Douglas Lilburn (1915 - 2001)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Nueva Zelanda.

¿Quién es?: Fue el primer compositor verdaderamente importante producido por Nueva Zelanda (en ese país es el primero en muchos aspectos) y, hasta el día de hoy, es el compositor neozelandés más famoso a nivel internacional.

Pasó los primeros años de su vida en la granja de ovejas de su familia. El último de siete hermanos, su familia no tenía ninguna tradición musical. Originalmente estudió periodismo, pero con el tiempo se pasó a historia y después a la música, aunque nunca presentó su examen de composición final.

Su carrera musical empezó cuando, con el poema sinfónico Forest, ganó una competencia nacional de composición (y sin haber visto antes una interpretación orquestal) organizada por Percy Grainger, quien se encontraba de visita en el país, en 1936. Gracias al dinero del premio y el apoyo financiero de su familia, entre 1937 y 1939 estudió en el Royal College of Music de Londres con Ralph Vaughan Williams. Los dos hombres serían amigos por el resto de sus días: Lilburn le mandaba miel neozelandesa de regalo al compositor mayor.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, fue llamado al servicio militar sólo para ser rechazado por su mala visión. No obstante, ayudó a rellenar bolsas de arena y se presentó voluntario como vigilante. Regresó a Nueva Zelanda en 1940 y, tras pasar nueve meses en la granja de su hermana ayudando a ordeñar vacas y arrear ovejas a caballo, se involucró fuertemente en las actividades artísticas de la nación. Vale la pena notar que, por casi una década, prácticamente fue el único compositor profesional del país (los otros se concentraban en fuentes de música amateur como coros comunitarios y de iglesias y conjuntos de escuelas). Por esta época conoció a la pintora Rita Angus, con la que tuvo un romance. Ella quedó embarazada, pero sufrió un aborto. De ahí en adelante sólo tuvo relaciones sentimentales con hombres.

Escribió música incidental, orquestal, de cámara, para teclado, coral y vocal. Su estilo musical evolucionó dramáticamente con el tiempo y está dividido en tres etapas muy diferentes entre sí: su primera etapa es un romanticismo tardío muy deudor de Vaughan Williams y de Sibelius que buscaba evocar los paisajes y la naturaleza de Nueva Zelanda (la gran obsesión de los artistas neozelandeses de su generación); la segunda etapa comenzó tras un año sabático que se tomó en 1955 para conocer que se estaba fraguando en EE.UU. y Europa, lo que lo llevó a convertirse a la música dodecafónica al darse cuenta cuan “provincial” e “inadecuado” era su conocimiento musical y técnica compositora comparados con el contexto contemporáneo; y la tercera, tras una gira que empezó en 1963 y que lo llevó trabajar en estudios de música electrónica en Darmstadt, la Universidad de Toronto, la BBC de Londres, Wiltshire, Hawái, Nueva York y París, es de música electrónica. En 1966, fundó un estudio de música electrónica en la Universidad de Victoria en Wellington, el primero de Australasia.

Su importancia en la historia de la música de su país va más allá de su labor como compositor. Cuando se estableció la escuela de música de verano de Cambridge en la región de Waikato, él fue contratado como profesor; durante cuatro años daría clases a la que se convertiría en la siguiente generación de compositores importantes del país… y ese no sería su único cargo importante como docente. También fue muy influyente como editor de música, crítico musical, promotor de otros músicos y activista de la preservación musical y los derechos de autor de los artistas.

En 1980 se retiró, dejó la composición y se convirtió en un recluso debido a que su audición se deterioró gravemente, sus problemas de alcoholismo y su tendencia natural a la soledad.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para su etapa romántica, escuchen su segunda sinfonía (1951)…

…para su etapa dodecafónica, escuchen su tercera sinfonía (1961):

…y, para su etapa electroacústica, escuchen Poem in Time of War (1967):

David Diamond (1915 - 2005)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Lo que más me sorprende es que con un nombre como “David Diamond” no sea un artista de R&B.

Este neoclasicista estadounidense es considerado uno de los más grandes compositores en la historia de su país.

Fascinado por el violín desde una edad muy temprana, ideó su propio método de composición para el instrumento incluso antes de aprender a leer música. Estudió en el Instituto de Música de Cleveland, en la Escuela de Música Eastman composición con Bernard Rogers y violín con Effie Knauss y también recibió lecciones con Rogers Sessions y Paul Boepple en la ciudad de Nueva York (en esa época llegó hasta a trapear pisos para poder mantenerse; sólo uno de los muchos empleos mundanos que desempeñó antes de triunfar como compositor) y con Nadia Boulanger en París. En sus viajes a París conoció a Darius Milhaud, Albert Roussel, Maurice Ravel (su héroe musical), André Gide e Igor Stravinski.

Fue un compositor tremendamente prolífico de música para los escenarios (una ópera que, hasta donde sé, aún no ha sido estrenada, ballets y música incidental), orquestal, de cámara, instrumental, coral y vocal. También fue profesor en Juilliard.

¿Qué salió mal?: Disfrutó de un enorme éxito en la década de 1940 y a principios de la década de 1950, fue promovido por nombres como Koussevitzky, Bernstein, Munch, Ormandy y Mitropoulos y fue muy amado por los críticos, pero empezó a quedar en la sombra con el ascenso de los serialismos y las vanguardias musicales de la segunda mitad del siglo XX. Aunque también hay que tener en cuenta que su carrera fue afectada por su personalidad difícil (sus pleitos con los directores llegaban hasta a la violencia física), que, en tiempos del macartismo, huyó a Florencia y, salvo breves visitas, no regresó a Estados Unidos durante 14 años, algo que no hay dudas de que también afectó su carrera, y que, según él, fue víctima de discriminación por ser judío y abiertamente homosexual.

El suyo no es un caso aislado pues todos los compositores de su generación (que incluye nombres como Howard Hanson, Roy Harris, William Schuman, Walter Piston y Peter Mennin) son considerados una “generación olvidada” de la música estadounidense.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Psalm (1936)…

…su Rounds (1944) para orquesta de cuerdas:

…y su Kaddish (1987) para violonchelo y orquesta:

Si les gustan, pueden continuar con cualquiera de sus once sinfonías (que hicieron que Schömberg proclamara que era “el nuevo Bruckner”), cualquiera de sus diez cuartetos de cuerdas y/o cualquiera de sus numerosas canciones para voz y piano.

Vítězslava Kaprálová (1915 - 1940)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Nació en un hogar musical pues fue hija del compositor, pianista, profesor, maestro de coro, crítico musical y discípulo de Janáček, Václav Kaprál y de la cantante y profesora de canto Vítězslava Kaprálová. Su padre fue su primer profesor de música. Empezó a componer a la edad de nueve. Desde 1930 hasta 1935 estudió composición con Vilém Petrželka, armonía con Max Koblizek y Jaroslav Kvapil, dirección de orquesta con Zdeněk Chalabala, dirección de coro con Vilém Steinman, instrumentación con Osvald Chlubna, teoría musical con Gracian Cernusak, estética con Ludvig Kundera y piano con Anna Holubova en el Conservatorio de Brno. Continuó su educación musical con uno de los discípulos de Dvorák, Vítězslav Novák (1935-37), y Václav Talich (1935-36) en el Conservatorio de Praga (vale la pena señalar que Talich sólo abría esas clases para ocho estudiantes al año y Novák para sólo cinco) y con Bohuslav Martinů, quien había sido un amigo de su familia desde hacía años, y Charles Munch (1937-39) en París. Martinů no sólo fue el profesor de Kaprálová; con rapidez se hicieron amigos y, eventualmente, amantes, y Martinů usó sus influencias y contactos y para promover a la joven compositora en París y ayudarla a desarrollarse musicalmente.

Murió prematuramente de una enfermedad que hasta el momento no ha sido identificada, justo cuando alcanzaba su voz personal y estaba a punto de lograr el reconocimiento internacional como compositora y directora.

Su catálogo incluye unas cincuenta composiciones de música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. En sus primeras piezas escribía en un estilo romántico conservador muy deudor de Chopin, Debussy y Ravel que, con el tiempo, enriqueció con influencias de la música folclórica checa (a la manera de Novák, Janáček y Martinů) y del neoclasicismo (a la manera de Stravinski, Milhaud y Honegger).

Debido al caos político de la Europa de la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría, su música cayó en el olvido durante décadas y Kaprálová fue recordada más que nada como una nota al pie de página en la biografía de Martinů. Fue sólo hasta la década de 1980 que ella volvió a atraer atención.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus Dubnová preludia (“Preludios de abril”, 1937)…

…el ciclo de canciones Navzdy (“Eternidad”, 1936-37):

…la canción Sbohem a satecek (“Decir adiós”, 1937):

…y la Vojenska symfonieta (“Sinfonieta militar”, 1936-37):

Harold Truscott (1914 - 1992)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nació en una familia de clase trabajadora y fue, en su mayor parte, un autodidacta, aunque también asistió a la Guildhall School of Music, donde estudió piano con Orlando Morgan y al Royal College of Music, donde estudió piano con Angus Morrison, cuerno con Frank Probin y composición con Herbert Howells. Comenzó a componer a la edad de doce o trece y sus primeros esfuerzos fueron miniaturas para piano y canciones. A la edad de 15 sus deseos de componer fueron interpretados por su padre como una señal de enfermedad mental y, tras encontrar a un psiquiatra de acuerdo con esta opinión, hizo internar a su hijo en un manicomio. Emergió de allí 20 semanas después con su decisión intacta.

Truscott tuvo una carrera larga y prestigiosa como pianista, profesor y escritor de los más diversos temas musicales (tenía conocimientos enciclopédicos de la música del siglo XIX y de principios del siglo XX). Fue instrumental a la hora de volver a poner en el mapa los nombres de muchos compositores en su época muy oscuros como Granville Bantock, Havergal Brian, Dussek, Médtner, Hans Pfitzner, Max Reger, Franz Schmidt, Robert Volkmann, Kenneth Leighton y un largo etcétera.

¿Por qué no es más famoso?: Truscott se benefició de su amistad con Robert Simpson y durante la década de 1950 tocó en muchos recitales de la BBC y algunas de sus propias composiciones fueron tocadas por artistas notables como John Ogdon, pero, tras cambios en la política musical de la BBC iniciados por sir William Glock a finales de la década de 1950, su música cesó de recibir atención.

Pero, aunque no hubiese habido ese cambio en las políticas musicales de la BBC, es poco probable que Truscott hubiese puesto de su parte para ser reconocido: a pesar de promover la obra de compositores oscuros, él era muy renuente respecto a su propia música e hizo pocos esfuerzos para promoverse, que es por lo que destruyó muchas de sus obras…

…las perdió…

…las dejó inacabadas o ni siquiera las empezó (y quedaron sólo como proyectos) y montones de piezas suyas siguen inéditas.

Y, aunque él hubiese hecho el esfuerzo por alcanzar el estrellato musical, es poco probable que su música hubiese llamado la atención. El estilo musical de Truscott es muy deudor de Beethoven y Schubert, principalmente, seguidos por influencias de Carl Nielsen, Médtner y Hindemith, lo cual quiere decir que en la época en la que estuvo activo hubiese sido considerado un personaje absolutamente pasado de moda. La mayor parte de sus obras completas son para su instrumento, el piano, que también es donde obtenía sus resultados más importantes, pero también nos dejó música orquestal, de cámara, para órgano y vocal entre sus obras acabadas.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su séptima sonata para piano…

…y su única sinfonía terminada:

Morton Gould (1913 - 1996)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: De ascendencia judeoaustriaca, Gould era un niño prodigio que fue un pianista virtuoso a la edad de cinco, publicó su primera obra a la edad de seis y empezó a estudiar con una beca en el Instituto de Artes Musicales (hoy en día Juilliard) a la edad de ocho. Sus profesores más importantes fueron Abby Whiteside y Vincent Jones.

Debido a la Gran Depresión, en su adolescencia tuvo que interrumpir sus estudios y empezar a trabajar tocando el piano en cines y espectáculos de vodevil. Eventualmente fue contratado como pianista por el Radio City Music Hall a la edad de 19. Al mismo tiempo empezó a estudiar con el director Fritz Reiner. Este fue el comienzo de una carrera musical larga y prestigiosa: como pianista y director de orquesta, su trabajo en la radio fue escuchado por millones de personas y dirigió las orquestas más importantes de Norteamérica, Europa, Japón y Australia; también recibió numerosos encargos de obras originales. Por muchas décadas fue miembro activo de la Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores, se sentó en la mesa directiva desde 1959 y sirvió como presidente desde 1986 hasta 1994. Durante esta etapa final, trabajó para la protección de los derechos de autor de los artistas en la época en la que internet empezó a convertirse en una fuerza a tener en cuenta.

Su estilo musical combinaba la influencia de Stravinski, Copland, Gershwin e Ives con los más diversos géneros de la música popular (jazz, spirituals, música latinoamericana y un largo etcétera). Compositor prolífico, nos dejó más que nada música para los escenarios (ballets y música para Broadway, el cine, la radio y la televisión) y obras orquestales, pero también escribió algo de música de cámara, para piano y coral.

¿Por qué no es más famoso?: Morton Gould es un gran desconocido fuera de Estados Unidos y aun dentro del país norteamericano es la clase de compositor que es famoso por tres o cuatro piezas que la gente probablemente ha escuchado, pero es muchísimo menos probable que sepan los nombres de estas y aún menos el del músico.

Esto se debe, principalmente, a que Gould ha sido eclipsado por todos los demás compositores de su era que combinaban la música clásica con la música popular, como los ya mencionados Gershwin y Copland o Leonard Bernstein (como dato curioso, Bernstein y Gould no se llevaban bien).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con todo esto…