Curiosidades históricas: Sinfonía N° 1 (1935)

¿Quién la compuso?: Gavriil Popov (1904 – 1972).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Pasto de historia alternativa.

Hay un nombre con el que este compositor es comparado con frecuencia y ese es Shostakóvich. Y la comparación no es gratuita: tenían edades muy similares, asistieron al mismo conservatorio, tuvieron muchos de los mismos profesores, sus obras tienen muchas de las mismas influencias, ambos compositores se admiraron entre sí y fueron amigos personales. En la Unión Soviética muchos consideraban a Popov como “el hermano gemelo perdido” de Shostakóvich… sólo que, también, muchos consideraban que Popov era el más prometedor de los dos.

Su Septeto o Sinfonía de cámara de 1927 atrajo la atención internacional y su primera sinfonía (estrenada en 1935) hizo que fuese proclamado como una de las grandes promesas de la música soviética.

¿Qué salió mal?: Su primera sinfonía también tiene el dudoso honor de ser la primera sinfonía censurada por el régimen soviético. Seguro que pueden adivinar lo que viene a continuación: Popov fue uno de los muchos artistas e intelectuales perseguidos y amenazados por el régimen.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Para evitar terminar en un gulag, Popov bajó la cabeza y sumisamente se dedicó a escribir música que seguía las directrices del realismo socialista y elogiaba al Partido y a los héroes del Comunismo o bandas sonoras para el cine (algo que a los censores del régimen les parecía inofensivo). No lo culpo por esto: no podemos pedirles a todos los compositores que tuviesen unas bolas como las de Shostakóvich, quien siguió firmando la música que le venía en gana sin importarle las amenazas del régimen soviético (tú no estuviste allí y no sabes cómo habrías reaccionado en la misma situación). También, para lidiar con la opresión, Popov terminó entregándose a la bebida… aunque también tenga que ver con eso el hecho de que él era ruso… De nuevo, no lo culpo: no todos van a poder conservar su creatividad bajo los efectos del alcohol.

Popov completó dos óperas y dejó inacabada una tercera y escribió bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal.

Esta primera sinfonía nos da una muestra del prometedor talento que fue arruinado.

Luigi Dallapiccola (1904 - 1975)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: A diferencia de muchos compositores que nacieron en ambientes extremadamente musicales, los primeros años de la vida de Dallapiccola fueron pocos auspiciosos para un futuro compositor. Nació en una pequeña ciudad de Istría, por entonces parte del Imperio Austrohúngaro y hoy en día parte de Croacia, y las disputas políticas por la región hicieron que su familia tuviese que mudarse con frecuencia y su padre era el director de una escuela en lengua italiana, la única de la ciudad, que fue cerrada al inicio de la Primera Guerra Mundial. Su familia fue declarada políticamente subversiva y recluida en Graz, Austria, donde Dallapiccola ni siquiera tenía acceso a un piano, aunque asistía a la ópera local; las representaciones que vio allí de Mozart, Weber y, más que ningún otro, Wagner fueron lo que cementó su deseo de convertirse en compositor.

Cuando regresó a su ciudad natal después de la guerra, viajó con frecuencia y terminó estudiando piano en el Conservatorio de Florencia, armonía y contrapunto con Roberto Casiraghi y Corrado Barbieri y composición con Vito Frazzi.

En la década de 1920 fue un simpatizante de Benito Mussolini, pero en la década de 1930 se desencantó con el régimen debido a la campaña de Abisinia y la participación de Italia en la Guerra Civil Española y terminó convirtiéndose en un feroz antifascista. Él mismo censuró las obras que compuso durante la década de 1920 con la instrucción de que nunca fuesen interpretadas, aunque todavía existen bajo acceso controlado para ser estudiadas.

Al principio fue un seguidor de Claude Debussy, Maurice Ravel, Ferruccio Busoni y Béla Bartók hasta que cayó bajo la influencia de la Segunda Escuela de Viena. Fue el primer italiano en componer dentro del dodecafonismo y el serialismo y, por sus esfuerzos por reconciliar el dodecafonismo con el tipo de lirismo que normalmente sólo se asocia con la música tonal, uno de los críticos que consulté llama a su música “serialismo para gente odia el serialismo”. Escribió cuatro óperas, un ballet, música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral.

¿Por qué no es más famoso?: La entrada en la Wikipedia para Dallapiccola dice que su ópera de 1948, Il prigioniero, lo puso en el ojo público y lo que yo me pregunto es ¿dónde? Pues, si uno ha de creer en artículos como ese, Dallapiccola se hizo famoso en todas partes, menos con el público. Las únicas explicaciones que se me ocurren es que Dallapiccola tuvo que llevar el sambenito de ser el primer serialista italiano (un género que, en su época, era muy mal visto en ese país y que ha llevado a que muchos, hasta el día de hoy, lo juzguen como un pálido imitador de la Segunda Escuela de Viena) y el que no tuviese el más mínimo interés en satisfacer los gustos del público, en su lugar prefirió seguir desarrollando su estilo personal.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus Canti di prigionia (1938-41)…

Priaulx Rainier (1903 - 1986)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Empezó a estudiar el violín en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. A la edad de 17 se mudó a Londres y pasaría en Inglaterra la mayor parte de su vida, aunque ella siempre consideraría que sus raíces estaban firmemente plantadas en Sudáfrica. Estudió violín con Hans Wesseley y Rowsby Woof, armonía y contrapunto con sir John Blackwood McEwen y brevemente con Nadia Boulanger. Arnold Bax la animó a que se dedicara a la composición.

Su obra es reducida: sólo 24 números de opus publicados en los géneros orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical es inclasificable: ella se declaró fuera de cualquier corriente o movimiento musical del siglo XX, aunque afirmaba que una de las principales influencias en su estilo eran sus recuerdos de su juventud de los sonidos de la naturaleza africana y el lenguaje y la música folclórica del pueblo Xhosa. Aunque su música muestra una fuerte compresión del dodecafonismo y el serialismo, nunca formó parte de esos movimientos. En su lugar, consideraba a Stravinski un dios y apreciaba a Bartók.

¿Por qué no es más famosa?: Tardó bastante en dedicarse a la composición y, para ella, siempre fue un proceso lento, laborioso y difícil. Además, la necesidad de ganarse la vida como profesora, intérprete y organizadora musical la distraía de la composición. Todo esto llevó a una obra reducida (lo cual nunca es bueno) conformada en su mayoría por piezas en pequeña escala (las cuales no están de moda). Su obra es difícil tanto para los intérpretes como para el público y, para colmo de males, muchas veces los estrenos de sus obras distaron de ser los mejores. Por último, los críticos y los otros compositores estaban divididos acerca de su trabajo. Como era lesbiana, no dejó descendientes directos que estuviese interesados en promover su música.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Cycle for Declamation (1953)…

…su Tríptico Pastoral (1960) para oboe solo:

…su concierto para violonchelo (1964):

…The Bee Oracles (1970):

…y el concierto para violín Due Canti e Finale (1977):

Berthold Goldschmidt (1903 - 1996)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Tomó clases de piano desde la edad de seis y empezó a componer desde una edad temprana. Cuando estudiaba filosofía en la Universidad de Hamburgo, fue animado por el compositor italiano Ferruccio Busoni a escribir música. En 1922 empieza a estudiar con Franz Schreker y tiene como condiscípulos a Ernst Krenek, Alois Hába, Felix Petryek y Jascha Horenstein.

Compuso dos óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo, al igual que con su maestro, es un Romanticismo tardío (uno que volvía a los modelos de Beethoven y Mendelssohn), pero uno que ha sido enriquecido con fuertes influencias de la Música Moderna; en su caso, el neobarroquismo de Hindemith.

Poco a poco fue forjándose una reputación y llegó a ser considerado una de las promesas más brillantes de su generación. Con el triunfal estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei (1932) pareció que le esperaba una carrera larga y prestigiosa…

¿Por qué no es más famoso?: …hasta que los Nazis llegaron al poder al año siguiente y Goldschmidt se convirtió en uno de los muchos artistas e intelectuales que fueron perseguidos por el régimen. Huyó a Gran Bretaña en 1935 y dejó atrás montones de obras que se han perdido para siempre y…

En Inglaterra, su música fue recibida más que nada con indiferencia, en parte por ser alemán, en parte porque, para ese momento, fue tachada de horriblemente anticuada. Frustrado, Goldschmidt abandona la composición en 1958.

Su música sólo empezaría a ser reevaluada a principios de la década de 1980 con un renacimiento del interés en el “arte degenerado”. Al ver este renovado interés en su obra, Goldschmidt vuelve a la composición y continuaría componiendo hasta el día de su muerte.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para violonchelo (1953)…

Luis Humberto Salgado (1903 - 1977)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Latinoamérica produjo algunos de los compositores más importantes del siglo XX. Pero, aparte de los archiconocidos como el brasileño Héitor Villa-Lobos y el argentino Alberto Ginastera, vale la pena rescatar de la oscuridad a nombres mucho menos famosos, como el ecuatoriano Luis Humberto Salgado.

Nació en Cayambe, un pueblito cerca de Quito, y creció y vivió el resto de su vida en la capital ecuatoriana. Los fundamentos de la música se los enseñó su padre, el compositor nacionalista Francisco Salgado Ayala, quien, a su vez, fue discípulo del compositor italiano Domenico Brescia (quien promovió el nacionalismo musical en Chile y Ecuador antes de establecerse permanentemente en Estados Unidos). Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Ecuador, de donde se graduaría como pianista en 1928.

Su hermano menor, quien fue pianista, diplomático y el primer latinoamericano en estudiar en el Conservatorio de Moscú, le enviaba copiosas cantidades de partituras, tratados y libros, que le permitieron mantenerse al día con los desarrollos musicales en Europa y, en cuanto a composición, fue prácticamente un autodidacta. Su estilo musical combinaba libremente un nacionalismo derivado de sus estudios de la música folclórica y popular ecuatoriana con el neoclasicismo, el politonalismo y el serialismo. Escribió alrededor de 200 obras: cuatro óperas (la primera, Cumandá, una epopeya de cinco horas que adapta una novela ecuatoriana del mismo título; las otras tres forman una trilogía inspirada en la historia del cristianismo en el Imperio Romano), cinco ballets, una ópera-ballet, una opereta, nueve sinfonías, ocho conciertos, tres poemas sinfónicos, dos misas, música de cámara, para piano, canciones y piezas de música popular.

¿Por qué no es más famoso?: Como nunca viajó ni tuvo contactos fuera de su país, Salgado no tuvo absolutamente ningún medio de hacer que su música fuese conocida a nivel internacional.

A pesar de que fue una figura muy respetada como profesor, escritor, crítico musical, pianista y por las tres veces que sirvió como director del Conservatorio Nacional, sus propias obras fueron incomprendidas por los otros músicos y el público en general. Además, sus obras en los géneros mayores siguieron estando sin estrenar por muchos años tras su muerte debido a que en Ecuador no existían orquestas capaces de interpretarlas y el que se señalara esto era visto como una afrenta al orgullo nacional; por ejemplo, su tercera sinfonía sólo fue estrenada hasta 2017, 60 años después de ser escrita. Y los pocos que se han interesado en promover su obra, sin ánimos se ofender, no son precisamente la clase de músicos virtuosos que su obra demanda.

Sumen a lo anterior el lamentable estado de conservación en el que se encuentra la obra de Salgado (montones de piezas están dañadas, incompletas o se han perdido para siempre): a su primera sinfonía le falta el finale, el cual existe sólo en una versión revisada y simplificada que fue reciclada de una muy posterior Sinfonía de Ritmos Vernaculares; la versión original de su quinta sinfonía se ha perdido para siempre y tuvo que ser reorquestada a partir de una reducción para piano; su sexta sinfonía está en un estado deplorable, muy sucia y casi ilegible; la versión original de su novena sinfonía también ha desaparecido; de su concierto para violín sólo queda la parte solista; de su concierto para viola no hay el menor rastro y…

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con estas sinfonías…

Antonio José Martínez Palacios (1902 - 1936)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Conocido como Antonio José, a secas, firmó su primera composición a la edad de doce y a la de 18 ya tenía 60 piezas a su nombre y trabajaba en un diario musical de Burgos.

Ravel, con quien estudió en 1925 y 1926, estaba convencido que él iba a convertirse en el gran compositor español del siglo XX. Para cuando murió había firmado más de 150 obras, estaba ganando cada vez más reconocimiento a nivel nacional e internacional y su estilo maduro combina una suerte de post-impresionismo con influencias de la música popular de su natal Burgos.

Fue fusilado por falangistas después del golpe de estado que llevó a la Guerra Civil Española, su música fue prohibida por el régimen de Franco y su figura sólo empezó a ser rehabilitada en los últimos años del franquismo.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Sinfonía castellana (1923)…

…y su sonata para guitarra (1933):

Ruth Crawford Seeger (1901 - 1953)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Fue una de las compositoras estadounidenses más importantes de la primera mitad del siglo XX.

Su obra es reducida, pero de una consistente altísima calidad y en su mayoría está conformada por piezas para instrumentos solos, música de cámara y canciones para voz y piano o para voz y conjunto de cámara. Su carrera se divide en tres etapas: desde 1924 hasta 1929, en la que, influenciada por Aleksandr Skriabin y sus compañeros del grupo de los ultramodernos (al que perteneció) como Henry Cowell (de quien fue amiga personal), Carl Ruggles y Edgard Varèse, experimentó con la atonalidad y los ritmos irregulares; desde 1929 hasta 1933, en la que, influenciada por un viaje por Europa en el que se entrevistó con Bela Bartók, Paul Hindemith, Arnold Schönberg y Alban Berg, se pone a estudiar el dodecafonismo (aunque a su manera; no se convirtió en estudiante de Schönberg) y firma obras que la convierten en una precursora del serialismo total o integral; y una tercera etapa desde 1933 hasta su muerte en la que, por razones que se explican abajo, abandona casi por completo la composición y se dedica al estudio y la transcripción de la música folclórica estadounidense y la educación musical de los niños (en estos aspectos, es una de las más importantes en la historia de Estados Unidos).

¿Por qué no es más famosa?: Además de las razones evidentes…

…(y no es exageración mía: le prohibieron asistir a una reunión de una sociedad musicológica de la que formó parte porque no querían dar la impresión de que la musicología era “cosa de mujeres”), está el que ella misma fuese muy insegura respecto a sus talentos como compositora.

Tras su regreso a Estados Unidos de su viaje a Europa se casó con Charles Seeger (quien fue uno de sus profesores) y decidió concentrarse en ser esposa y madre. Durante sus primeros años, el matrimonio experimentó serias penurias económicas y tuvieron que aceptar trabajos en el estudio y la transcripción de la música folclórica estadounidense para poder traer el pan a la mesa. Aunque este cambio también tuvo motivaciones políticas: las ideas políticas de la pareja se hicieron cada vez más izquierdistas, lo que los hizo interesarse en música que atrajese a la clase trabajadora.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con lo más parecido que tiene a una obra famosa, su cuarteto de cuerdas (1931)…

William Busch (1901 - 1945)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Estudió en Londres, Berlín y Nueva York. Busch aprendió composición con John Ireland y Bernard van Dieren y piano con múltiples profesores, entre los que se cuentan Mabel Lander, Leonid Kreutzer, Wilhelm Backhaus y Egon Petri.

Su producción es reducida: sólo unos pocos puñados de obras orquestales, de cámara, para piano y canciones, escritas en el estilo de la Escuela Pastoral, aunque con una personalidad inconfundiblemente suya y, en sus piezas finales, empezó a incluir influencias de otros movimientos musicales del siglo XX.

Esto se debe a que al principio de su carrera intentó convertirse, primero, en un pianista de concierto, pero tuvo que abandonarlo porque no pudo controlar sus problemas de pánico escénico. Eso provocó que tardase mucho en empezar a producir sus propias composiciones. Sumen a lo anterior el que componer le resultase muy difícil a Busch y que careciese del talento para autopromocionarse y forjar las conexiones necesarias para ver su obra publicada. Todo empeoró con la Segunda Guerra Mundial, pues a Busch le cerraron muchas puertas por ser hijo de inmigrantes alemanes y porque se declaró objetor de consciencia.

Busch murió prematuramente: visitó a su hija recién nacida y tuvo que hacer el largo viaje de regreso a casa a pie en medio de nieve profunda (porque todos los medios de transporte fueron cancelados); esto provocó que sufriera de hipotermia y una hemorragia interna y que, por esas mismas condiciones, ningún doctor pudiese ir a ayudarlo. Murió precisamente en el momento en que empezaba a ser reconocido como compositor.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para piano (1937-9)…

…estas piezas de cámara:

…y estas canciones:

Edmund Rubbra (1901 - 1986)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: De orígenes humildes, Rubbra empezó a estudiar música con una vecina que tenía un piano. A la edad de catorce dejó la escuela y trabajó en una serie de empleos normales, mientras, en su tiempo libre, seguía estudiando armonía, contrapunto, piano y órgano de forma autodidacta. Más tarde se convertiría en discípulo de Cyril Scott, Gustav Holst, R. O. Morris y Ralph Vaughan Williams.

Fue bastante prolífico, con más de 160 obras: una ópera y música incidental (las cuales, hasta el momento, existen sólo como manuscritos), más música orquestal, de cámara, instrumental, coral y vocal.

Indiferente a los movimientos musicales del siglo XX y a las reglas formales, Rubbra empleó un sistema de acuñación propia donde trabajaba desde una idea inicial y descubría la música conforme iba componiendo. Su estilo era sobrio y serio, al mismo tiempo lírico e intelectual.

¿Por qué no es más famoso?: Principalmente, porque Rubbra es otro compositor para compositores. Desde el primer momento hasta el día de hoy, los otros músicos han sido, en general, los que han tenido a Rubbra en muy alta estima; son los críticos y el público los que con frecuencia acusan su obra de sonar “gris”.

Durante un breve periodo en la década de 1950 tuvo cierta popularidad y hasta hubo gente que lo proclamaba como EL sinfonista británico (hasta el día de hoy, sus once sinfonías son la parte de su obra más difundida y famosa; poco antes de su muerte comenzó a trabajar en una doceava sinfonía, pero sólo logró escribir una página de material), debido, principalmente, a que la naturaleza de su música la convirtió en la banda sonora perfecta para una era de austeridad por la reconstrucción tras la Segunda Guerra Mundial. No obstante, aun en su mejor época fue eclipsado por Vaughan Williams y Walton y en la siguiente década, con el ascenso de Britten y la entrada en Inglaterra de las vanguardias musicales de la segunda mitad del siglo XX, Rubbra cayó rápidamente en el olvido.

Pero vale la pena mencionar que esto probablemente no molestó a Rubbra: no hacía ningún esfuerzo por promocionar su obra y se ganaba la vida dando clases de música, tocando el piano, dirigiendo y cumpliendo con encargos (como cuando escribió música para la coronación de Isabel II).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus sinfonías de la quinta a la séptima, la décima y la onceava…

Ernst Krenek (1900 - 1991)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Inició su formación musical a la edad de seis. Estudió en Viena, primero, y en Berlín con Franz Schreker, después.

Firmó 242 obras con números de opus y al menos 130 sin estos en casi cada género musical. La evolución de su estilo fue larga y compleja y pasa por casi cada movimiento musical del siglo XX. Sus primerísimas composiciones fueron escritas en un Romanticismo tardío muy deudor de su profesor y de Max Reger y Richard Strauss, pero alrededor de 1920 se pasó al atonalismo influenciado por el libro de Ernst Kurth Grundlagen des linearen Kontrapunkts y los preceptos de Ferruccio Busoni, Artur Schnabel, Eduard Erdmann y Hermann Scherchen, entre otros.

Una visita a París, durante la cual se familiarizó con la obra de Stravinski (Pulcinella fue especialmente influyente) y Les Six, lo llevó a adoptar el neoclasicismo alrededor de 1924. Poco después se pasó a un neorromanticismo que combinaba los modelos de Schubert con influencias del jazz. Fue en este estilo en el que escribió su “ópera jazz” Jonny spielt auf (1926), la cual fue un masivo éxito a través de Europa y volvió famoso a Krenek (de hecho, hasta el día de hoy, hay una marca austriaca de cigarrillos llamada “Jonny”, nombrada en su honor). No obstante, con el tiempo Krenek se desencantó de esta porque sus colegas musicales la consideraban demasiado comercial y demasiado dependiente de tendencias y porque su propio estilo siguió evolucionando. Eventualmente fue prohibida por los Nazis.

A finales de la década de 1920, Krenek abrazó el dodecafonismo de Schönberg. Más tarde experimentaría libremente con las diversas formas de serialismos conforme estas aparecían y, desde la segunda mitad de la década de 1950, también compuso música electrónica.

Fue uno de los muchos artistas e intelectuales perseguidos por el Tercer Reich. En 1938 se mudó a los Estados Unidos. Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1945.

¿Por qué no es más famoso?: Porque Krenek fue otro “compositor para compositores”, algo que ya expliqué en su momento y cuáles son los problemas que ocasiona.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus sinfonías segunda (1922)…

…y cuarta (1947):

…sus dos conciertos para violín:

…sus conciertos para piano segundo (1937):

…y tercero (1946):

…su segundo Concerto Grosso (1924):

…Santa Fe Timetable (1945):

…y su sonata para arpa (1955):