Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.
¿En qué país es famoso?: República Checa.
¿Quién es?: Nacido en una familia con una larga tradición musical, tuvo numerosos profesores, de los cuales el más importante es Dvořák, de quien fue uno de sus estudiantes favoritos, ambos hombres se respetaron profundamente y Suk hasta se convirtió en el yerno de su maestro (es en esta última faceta por la que es más famoso a nivel internacional).
Empezó firmando música en un estilo fuertemente influenciado por el de su famoso mentor y suegro, pero, dándose cuenta que esto lo llevaba a un callejón sin salida, entre 1897 y 1905 su estilo comenzó a evolucionar al absorber influencias de los movimientos musicales de su era hasta formar una voz verdaderamente única y personal, así como por darle rienda suelta a su obsesión con la muerte (exacerbada por la muerte en un periodo de 14 meses en 1904 y 1905 de Dvořák y de su esposa).
No muy prolífico, escribió música incidental, orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal. Su obra fue apreciada por Brahms, Mahler, Schönberg, Berg y el crítico Eduard Hanslick. Él junto con Otakar Ostrčil (1879 – 1935) y Vítězslav Novák (1870 – 1949) son considerados los introductores del Modernismo en la República Checa. El más famoso de sus estudiantes fue Martinů,
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pueden comenzar con lo más cercano que tiene a una obra famosa a nivel internacional, su Sinfonía Azrael (1905-1906)…
Después pueden continuar con su Cuento de hadas de verano (1908-1909):
¿Quién es?: Para continuar con el tema de la era de la Música Pastoral en Inglaterra, hoy voy a presentarles a uno de sus principales impulsores.
Bautizado con el nombre de Philip Arnold Heseltine, empezó firmando música fuertemente influenciada por Frederick Delius, a quien contactó a través de su tío, quien era vecino del compositor en Francia, con quien forjaría una amistad que duraría toda la vida y, en esta etapa temprana, casi una obsesión con él. Más tarde, su opinión de la música de Delius disminuyó, aunque en público nunca dejó de defender al otro músico.
El fracaso en sus estudios universitarios lo llevó a perseguir una carrera en la música, empezando como periodista musical y desarrollando una fascinación por la música folclórica de las Islas Británicas y la música isabelina, así como por la Magia Negra y el ocultismo (de ahí su nombre artístico; “warlock” es una de las formas de decir “mago” en inglés).
Dos hechos marcaron un antes y un después en su obra: el primero fue el encuentro con el compositor neerlandés Bernard van Dieren y el segundo fue el que pasara un año escondiéndose en Irlanda para evitar que lo enviaran a luchar en la Primera Guerra Mundial. Ese año que pasó en Irlanda lo dedicó a estudiar la cultura y el idioma celtas.
A su regreso a Inglaterra en 1918, comenzó a publicar canciones, usando su nombre artístico, en el distintivo nuevo estilo que hoy en día conocemos como la “Escuela Pastoral”, siendo cálidamente recibido tanto por el público como por la crítica y los otros compositores, llegando a ganar el elogio hasta de Vaughan Williams. Estas canciones (más de 150 miniaturas para voz y piano, en su mayoría) constituyen el grueso de su producción, aunque también firmó algo de música coral, de cámara y hasta orquestal.
También se forjó una reputación, usando su nombre real, como un crítico musical controversial y combativo, teniendo varios encontronazos bastante feos con otros críticos musicales de la época.
Durante la mayor parte de la década de 1920 llevó un estilo de vida bohemio, marcado por las fiestas (algunas tan salvajes que dañaron las propiedades donde las realizaron y, por lo menos una vez, los vecinos hasta llamaron a la policía), el alcoholismo y la actividad sexual desinhibida. No obstante, vale la pena señalar que esto estaba confinado a los fines de semana, pues también fueron años donde fue tremendamente prolífico como músico, crítico musical e historiador de la música.
No obstante, este estilo de vida eventualmente afectó sus finanzas, lo cual, combinado con una serie de reveses profesionales al final de la década, lo dejó sin empleo y en la ruina. Los últimos meses de su vida estuvieron marcados por el pesimismo, la depresión, la inactividad (pues, para colmo de males, también perdió su inspiración artística) y la obsesión con una muerte inminente.
Fue encontrado muerto en su piso cerrado de Londres, por envenenamiento con gas de alumbrado. Probablemente fue un acto suicida, aunque las cosas no están del todo claras.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque sólo vale la pena conocer una pequeña parte de su producción.
Warlock era un compositor de miniaturas (sus intentos con los géneros mayores dejan mucho que desear) y, de estas, muchas sirven para poco más que piezas de relleno. Sólo quédense con sus canciones que tienden hacia la oscuridad y la melancolía, que es donde es más probable que se topen con las joyas de su obra, como esta The Fox, una de las dos últimas piezas que firmó poco antes de su muerte.
Categorías a las que pertenece: Celebridades locales, One-hit-wonders que hicieron mucho más.
¿En qué país es famoso?: Inglaterra.
¿Quién es?: La Música Moderna se desarrolló de una forma completamente diferente en Inglaterra que en el resto de Europa. Mientras que en el continente empezaba el largo conflicto entre el Neoclasicismo y los innúmeros movimientos nacidos del Atonalismo, en Inglaterra su primera manifestación fue lo que se conoce como la “Escuela Pastoral” o “Pastoralismo”. Esta consistió en que los compositores extirparon las influencias alemanas de la música inglesa al escribir obras inspiradas en la música folclórica de las Islas Británicas, así como en la música litúrgica inglesa del Renacimiento y/o la Edad Media. Y el máximo exponente de la Escuela Pastoral fue Ralph Vaughan Williams[1].
Nacido en una familia acomodada con fuertes puntos de vista políticos y sociales progresistas, tuvo una larga lista de profesores en Inglaterra, que incluía a algunos de los mejores que las Islas Británicas tenían para ofrecer, como Hubert Parry y Charles Villiers Stanford. En viajes por el continente, también estudió con Max Bruch y Maurice Ravel. Él, más tarde, a su vez se forjaría su propia larga lista de estudiantes notables.
Tuvo una vida y una carrera largas, notables y fascinantes que valen la pena estudiar en detalle, donde conoció y hasta trabó amistad con algunas de las figuras más destacables de su era (por ejemplo, fue amigo del filósofo y matemático Bertrand Russell). Tardó bastante en alcanzar la madurez musical (su estilo originalmente estaba muy influenciado por Parry y Elgar), pues se estaba acercando a los 40 años cuando esto sucedió, pero compensó eso dejándonos una de las obras más fascinantes en toda la historia de la música clásica occidental. Fue inmensamente prolífico y trabajó con prácticamente todos los géneros musicales de su era, en todos los cuales demostró igual maestría (excepto en la música para los escenarios, donde sus resultados, por alguna razón, eran desiguales y/o hasta el día de hoy dividen a los críticos, pero incluso allí dejó sus joyas), así como en todos los registros, desde lo intimista hasta lo épico y desde el optimismo más sonriente hasta el pesimismo más demoledor.
Pero, a pesar de su inmensa popularidad en su país natal, sólo ha entrado en el repertorio internacional un puñado de sus piezas más accesibles, como la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis (1910, revisada en 1919):
…y The Lark Ascending (1914, versión original para piano y violín; 1920, versión orquestal):
También es apreciado por sus muy loables esfuerzos por el estudio y preservación de la música folclórica de las Islas Británicas y, para los episcopalianos, él fue quien compiló el himnario de la religión en la primera década del siglo XX, el cual sólo sería revisado en la década de 1980. No obstante, para la inmensa mayoría del público internacional sigue siendo un gran desconocido, lo cual es un poco triste porque, cuando los ingleses dicen que es uno de los más grandes compositores de todos los tiempos no están exagerando.
Como dato curioso, su madre fue sobrina de Charles Darwin.
¿Qué más hay para escuchar?: Vaughan Williams, hoy en día, es famoso más que nada como sinfonista, así que supongo que ese es un buen lugar donde comenzar, con sus nueve sinfonías…
Si les gustaron, pueden empezar a explorar el resto de su música orquestal con su Concierto para piano (1926-31; después arreglado para dos pianos):
…el cual impresionó hasta a Bartók. Sus géneros favoritos, y a los que dedicó sus mayores esfuerzos, fueron la música coral y la vocal (solía decir que la voz humana fue el primer instrumento musical). Les recomiendo que comiencen con Dona nobis pacem (1936):
…una apasionada cantata contra la guerra que es precursora del Réquiem de guerra de Britten. Los géneros donde menos trabajó fueron la música de cámara y la música instrumental, pero incluso en ellos firmó piezas como su segundo cuarteto de cuerdas (1942-44):
…que algunos consideran una de las obras maestras ignoradas del género. Y, para terminar, les dejo el que muchos consideran su logro más importante en la música para los escenarios; el ballet Job: A Masque for Dancing (1930):
Notas:
[1] Él fue uno de los que se inspiraron en la música del Renacimiento inglés.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Se graduó de la carrera de ingeniería, pero decidió convertirse en músico profesional tras conocer a Rudolf Gott, un excéntrico compositor de Boston. Después de estudiar en esa ciudad con George Whitefield Chadwick y Homer Norris (e intentar estudiar, sin éxito, con Edward MacDowell), Farwell viajó a Europa donde se convirtió en estudiante de Engelbert Humperdinck y Hans Pfitzner en Berlín y de Alexandre Guilmant en París.
Tras regresar de Europa, tuvo una carrera musical larga y de lo más variada.
Sus más de cien composiciones en casi cada género musical importante en su época se agrupan en tres etapas bien diferenciadas. En la primera escribió en el estilo típico de los Clasicistas de Nueva Inglaterra más tardíos, aunque fuertemente influenciado por los extravagantes intereses religiosos de Farwell: el compositor practicó toda clase de esoterismos de moda en la época, como el espiritismo, la numerología, la Teosofía y el Nuevo Pensamiento, además de ser aficionado a escritores como William Blake y Lord Dunsany.
En la segunda etapa, Farwell se unió al Movimiento Indianista. Este fue un movimiento musical de finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Estados Unidos que siguió el consejo de Dvorák de que los estadounidenses debían volver a la música de los negros e indios norteamericanos para construir una música nacional. Farwell, quien podría ser la figura más importante del movimiento[1], se unió no sólo por su interés en la música y los rituales de los indios (siempre aficionado a las modas religiosas y espirituales), sino que también para contrarrestar los movimientos musicales del siglo XX.
De hecho, fue más lejos que cualquiera de los otros compositores del movimiento: muchos indianistas sólo se preocuparon de buscar una inspiración superficial en la música de los indios; Farwell, por su parte, estudió las estructuras musicales fundamentales de los indios norteamericanos, de una forma muy similar a como hizo Bartók con la música folclórica húngara, además de absorber también influencias de los spirituals afroamericanos, la música de los vaqueros y de los hispanos en California.
En la tercera y última etapa, con el fracaso del Movimiento Indianista, Farwell abandonó el estilo y, rindiéndose a los tiempos, se puso a componer Música Moderna, aunque, como siempre, a su manera: con una muy personal aproximación al politonalismo, poniendo música a poemas de Emily Dickinson y parodiando tanto a Stravinski como a Schönberg, tal como hizo en la ópera satírica Cartoon.
Hay quienes afirman que su importancia en la historia de la música clásica estadounidense está al mismo nivel que la de Charles Ives.
¿Por qué no es más famoso?: Farwell es más recordado como un director, profesor, crítico, editor y organizador musical que como compositor. En especial hay que destacar sus “coros comunitarios”, eventos para exteriores que podían llegar a incluir miles de participantes, los cuales sentía que podían evolucionar en una nueva forma artística estadounidense, comparable en poder a los dramas musicales de Wagner y que organizó en cada ciudad por la que pasaba.
Parte de la razón del fracaso de Farwell como compositor, y del Movimiento Indianista en general, fue el ascenso de los movimientos musicales del siglo XX, pero la principal razón fue política: en su época, mucha gente vio con malos ojos que estos tipos compusieran obras inspiradas en la música de indios, negros y otros intocables de la sociedad norteamericana. El rechazo era tal que Farwell, en dos ocasiones, tuvo que fundar, con el apoyo de su padre, editoriales para que su obra y la de los demás indianistas pudiese ser publicada.
Las controversias continúan hasta el día de hoy, pues mucha gente se niega a grabar o interpretar a Farwell; esta vez, acusándolo de “apropiación cultural”. Estos dos factores combinados son la razón por la que su Cuarteto de Cuerdas “El Hako” (el nombre de una ceremonia Pawnee), compuesto en 1923, sólo fuese grabado por primera vez hasta 2021.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para su primera etapa, escuchen…
Para su música indianista:
No pude encontrar nada de su etapa final en YouTube😞.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Nació en Rusia, hijo de expatriados suizos (y su madre afirmaba que tenía ascendencia escocesa). Estudió composición con Arenski y Tanéyev en Moscú, primero, y con Woldemar Bargiel (el medio hermano de Clara Schumann) en Berlín, después. Pasó la mayor parte de su vida adulta en Alemania, trabajando para Joachim dando clases de composición. Con el ascenso de los Nazis se retiró y pasó sus años finales en Suiza.
Menos prolífico que otros compositores (sólo 99 números de opus y un puñado de piezas sin número de opus), la mayor parte de su producción está conformada por obras de cámara, que también es el género donde se supone que obtenía sus mejores resultados, aunque también firmó la ópera Aleko (1896), el ballet Psyche (1906), otras piezas para los escenarios, música orquestal (incluyendo cuatro sinfonías, tres conciertos para violín y un concierto triple), música para piano, obras corales y lieder. Su estilo es una combinación de la escuela nacional rusa con el clasicismo romántico de Brahms (lo que provocó que Rajmáninov, quien fue compañero de clases suyo, lo apodara “el Brahms ruso”). Su sonido es, pues, un Romanticismo tardío muy conservador; sin embargo, es uno que estaba consciente que el mundo empezaba a ser dominado por movimientos musicales como el neoclasicismo y el atonalismo.
¿Por qué no es más famoso?: Aunque tuvo algo de popularidad antes y después de la Primera Guerra Mundial, principalmente en Europa central, un mundo que estaba a punto de ser conquistado por los movimientos artísticos del siglo XX no era un lugar donde Juon fuese a convertirse en una superestrella de la música.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con el Cuarteto de cuerdas op. 67 (1920)…
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Fue estudiante de Fauré, Massenet, Dubois y Lavignac. Ha sido descrito como uno de los más fascinantes de los compositores menos conocidos de Francia y durante las primeras cuatro décadas del siglo XX fue uno de los compositores franceses más escuchados. Fue parte del grupo de artistas franceses conocidos como Les Apaches, al que también perteneció Ravel.
Escribió 138 obras con números de opus en todos los géneros mayores de su época excepto la ópera. Su estilo era un impresionismo emparentado con el de Debussy, aunque también tuvo muchas otras influencias musicales como Wagner, Richard Strauss, César Franck, la escuela nacional rusa y la música islámica. Fue precursor de Stravinski (el compositor ruso empezó siendo un admirador de Schmitt, pero, con los años, su opinión del francés daría un giro de ciento ochenta grados) y de Messiaen.
¿Qué salió mal?: Stravinski y otros lo acusaron de ser un reaccionario estancado en el pasado, aunque nada afectó más su reputación como el haber sido un simpatizante de los Nazis, haber colaborado con el régimen de Vichy y aceptado honores del gobierno de Pétain. Tras la Segunda Guerra Mundial su música cayó en la oscuridad, aunque experimentaría un renacimiento menor a partir de la década de 1990.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus piezas más famosas; la suite inspirada en su ballet La Tragédie de Salomé (1907)…
…su Psaume XLVII (1906):
…y, en muchísima menor medida, su quinteto con piano (1902-08):
¿Quién es?: Estudió en Leipzig con, entre otros, Carl Reinecke.
A finales del siglo XIX y principios del siglo XX se forjó una carrera bastante exitosa como compositor, director de orquesta, maestro de coro, profesor de música y violinista. Firmó más de cien obras: cinco óperas, música orquestal (incluyendo siete sinfonías), música de cámara, canciones y obras corales (incluyendo muchas para coro de niños). Por su gran amor por la canción folclórica, la cultura y el paisaje neerlandeses a veces era llamado “el más neerlandés de todos los compositores neerlandeses”. Fue apreciado por Richard Strauss.
¿Qué salió mal?: A pesar de su exitoso con las audiencias, los críticos musicales siempre fueron tremendamente escépticos de su obra pues lo consideraban “demasiado alemán”. Las cosas empeoraron cuando entraron en escena las vanguardias musicales del siglo XX, pues la generación más joven de compositores lo veía como una reliquia de otra era. Matthijs Vermeulen, en particular, se la tenía jurada y esto eventualmente llevó al infame “incidente Vermeulen” en noviembre de 1918. Después de una interpretación de la séptima sinfonía de Dopper (que termina en una marcha), con el propio compositor en la batuta, Vermeulen se puso de pie y gritó “Leve Sousa” (“Larga vida a Sousa”), insinuando que Dopper tenía poco más valor que John Philip Sousa, un compositor estadounidense de marchas odiado por los críticos. Esto provocó una trifulca, no sólo por la afrenta de Vermeulen, sino también porque gran parte de la audiencia entendió “¡Larga vida a Troelstra!” (el nombre de un líder socialista que intentó desencadenar una revolución días antes) y por lo tanto un llamado a la revolución.
Entre la década de 1980 y la del 2000 hubo un intento por revivir la música de Dopper pero se quedó en eso, en el intento y, aun en su país natal, su nombre es tremendamente oscuro.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: No me extraña que no se pudiese revivir ni su música ni su reputación pues es un compositor muy menor. Su obra no tiene nada desafiante ni atrevidamente original y aun sus mejores piezas tienen sus defectos graves. No obstante, esta Ciaconna Gotica, que es considerada su obra maestra y es su obra más famosa tanto en vida como tras su muerte, es una joyita que vale la pena conocer.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Un niño prodigio que a la edad de 11 años fue nombrado organista de la iglesia de St. Pierre en su ciudad natal de Burdeos, fue estudiante de César Franck (junto a Lekeu sería uno de los últimos estudiantes del maestro belga), Widor y d’Indy.
Sus composiciones incluyen ocho sinfonías (la sexta de las cuales es coral), siete óperas, doce obras de cámara, 18 piezas para piano solo, canciones y música coral, pero es conocido más que nada por L’Orgue mystique (1927-32), un monumental ciclo de más de 15 horas de música de órgano para acompañar el año litúrgico católico inspirado en el canto gregoriano.
Como dato curioso, murió en circunstancias misteriosas: un día de 1939 salió de su casa para caminar y fue encontrado muerto cuatro días después en una ciénaga.
¿Por qué no es más famoso?: Porque estaba más interesado en desempeñar sus cargos de organista de la basílica de Santa Clotilde de París y profesor de música de cámara del Conservatorio de París que en intentar convertirse en una superestrella de la música, lo que también hizo que firmase una obra relativamente reducida.
En YouTube pueden encontrar grabaciones de sus sinfonías, pero no es muy común verlas interpretadas en vivo porque, al igual que todas sus otras obras en los géneros mayores, son en muy gran escala (tanto como según que sinfonías de Mahler).
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su sexta sinfonía…
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Firmó su primera pieza a la edad de 15 años. Tuvo muchos profesores, de los cuales los más importantes fueron César Franck y, tras la muerte de este, d’Indy.
Escribió unas 50 obras de música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral en un estilo influenciado por el Beethoven tardío, César Franck y Wagner. Fue precursor de Satie y Milhaud.
Amaba la literatura clásica y la poesía, tenía una personalidad sensualista y sibarita y era una reina del drama: decía que la muerte de César Franck lo hizo contemplar el suicidio; una vez fue en peregrinación a Bayreuth para escuchar a Wagner y se desmayó después del preludio del Tristán, teniendo que ser sacado del teatro; y afirmaba que su objetivo era “poner toda su alma en su música”.
Murió poco después de cumplir 24 años de una fiebre tifoidea que contrajo por comer un sorbete contaminado. Su maestro, d’Indy, completó un par de sus piezas que habían quedado inacabadas a su muerte.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus dos piezas más famosas, la Sonata para violín en sol mayor (1892-93)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto, One-hit-wonders que hicieron mucho más.
¿Quién es?: Este compositor, director y profesor de música alemán, que firmó sus primeras piezas a la edad de 11 y fue admirado por Mahler y Richard Strauss, escribió prolíficamente óperas, música orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal en un estilo postromántico muy deudor de Wagner (él mismo se describió como un antimodernista), aunque estaba abierto a las influencias de muchos otros músicos del Romanticismo alemán.
Otra cosa que agrió su carácter fueron sus interminables polémicas con los compositores de Música Moderna; Pfitzner fue amigo de Ferruccio Busoni, hasta que la respuesta que le dio al manifiesto artístico de este último llevó a que terminaran su amistad de mala manera. Fue famoso por su odio hacia la Segunda Escuela de Viena, llegando a tener un altercado muy público (a través de los periódicos) con Alban Berg. El escritor Thomas Mann elogió su obra más famosa, la ópera Palestrina, pero la relación entre ambos hombres pronto se volvió tensa y cortaron relaciones en 1926. También se sabe que Pfitzner era consumido en secreto por la envidia de la fama y fortuna de Richard Strauss, lo que lo hizo rechazar el género entero del poema sinfónico.
Pero nada ha afectado más la reputación de Pfitzner como el que se convirtiese en un muy vocal simpatizante de los Nazis: por ejemplo, sería amigo hasta el fin de Hans Frank, quien llegaría a ser el gobernador Nazi de la Polonia ocupada, llegando a escribirle una carta de apoyo cuando estaba siendo enjuiciado en Núremberg.
Aunque, para ser totalmente justo, hay que señalar que sus relaciones con los Nazis fueron muy complejas y sus opiniones sobre la cuestión judía son tan contradictorias que rayan en la esquizofrenia.
Perdió el favor de los Nazis por negarse a cortar relaciones y hasta intentar mover sus influencias para ayudar a asociados judíos de toda la vida como el director Bruno Walter (lo cual no le impidió aprovecharse del antisemitismo para lograr ciertos fines y mantener contactos cercanos con antisemitas virulentos como los críticos musicales Walter Abendroth y Victor Junk); Pfitzner consideraba que el judaísmo era una característica cultural en lugar de racial y que, aunque el judaísmo representaba un peligro para la cultura y la vida espiritual alemanas, muchos judíos habían hecho un montón por Alemania y el antisemitismo per se debía ser condenado.
Añadan a lo anterior un montón de metidas de pata de su parte, como negarse a proveer música incidental para el Sueño de una Noche de Verano de Shakespeare para reemplazar la famosa versión de Mendelssohn, inaceptable por su origen judío; Pfitzner sostuvo que el original de Mendelssohn era mucho mejor que cualquier cosa que él pudiese ofrecer como sustituto.
En 1923, Pfitzner y Hitler se reunieron. Fue mientras el primero estaba hospitalizado recuperándose de una operación de vesícula biliar pues Anton Drexler, a quien ambos conocían, organizó una visita. Hitler fue quien habló la mayor parte del tiempo, pero Pfitzner se atrevió a contradecirlo respecto al pensador homosexual y antisemita Otto Weininger, lo que causó que Hitler se largara de mala manera. Por el pecado imperdonable de llevarle la contraria, el Führer quedó convencido que Pfitzner era judío (a pesar de las constantes correcciones de Goebbels y otros) y se dedicó a arruinar su carrera; el compositor, por su parte, quedó convencido de que había causado una buena impresión en Hitler, constantemente invitándolo a conciertos de su música y entrevistas privadas, a las que este último nunca asistía.
En 1934 fue forzado a jubilarse y perdió todos sus puestos, recibiendo una pensión mínima de sólo unos pocos cientos de marcos al mes. Ese mismo año, él intentó convertirse en director de un mitin del Partido, pero fue rechazado y fue sólo en el mitin mismo que descubrió que Hitler pensaba que él era medio judío. Hacia 1939 había quedado totalmente desencantado del régimen Nazi, excepto por Frank, llegando a pelearse muy malamente con Göring, quien amenazó con mandarlo a un campo de concentración.
Es esta conexión con los Nazis lo que ha impedido que su música experimente una reevaluación en toda la regla. En la década de 1980 se empezó a revivir su ópera Palestrina (1917):
…la cual fue su mayor éxito en vida y es considerada su obra maestra; hoy en día, la ópera ha reentrado exitosamente en el repertorio en la Europa de habla alemana, aunque la conexión de Pfitzner con los Nazis y las propias demandas escénicas de Palestrina han impedido que se difunda en serio a nivel mundial. El resto de su producción tuvo que esperar a la siguiente década para empezar a ser revivido, así como para que su vida fuese reevaluada, aunque sigue siendo poco conocido, incluso en Alemania.
También hay que señalar que no todo su catálogo tiene el mismo valor: al contrario de lo que Palestrina pueda hacerles pensar, ese fue su único acierto verdadero en el género de la ópera y muchas de sus obras orquestales y de cámara son tremendamente pobres. No obstante, parece que en el género de los lieder (muy influenciados por Hugo Wolf) Pfitzner era prácticamente infalible.
¿Qué más hay para escuchar?: Su concierto para violín (1923)…
…que, en su momento, fue considerado la más valiosa aportación al repertorio desde el primer concierto para violín de Max Bruch; Die Heinzelmännchen (1903):
