Romanticismo tardío en Suecia.

Se le atribuye la renovación de la música litúrgica sueca después de un largo periodo de declive.

Su estilo era un Romanticismo tardío muy deudor de los compositores alemanes: J. S. Bach (particularmente su uso del contrapunto), Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann y Wagner, aunque enriquecido con fuertes influencias de los organistas franceses y del canto gregoriano. Aunque Olsson tiene la reputación de haber sido un ultraconservador (algo que no es inmerecido), vale la pena señalar que también fue el primer compositor nórdico en trabajar con el politonalismo.

Poco prolífico, su obra está constituida principalmente por música coral y para órgano (la cual todavía es programada con frecuencia en su país natal), más una única sinfonía y un puñado de piezas de cámara. Compuso muy poco después de 1919, decepcionado por los rumbos que estaba tomando la música en el siglo XX.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con las que son consideradas sus obras maestras, su Te Deum (1906)…

…y su Credo symphoniacum (1925):

Si lo desean, después pueden continuar con su única Sinfonía (1901-1902; estrenada en 1979):

…y su Réquiem (1903; estrenado en 1976):

Ottorino Respighi (1879 - 1936)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Considerado uno de los compositores italianos más importantes de principios del siglo XX, nació en una familia de clase media de Bolonia con fuertes inclinaciones artísticas y musicales y su padre lo animó desde una edad temprana a perseguir una carrera en la música.

Estudió en el Liceo Musicale local: viola y violín con Federico Sarti, composición con Giuseppe Martucci e historia de la música con Luigi Torchi. También estudiaría brevemente con Rimski-Kórsakov y con Max Bruch.

Fue el nombre más importante de “la Generación del 80”: los primeros compositores italianos en encontrar éxito en serio escribiendo música no operática. En sus primeros años, su estilo era el Romanticismo típico de la Italia de después del medio retiro de Verdi hasta la era de Puccini; este rápidamente fue enriquecido con multitud de influencias, desde el canto gregoriano hasta la música brasileña. Compuso prolíficamente óperas, ballets, música orquestal, de cámara, para piano, vocal, coral y transcripciones de compositores italianos olvidados de los siglos XVI, XVII y XVIII.

Fue uno de los asociados de Toscanini y la relación entre ambos fue tremendamente fructífera en lo profesional y lo comercial (aunque en lo personal tendrían sus altas y sus bajas). Se fue de gira por muchos países europeos y llegó a visitar Estados Unidos, Brasil, Argentina y Uruguay; en sus viajes conoció a muchas grandes personalidades de su época, como Albert Einstein. Sabía tocar múltiples instrumentos y también fue un gran aficionado al estudio de las ciencias, la geografía y las lenguas (en su adultez sabía hablar en once idiomas).

Murió prematuramente a la edad de 56 años de una endocarditis bacteriana.

¿Qué salió mal?: Nada afectó la reputación de Respighi más que su conexión con el Fascismo. Aunque era políticamente neutral, Respighi permitió que el régimen de Mussolini se apropiara de su música, aceptó honores de este y Mussolini, quien era un violinista aficionado, proclamaba que era su compositor favorito.

Tampoco le hizo ganar muchos puntos su rechazo de la Música Moderna. Aunque él mismo era un modernista (y algunos hasta lo incluyen en el Neoclasicismo), Respighi condenó tanto a Stravinski como a Schönberg y llegó a poner su firma en manifiestos antimodernistas.

También hay que considerar que ser un innovador no garantiza que vas a tener una buena reputación: Respighi fue uno de los primeros compositores en incluir sonidos pregrabados en su música; esto sólo ha servido para ganarle una reputación como “el tipo ese que ponía pajaritos cantando en sus obras”.

Por último, y esto ya es especulación mía, creo que también tiene que ver el que tenga uno de los nombres más chistosos que he leído en mi vida (jijiji😂… Ottorino…).

Después de la Segunda Guerra Mundial su música desapareció de las salas de concierto. Las únicas obras suyas que permanecieron en el repertorio fueron su Trilogía Romana de poemas sinfónicos:

…y, en muchísima menor medida, su ballet inspirado en una serie de piezas para piano compuestas por Rossini, La Boutique fantasque (1918):

Fue debido a los incansables esfuerzos por promover su obra de su viuda, Elsa Olivieri-Sangiacomo (quien era 14 años más joven que él, fue una de sus estudiantes de composición y lo sobrevivió por 60 años; falleció una semana antes de cumplir 102 años), que a partir de la década de 1970 la obra de Respighi empezó a ser reevaluada y se realizaron grabaciones de otras piezas suyas aparte de las ya mencionadas. No obstante, Respighi sigue siendo un gran ausente de las salas de concierto.

¿Qué más hay para escuchar?: Su Concerto Gregoriano para violín y orquesta (1921)…

…su Concerto in modo misolidio para piano y orquesta (1925):

…y la cantata Lauda per la Natività del Signore (1930):

Frank Bridge (1879 - 1941)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales, Glorias olvidadas.

¿En qué país era famoso?: Inglaterra.

¿Quién es?: En su mejor momento fue uno de los compositores más populares de Inglaterra y es uno de los compositores ingleses más interesantes de su generación.

Estudiante de Charles Villiers Stanford, entre otros, su obra se divide en tres etapas bien diferenciadas:

• En la primera etapa compuso principalmente música de salón influenciada principalmente por Brahms, Beethoven, Tchaikovski, Franck, Fauré y Delius.
• La segunda etapa, que empezó a principios del siglo XX, marcó el comienzo de una era de experimentación en busca de un sonido más maduro y la creación de obras más ambiciosas artísticamente. En esta, su estilo fue enriquecido con fuertes influencias de Skriabin, Stravinski, Debussy, Ravel y la Escuela Pastoral.
• La tercera y última etapa aconteció en la década de 1920. Los horrores de la Primera Guerra Mundial afectaron profundamente a Bridge, pues tenía profundas convicciones pacifistas, lo que llevó a que su sonido adoptara un tono más pesimista e incluyera fuertes influencias del Expresionismo alemán, convirtiéndolo en uno de los primeros expresionistas ingleses, si es que no el primero.

Firmó una única ópera y una única obra coral, música orquestal, de cámara, instrumental y canciones.

¿Qué salió mal?: Su personalidad infamemente agria le cerró muchas puertas, es cierto, pero un factor más importante fueron los cambios en los gustos del público.

En la década de 1920, se pusieron de moda en las Islas Británicas la música ligera, el jazz, la nostalgia por un pasado idealizado, la fantasía feérica y la mitología celta… no había lugar para el pesimismo y el nuevo sonido expresionista de la etapa final de Bridge. El compositor no estaba feliz con que sus piezas más recientes fueran ignoradas en favor de sus obras “eduardianas” (como él mismo las llamaba). Y las obras de su primera etapa sufrieron con la muerte de la reputación de la música de salón decimonónica.

Por último, Bridge ha sido totalmente eclipsado por Benjamin Britten. Britten fue estudiante de Bridge y este lo consideraba su profesor más importante. Hay mucha gente allá afuera que está convencida que la relación entre estos dos era prácticamente paternofilial (Bridge no tuvo hijos biológicos). Pero, como ya he explicado en otras ocasiones, es malo que el nombre de un músico quede asociado con el de otro músico más famoso y, para la gran mayoría de las personas, Bridge es sólo “el profesor de Benjamin Britten”. De hecho, hasta hay un chiste cruel circulando entre los fans de la música clásica:

Pregunta: ¿Cuál fue la mejor obra de Frank Bridge?
Respuesta: Benjamin Britten.

Britten, toda su vida, promovió la música de su mentor, llegando a componer las Variaciones sobre un tema de Frank Bridge (1937) con ese fin, pero todo fue en vano.

Fue sólo décadas después de su muerte que renació el interés en su música, pero aun así sigue siendo un gran desconocido para la inmensa mayoría del público.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para su segunda etapa…

…y para su tercera etapa:

Curiosidades históricas: Sinfonía N° 4 "Sinfonía del Verano" en mi mayor (1912)

¿Quién la compuso?: Erkki Melartin (1875 – 1937).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Finlandia.

¿Quién es?: Estudiante de Martin Wegelius en Helsinki y de Robert Fuchs en Viena, Melartin es generalmente considerado uno de los más importantes compositores fineses de finales del Romanticismo y principios de la Música Moderna, aunque tanto en vida como tras su muerte ha sido eclipsado por Jean Sibelius, el compositor más famoso del país.

Su estilo musical empezó siendo uno muy deudor de los compositores rusos (Tchaikovski y los Cinco), para más tarde incorporar influencias de Mahler (como director de orquesta, fue el que introdujo la música de Mahler en Finlandia y fue el primer compositor nórdico en firmar música influenciada por Mahler) y, en sus últimos años de vida, incorporó algunas influencias del Expresionismo.

En su país natal es famoso más que nada por sus numerosas miniaturas para piano y para voz y piano, mientras que, a nivel internacional, si alguna vez has escuchado su nombre lo más probable es que sea por alguna de sus seis sinfonías completas (dejó otras tres inacabadas) y, de hecho, él se veía a sí mismo, en primer lugar, como un sinfonista. Pero Melartin fue un compositor increíblemente prolífico (más de mil piezas individuales), en prácticamente cada género: una ópera en gran escala, ballets, copiosas cantidades de musical incidental (tanto para el teatro como para la radio), otras obras orquestales, música de cámara, piezas para piano a cuatro manos y para dos pianos, música para órgano, canciones orquestales, melodramas, obras corales y transcripciones de obras de otros compositores.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Simplemente, porque Melartin no era tan bueno… pero tampoco lo hacía nada mal, que es por lo que les traigo a mi favorita entre sus sinfonías.

Franz Schreker (1878 - 1934)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Nacido en Mónaco, fue el hijo mayor de un fotógrafo judío de la corte bohemia que se convirtió al protestantismo y de su esposa, Eleonore von Clossmann, quien perteneció a la aristocracia católica de Estiria. Creció durante los viajes de su familia a través de media Europa y, tras la muerte prematura de su padre, se mudó de Linz a Viena en 1888 y, después de ejercer varios trabajos extraños para ayudar a mantener a su madre y sus tres hermanos, entró en el conservatorio de la ciudad con la ayuda de una beca en 1892. Empezó estudiando violín con Sigismund Bachrich y Arnold Rosé, después estudió composición con Robert Fuchs y se graduó en 1900.

Su “pantomima” Der Geburtstag der Infantin, inspirada en el relato “El cumpleaños de la Infanta” de Oscar Wilde y encargada por las bailarinas Grete y Elsa Wiesenthal para la inauguración de la Kunstschau en 1908, fue la pieza que puso su nombre en el mapa y fue tal éxito que escribió varias piezas más relacionadas con la danza para las hermanas.

Pero sería en el mundo de la ópera donde realmente ganaría fama y fortuna: todo empezó en 1912 con el estreno de Der ferne Klang, al cual siguió una década en la que fue considerado uno de los compositores de óperas más grandes del mundo.

Su estilo, aunque era un Romanticismo tardío muy deudor de Wagner y de Richard Strauss y esencialmente tonal, estaba enriquecido por fuertes influencias del naturalismo, el simbolismo, el impresionismo, el expresionismo, la “Nueva Objetividad”, el movimiento Jugendstil (una especie de contraparte alemana del Art Nouveau), el freudanismo, experimentación timbral y estrategias de tonalidad extendida. Escribió los libretos de todas sus óperas maduras y fue uno de los primeros compositores en incluir en sus óperas influencias del cine. También firmó música orquestal y algo de música de cámara y coral.

También fue un prestigioso director de orquesta (dirigió los estrenos del Salmo XXIII de Zemlinsky y Friede auf Erden y Gurre-Lieder de Schönberg, de quien además fue amigo personal) y un profesor de música con una larga lista de estudiantes famosos: Berthold Goldschmidt, Alois Hába, Jascha Horenstein, Julius Bürger, Ernst Krenek, Artur Rodziński, Stefan Wolpe, Zdenka Ticharich y Grete von Zieritz, entre otros.

En su mejor momento, sus óperas rivalizaron en popularidad y reputación con las de Richard Strauss en la Europa de habla alemana y era descrito en la prensa con expresiones como “el futuro de la ópera alemana” y “un segundo Wagner”…

¿Qué salió mal?: …y este fue el preciso instante en que todo empezó a salirle mal.

Empezando con la desigual recepción que tuvo Irrelohe (1924), sus óperas fueron cada vez peor recibidas por el público y la crítica. Esto se debió, en parte, a que tantos halagos hicieron que la gente desarrollara unas expectativas irreales acerca de su obra, en parte porque fue eclipsado por el ascenso del atonalismo y sus innúmeros géneros hijos y en parte a que los cambios en los gustos del público hicieron que la gente reaccionara de mala manera a quienes, como Schreker, trataban en sus obras de forma explícita con temas escabrosos como la sexualidad, la decadencia moral y los problemas mentales.

Pero el principal factor fue que, con la expansión del antisemitismo y el ascenso del Nazismo, Schreker fue víctima de persecución. Los Nazis y otros grupos antisemitas presionaron para que sus obras no pudiesen ser interpretadas e hicieron que perdiera sus puestos oficiales como director y profesor.

Schreker desesperadamente buscó oportunidades fuera de Alemania, pero todo fue en vano. Preocupaciones sobre su futuro y una batalla por su pensión de jubilado destrozaron su salud y murió por un infarto cerebral dos días antes de cumplir los 56 años.

El Tercer Reich prohibió la música de Schreker junto con la de muchos otros compositores judíos o de ascendencia judía.

Tras décadas de oscuridad, su figura empezó a ser reevaluada en las décadas de 1960 y 1970; no obstante, tendría que esperar hasta la primera década del siglo XXI para que sus óperas empezaran a ser revividas en serio, tanto en la Europa de habla alemana como en Estados Unidos (por alguna razón).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Irónicamente para un compositor famoso en vida principalmente por sus óperas, he encontrado mucha gente en internet quejándose que ninguna de estas ha sido revivida de forma verdaderamente satisfactoria. Y su pieza que, hoy en día, es revivida y grabada con más frecuencia es esta Sinfonía de cámara (1916):