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Hubo muchos compositores que murieron en las dos guerras mundiales, aunque los que murieron en la Primera Guerra Mundial son los que atraen toda la atención: el inglés George Butterworth (1885 – 1916), el australiano Frederick Septimus Kelly (1881 – 1916) y el alemán Rudi Stephan (1887 – 1915) murieron en batalla, el francés Albéric Magnard (1865 – 1914) murió defendiendo una propiedad suya de los invasores alemanes (lo que lo convirtió en un héroe nacional) y el español Enrique Granados (1867 – 1916) murió cuando el barco en el que regresaba a España de un recital en Norteamérica fue hundido por un submarino alemán.
Pero, en mi opinión, son los compositores que murieron durante la Segunda Guerra Mundial los verdaderamente interesantes, como el nombre que les traigo hoy: Walter Leigh.
Su primer profesor fue Harold Darke, con quien trabajó desde la edad de ocho hasta la de diecisiete. Asistió al Christ’s College, Cambridge, donde estudió composición con Cyril Rootham y se graduó en 1926. Después estudió dos años con Paul Hindemith.
Su obra es reducida: escribió una ópera cómica, una opereta, pantomimas, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano y vocal. Su estilo combina la influencia de Paul Hindemith con la de Maurice Ravel.
Murió en combate en Tobruk, Libia.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Leigh tiene algo parecido a una obra famosa. Es su Concertino para clavecín (o piano) y orquesta de cuerdas (1934):
También pueden probar la Obertura Agincourt (1934):
…y la música incidental para las comedias Las ranas (1936) de Aristófanes:
…y Sueño de una noche de verano (1936) de William Shakespeare:
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¿En qué país es famoso?: Nigeria.
¿Quién es?: Olufela “Fela” Obafunmilayo Sowande fue hijo de Emmanuel Sowande, un sacerdote y pionero de la música litúrgica nigeriana. De niño cantó en el coro de la Iglesia Catedral de Cristo. Estudió en la Escuela de Gramática C. M. S. y el King’s College de Lagos. La influencia de su padre y el Dr. T. K. Ekundayo Phillips (compositor, organista y maestro de coro) fue un factor importante en su infancia. A través de Phillips, Sowande fue expuesto por primera vez a la música litúrgica europea como la de Bach y Rheinberger.
En 1934, Sowande fue a Londres para estudiar ingeniería civil. No obstante, para ayudar a pagar sus estudios, empezó a tocar el piano en clubes de jazz de Londres. Eventualmente, cambió la ingeniería por la música, colaboró con varios jazzistas famosos y formó su propio septeto de jazz. Después, estudió órgano en privado con Edmund Rubbra, George Oldroyd y George Cunningham.
Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como asesor musical para la Colonial Film Unit del Ministerio de Información principalmente firmando música de fondo para filmes educativos y dio conferencias para la BBC Africa Service.
Desde 1945 hasta 1952, fue organista y maestro de coro para la West London Mission de la Iglesia Metodista. En 1952, Sowande regresó a Nigeria y trabajó con la radio nigeriana y dio clases en la universidad. En 1962 viajó a los Estados Unidos gracias a una beca de la Fundación Rockefeller. Dio clases en la Universidad Howard de Washington D.C., en la Universidad de Pittsburgh y en la Universidad Estatal de Kent, Ohio, hasta su retiro en 1982.
Sowande comenzó a componer mucho más tarde que la mayoría de los compositores, sus primeras obras serias alrededor de los 40 años, y más o menos abandonó la composición alrededor de 1960 y se movió hacia la enseñanza y la etnomusicología. Su estilo musical combina las influencias de la música litúrgica anglicana, el Romanticismo europeo y el Pastoralismo, por un lado, y el jazz y diversos géneros de la música popular de África occidental, por el otro. Escribió música orquestal, para piano, para órgano, vocal y coral (mayormente “a cappella”). Las de este último género todavía son bastante populares en su país natal.
Es considerado el padre de la música “artística” moderna en Nigeria y el más famoso a nivel internacional de todos los compositores africanos de música clásica.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Es difícil escribir sobre la música de Sowande porque mucho de su obra sigue inédita o está fuera de circulación. No obstante, esta Suite africana (1945) para orquesta de cuerdas recibe los elogios más entusiastas en las redes sociales:
¿Quién es?: Winterberg comenzó sus lecciones de música a la edad de nueve con la pianista de conciertos Therèse Wallerstein. Continuó sus estudios con Fidelio F. Finke, Alexander Zemlinsky y Alois Hába y tuvo entre sus compañeros de clases a Gideon Klein y Viktor Ullmann.
¿Por qué no es más famoso?: En vida, su carrera tuvo que lidiar con obstáculos como los traumas psicológicos que sufrió por ser un sobreviviente de un campo de concentración Nazi, su difícil vida personal (se casó cuatro veces y ninguno de sus matrimonios fue muy feliz que digamos; también tuvo problemas con sus hijos) y el que, aunque era una persona muy poco interesada en la política, se vio arrastrado a los vaivenes políticos de la Europa central de la Guerra Fría.
Tras su muerte, el problema han sido que el hijastro de Winterberg vendió los derechos de su obra con la condición de que se le pondría un embargo que duraría hasta el año 2031. El nieto de Winterberg, junto al nieto de Schönberg (por alguna razón), lograron apelar estas condiciones en 2015 y, desde esa fecha, poco a poco la obra de Winterberg ha ido saliendo a la luz.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: En primer lugar, tan poco de la obra de Winterberg está disponible para su evaluación que, por el momento, no se puede hacer un dictamen con justicia acerca del valor de esta. En segundo lugar, lo poco que se ha escuchado, hasta ahora, revela un compositor muy irregular, que tenía resultados más consistentes en la música de cámara que en la música orquestal. Aunque, claro, cuando acertaba, acertaba a lo grande, como en la pieza que les traigo hoy.
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¿Quién es?: Su madre era una conocida pianista y profesora y el joven Seiber ganó considerable habilidad con ese primer instrumento. A la edad de diez, comenzó a aprender a tocar el violonchelo. Tras asistir a la escuela de gramática, donde era considerado “sobresaliente” en matemáticas y latín, estudió violonchelo y composición desde 1918 hasta 1925 y composición con Zoltán Kodály desde 1921 hasta 1925. Kodály y Seiber serían amigos de toda la vida (Seiber también sería amigo de Ligeti). Seiber viajó por Hungría con Zoltán Kodály estudiando canciones folclóricas y expandiendo la investigación de Kodály con Béla Bartók. También desarrolló un interés por el canto llano medieval.
En 1928 se convirtió en director del departamento de jazz en el Conservatorio Hoch de Frankfurt, el cual ofreció los primeros cursos académicos de jazz de la historia. Después que el departamento de jazz fuese cerrado por los Nazis en abril de 1933, Seiber dejó Alemania. Regresó a Hungría y en 1935 emigró a Inglaterra y se estableció en Londres. Sólo se convirtió en ciudadano británico después de la guerra. Seiber enseñó composición y violonchelo en privado al mismo tiempo que trabajaba como asesor para la subsidiaria de Schott Music en Londres y componía música para el cine. Michael Tippett lo invitó al Morley College y desde 1942 trabajó allí como profesor de composición, estética musical y teoría musical. Allí amasó una lista larga de estudiantes prestigiosos y forjó amistades y asociaciones profesionales con muchos solistas famosos.
Publicó más de 80 obras: dos ballets, música orquestal, de cámara, vocal, coral y bandas sonoras para el cine. Su estilo originalmente era muy deudor de Bartók y su maestro, Kodály, pero con el tiempo, se convirtió en un compositor que, sin previo aviso, podía saltar entre ese estilo y otras influencias como el serialismo, la música influenciada por el jazz y la música ligera y la música influenciada por el canto llano medieval y las canciones folclóricas de diversas regiones de Europa. Muchas de sus obras tienen un sentido del humor emparentado con el de Stravinski y Les Six. A menudo, piezas individuales usaban una combinación de estas influencias. También publicó jazz y música popular con seudónimos como G. S. Mathis o George Mathis.
Murió trágicamente en un accidente de tránsito en Sudáfrica, adonde había ido a dar una serie de conferencias. Tanto Kodály como Ligeti compusieron obras lamentando su muerte.
¿Por qué no es más famoso?: Ese es el problema cuando un compositor es impredecible e inclasificable; es muy difícil vender su música.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Serenata (1925) para seis instrumentos de viento…
…su Concertino (1951) para clarinete y orquesta de cuerdas:
…y sus Cuatro Canciones Folclóricas Francesas (1959) para voz alta y guitarra:
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Nació en una familia de la nobleza italiana con raíces españolas por parte de su madre. Recibió una educación que él mismo llamó “medieval”: un tutor privado le enseñó latín, ajedrez y esgrima. Estudió música con Giacinto Sallustio en Roma y luego con Walter Klein, un discípulo de Schönberg, en Viena. También estudió con un discípulo de Skriabin en Suiza. En su juventud frecuentó la casa de Respighi en Roma y fue un entusiasta de Luigi Russolo. Se convirtió en uno de los primeros adeptos italianos del dodecafonismo. Su estilo musical era originalmente una mezcla del dodecafonismo de Berg con el contrapunto de J. S. Bach, enriquecido con influencias tan diversas como Russolo, Skriabin y Bartók.
A finales de la década de 1940 sufrió una profunda crisis psicológica, en parte debido a que su esposa se divorció de él. Durante su internamiento en un hospital psiquiátrico se la pasaba tocando durante horas seguidas una sola nota (un la bemol); esta fue la génesis de su estilo de la segunda mitad de su vida, en el que una sola nota es alterada por el tratamiento de sus armónicos e inflexiones microtonales, tímbricas, dinámicas, de volumen, de densidad, de tempo o de octava. Este estilo lo convierte en precursor del espectralismo y el experimentalismo estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. De hecho, conoció y fue amigo, colaborador y mentor de muchos de los representantes de ambos movimientos. El famoso Ennio Morricone también fue admirador suyo.
Hizo numerosos viajes a Oriente (visitó la India y algunos dicen que llegó hasta el Tíbet), en los que descubrió la espiritualidad y la música orientales, aunque su primer contacto con culturas no europeas fue en un viaje a Egipto en 1927. Se metió en el yoga y el misticismo de Helena Blavatsky, G. I. Gurdjieff y Sri Aurobindo. Sus obras empezaron a utilizar títulos en latín, griego antiguo, egipcio, asirio, sánscrito, maya y hasta palabras de origen desconocido. Terminó rechazando toda noción de “composición” y “autor” en favor de la improvisación; incapaz física y psicológicamente de transcribir sus improvisaciones, las grababa en cinta magnética y las confiaba a copistas. Así se formó alrededor de Scelsi un círculo privado de asistentes e intérpretes con los que colaboró estrechamente. Esta manera de proceder ha hecho que muchos afirmen que Scelsi no era el autor de sus obras (el compositor Vieri Tosatti, unos de sus antiguos colaboradores, en particular, ha sido muy vocal a la hora de afirmar que él es el verdadero autor de su obra). Scelsi llegó a ver la creación artística como un medio para comunicar una realidad más elevada y trascendental al oyente. Desde ese punto de vista, el artista se considera un mero intermediario y Scelsi creía ser un mensajero de los dioses hindúes. Por este motivo llegó a negarse a que lo fotografiaran y a que se distribuyera su imagen y prefirió identificarse con un círculo con una línea debajo, un símbolo zen.
¿Por qué no es más famoso?: Scelsi era demasiado iconoclasta como para conseguir otra cosa que la hostilidad de los otros compositores y la indiferencia del gran público. Fue sólo en la década final de su vida que su obra fue “descubierta” por una generación de jóvenes compositores y hoy en día tiene cierta popularidad de culto entre los aficionados a la música postmoderna.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con este par de piezas…
Hay un nombre con el que este compositor es comparado con frecuencia y ese es Shostakóvich. Y la comparación no es gratuita: tenían edades muy similares, asistieron al mismo conservatorio, tuvieron muchos de los mismos profesores, sus obras tienen muchas de las mismas influencias, ambos compositores se admiraron entre sí y fueron amigos personales. En la Unión Soviética muchos consideraban a Popov como “el hermano gemelo perdido” de Shostakóvich… sólo que, también, muchos consideraban que Popov era el más prometedor de los dos.
Su Septeto o Sinfonía de cámara de 1927 atrajo la atención internacional y su primera sinfonía (estrenada en 1935) hizo que fuese proclamado como una de las grandes promesas de la música soviética.
¿Qué salió mal?: Su primera sinfonía también tiene el dudoso honor de ser la primera sinfonía censurada por el régimen soviético. Seguro que pueden adivinar lo que viene a continuación: Popov fue uno de los muchos artistas e intelectuales perseguidos y amenazados por el régimen.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: A diferencia de muchos compositores que nacieron en ambientes extremadamente musicales, los primeros años de la vida de Dallapiccola fueron pocos auspiciosos para un futuro compositor. Nació en una pequeña ciudad de Istría, por entonces parte del Imperio Austrohúngaro y hoy en día parte de Croacia, y las disputas políticas por la región hicieron que su familia tuviese que mudarse con frecuencia y su padre era el director de una escuela en lengua italiana, la única de la ciudad, que fue cerrada al inicio de la Primera Guerra Mundial. Su familia fue declarada políticamente subversiva y recluida en Graz, Austria, donde Dallapiccola ni siquiera tenía acceso a un piano, aunque asistía a la ópera local; las representaciones que vio allí de Mozart, Weber y, más que ningún otro, Wagner fueron lo que cementó su deseo de convertirse en compositor.
Cuando regresó a su ciudad natal después de la guerra, viajó con frecuencia y terminó estudiando piano en el Conservatorio de Florencia, armonía y contrapunto con Roberto Casiraghi y Corrado Barbieri y composición con Vito Frazzi.
Al principio fue un seguidor de Claude Debussy, Maurice Ravel, Ferruccio Busoni y Béla Bartók hasta que cayó bajo la influencia de la Segunda Escuela de Viena. Fue el primer italiano en componer dentro del dodecafonismo y el serialismo y, por sus esfuerzos por reconciliar el dodecafonismo con el tipo de lirismo que normalmente sólo se asocia con la música tonal, uno de los críticos que consulté llama a su música “serialismo para gente odia el serialismo”. Escribió cuatro óperas, un ballet, música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral.
¿Por qué no es más famoso?: La entrada en la Wikipedia para Dallapiccola dice que su ópera de 1948, Il prigioniero, lo puso en el ojo público y lo que yo me pregunto es ¿dónde? Pues, si uno ha de creer en artículos como ese, Dallapiccola se hizo famoso en todas partes, menos con el público. Las únicas explicaciones que se me ocurren es que Dallapiccola tuvo que llevar el sambenito de ser el primer serialista italiano (un género que, en su época, era muy mal visto en ese país y que ha llevado a que muchos, hasta el día de hoy, lo juzguen como un pálido imitador de la Segunda Escuela de Viena) y el que no tuviese el más mínimo interés en satisfacer los gustos del público, en su lugar prefirió seguir desarrollando su estilo personal.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus Canti di prigionia (1938-41)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Empezó a estudiar el violín en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. A la edad de 17 se mudó a Londres y pasaría en Inglaterra la mayor parte de su vida, aunque ella siempre consideraría que sus raíces estaban firmemente plantadas en Sudáfrica. Estudió violín con Hans Wesseley y Rowsby Woof, armonía y contrapunto con sir John Blackwood McEwen y brevemente con Nadia Boulanger. Arnold Bax la animó a que se dedicara a la composición.
Su obra es reducida: sólo 24 números de opus publicados en los géneros orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical es inclasificable: ella se declaró fuera de cualquier corriente o movimiento musical del siglo XX, aunque afirmaba que una de las principales influencias en su estilo eran sus recuerdos de su juventud de los sonidos de la naturaleza africana y el lenguaje y la música folclórica del pueblo Xhosa. Aunque su música muestra una fuerte compresión del dodecafonismo y el serialismo, nunca formó parte de esos movimientos. En su lugar, consideraba a Stravinski un dios y apreciaba a Bartók.
¿Por qué no es más famosa?: Tardó bastante en dedicarse a la composición y, para ella, siempre fue un proceso lento, laborioso y difícil. Además, la necesidad de ganarse la vida como profesora, intérprete y organizadora musical la distraía de la composición. Todo esto llevó a una obra reducida (lo cual nunca es bueno) conformada en su mayoría por piezas en pequeña escala (las cuales no están de moda). Su obra es difícil tanto para los intérpretes como para el público y, para colmo de males, muchas veces los estrenos de sus obras distaron de ser los mejores. Por último, los críticos y los otros compositores estaban divididos acerca de su trabajo. Como era lesbiana, no dejó descendientes directos que estuviese interesados en promover su música.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Cycle for Declamation (1953)…
…su Tríptico Pastoral (1960) para oboe solo:
…su concierto para violonchelo (1964):
…The Bee Oracles (1970):
…y el concierto para violín Due Canti e Finale (1977):
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Tomó clases de piano desde la edad de seis y empezó a componer desde una edad temprana. Cuando estudiaba filosofía en la Universidad de Hamburgo, fue animado por el compositor italiano Ferruccio Busoni a escribir música. En 1922 empieza a estudiar con Franz Schreker y tiene como condiscípulos a Ernst Krenek, Alois Hába, Felix Petryek y Jascha Horenstein.
Compuso dos óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo, al igual que con su maestro, es un Romanticismo tardío (uno que volvía a los modelos de Beethoven y Mendelssohn), pero uno que ha sido enriquecido con fuertes influencias de la Música Moderna; en su caso, el neobarroquismo de Hindemith.
Poco a poco fue forjándose una reputación y llegó a ser considerado una de las promesas más brillantes de su generación. Con el triunfal estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei (1932) pareció que le esperaba una carrera larga y prestigiosa…
Su música sólo empezaría a ser reevaluada a principios de la década de 1980 con un renacimiento del interés en el “arte degenerado”. Al ver este renovado interés en su obra, Goldschmidt vuelve a la composición y continuaría componiendo hasta el día de su muerte.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para violonchelo (1953)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Latinoamérica produjo algunos de los compositores más importantes del siglo XX. Pero, aparte de los archiconocidos como el brasileño Héitor Villa-Lobos y el argentino Alberto Ginastera, vale la pena rescatar de la oscuridad a nombres mucho menos famosos, como el ecuatoriano Luis Humberto Salgado.
Nació en Cayambe, un pueblito cerca de Quito, y creció y vivió el resto de su vida en la capital ecuatoriana. Los fundamentos de la música se los enseñó su padre, el compositor nacionalista Francisco Salgado Ayala, quien, a su vez, fue discípulo del compositor italiano Domenico Brescia (quien promovió el nacionalismo musical en Chile y Ecuador antes de establecerse permanentemente en Estados Unidos). Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Ecuador, de donde se graduaría como pianista en 1928.
Su hermano menor, quien fue pianista, diplomático y el primer latinoamericano en estudiar en el Conservatorio de Moscú, le enviaba copiosas cantidades de partituras, tratados y libros, que le permitieron mantenerse al día con los desarrollos musicales en Europa y, en cuanto a composición, fue prácticamente un autodidacta. Su estilo musical combinaba libremente un nacionalismo derivado de sus estudios de la música folclórica y popular ecuatoriana conel neoclasicismo, el politonalismo y el serialismo. Escribió alrededor de 200 obras: cuatro óperas (la primera, Cumandá, una epopeya de cinco horas que adapta una novela ecuatoriana del mismo título; las otras tres forman una trilogía inspirada en la historia del cristianismo en el Imperio Romano), cinco ballets, una ópera-ballet, una opereta, nueve sinfonías, ocho conciertos, tres poemas sinfónicos, dos misas, música de cámara, para piano, canciones y piezas de música popular.
¿Por qué no es más famoso?: Como nunca viajó ni tuvo contactos fuera de su país, Salgado no tuvo absolutamente ningún medio de hacer que su música fuese conocida a nivel internacional.
A pesar de que fue una figura muy respetada como profesor, escritor, crítico musical, pianista y por las tres veces que sirvió como director del Conservatorio Nacional, sus propias obras fueron incomprendidas por los otros músicos y el público en general. Además, sus obras en los géneros mayores siguieron estando sin estrenar por muchos años tras su muerte debido a que en Ecuador no existían orquestas capaces de interpretarlas y el que se señalara esto era visto como una afrenta al orgullo nacional; por ejemplo, su tercera sinfonía sólo fue estrenada hasta 2017, 60 años después de ser escrita. Y los pocos que se han interesado en promover su obra, sin ánimos se ofender, no son precisamente la clase de músicos virtuosos que su obra demanda.
Sumen a lo anterior el lamentable estado de conservación en el que se encuentra la obra de Salgado (montones de piezas están dañadas, incompletas o se han perdido para siempre): a su primera sinfonía le falta el finale, el cual existe sólo en una versión revisada y simplificada que fue reciclada de una muy posterior Sinfonía de Ritmos Vernaculares; la versión original de su quinta sinfonía se ha perdido para siempre y tuvo que ser reorquestada a partir de una reducción para piano; su sexta sinfonía está en un estado deplorable, muy sucia y casi ilegible; la versión original de su novena sinfonía también ha desaparecido; de su concierto para violín sólo queda la parte solista; de su concierto para viola no hay el menor rastro y…
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con estas sinfonías…
