Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Fue un estudiante, amigo de toda la vida y (posible) amante de Tchaikovski, de quien llegó a estrenar varias de sus obras.
Al principio tuvo una relación tensa con los Cinco, descalificándolos sarcásticamente (y el sentimiento era mutuo), aunque con los años su opinión sobre ellos se suavizó y llegó a respetarlos (excepto a Músorgski, por alguna razón) y hasta a trabar amistad con Rimski-Kórsakov. El compositor del Capricho español y La Gran Pascua Rusa, por su parte, cuando su estudiante, Stravinski, le manifestó que deseaba componer una sinfonía, le recomendó que estudiara la de Tanéyev.
En vida fue famoso más que nada como pianista virtuoso y profesor de composición, su lista de estudiantes incluye a Skriabin (quien rápidamente se distanció de la influencia de su maestro, aunque ambos compositores seguirían siendo amigos), Rajmáninov y Médtner (cuyos estilos eran fuertemente deudores del de Tanéyev). También escribió un masivo tratado en dos volúmenes sobre el contrapunto.
Durante sus viajes a Europa occidental en 1876 y 1877 conoció a Zola, Flaubert, César Franck y Saint-Saëns, entre otros.
Fue poco prolífico, publicando sólo 36 números de opus en vida, aunque dejó muchas más obras inéditas y un número inacabadas. Como su maestro, Tchaikovski, y a diferencia de los Cinco, Tanéyev buscó un sonido cosmopolita en lugar de inspirarse en la música folclórica rusa. Sin embargo, a diferencia de Tchaikovski, quien valoraba la espontaneidad, Tanéyev pensaba que la creación musical debía ser deliberada e intelectual. Al principio de su carrera, sus principales influencias, aparte de su maestro y César Franck, fueron alemanas, lo cual llevó a que durante la era soviética fuese apodado “el Brahms ruso”, aunque él deseaba ser conocido como “el Bach ruso” (no le faltaba ambición al tipo, ¿no?). Estas incluyen a los ya mencionados Bach y Brahms, además de Haydn, Mozart, Beethoven y Schumann. Más tarde, incluyó una fuerte influencia de Palestrina y la escuela flamenca del Renacimiento (Ockeghem, Josquin, Lassus…), siendo uno de los primeros compositores en revivir el estudio de los compositores prebarrocos.
Sus composiciones incluyen…
música orquestal: cuatro sinfonías (sólo la cuarta fue publicada en vida y la segunda está inacabada), una suite concertante para violín y un concierto para piano, entre otras;
música de cámara: nueve cuartetos de cuerdas completos (más dos inacabados), un quinteto con piano, dos quintetos de cuerdas, entre otras;
música para piano solo, incluyendo un Preludio y Fuga en sol bemol menor;
la pieza para órgano Coral con variaciones;
música vocal y coral.
Pero Tanéyev consideraba que su obra maestra era su ópera Oresteya, inspirada en la trilogía La Orestiada de Esquilo. Esta ha generado opiniones encontradas: por un lado, la belleza de la música sorprendió hasta a sus detractores y rivales; por el otro, ha sido criticada porque, por muy bello que sea el sonido, este asfixia el drama y no le permite desarrollarse naturalmente… aunque Tanéyev más tarde compuso una obertura inspirada en temas de la ópera.
Pero Tanéyev también tuvo un lado humorístico, pues entre sus obras inéditas había varias parodias, incluyendo sus “Cuartetos de Oficiales del Gobierno”, coros humorísticos, fugas y variaciones cómicas, sinfonías de juguetes, un ballet paródico con motivo del cumpleaños de Tchaikovski con un escenario absurdo y un popurrí contrapuntístico con temas de las obras de Tchaikovski.
También estudió, para relajarse, ciencia natural y social, historia, matemáticas y las filosofías de Platón y Spinoza. Además, fue un gran entusiasta del ajedrez y el esperanto.
¿Por qué no es más famoso?: Porque Tanéyev era un “compositor para compositores”. Cuando un artista es descrito como un “X para X” eso significa que su principal objetivo cuando crea una obra es que esta represente sus opiniones acerca de lo que el Arte es y debería ser. Esto puede ganarte la admiración de tus colegas, pero para el gran público con frecuencia le parecerá que tus obras son insufriblemente aburridas y pretenciosas, como es el caso. Añádase a esto el hecho que Tanéyev publicó tan pocas obras y que por su secretismo e inseguridades tardara años en publicar su primer número de opus.
No obstante, parece que su cuarta sinfonía tiene un puesto firme en el repertorio ruso y hay muchas grabaciones de sus mejores piezas, por mucho que su nombre sea poco conocido por el gran público.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta selección de sus obras más famosas…
¿Quién es?: Fue un niño prodigio que a la edad de ocho años ya tocaba el piano en público y creció para convertirse en un pianista famoso internacionalmente y elogiado por Antón Rubinstein y Franz Liszt.
A veces llamado “el Brahms italiano”, Martucci fue uno de tres compositores italianos conocidos colectivamente como “Il ponte” (“El puente”), los otros dos siendo los ligeramente más famosos Giovanni Sgambati (1841 – 1914) y Antonio Bazzini (1818 – 1897), que estaban decididos a terminar con la predominancia de la ópera en la vida musical italiana; así pues, Martucci fue uno de los poquísimos músicos italianos de su generación que no firmaron una sola ópera. Como director de orquesta y profesor, fue uno de los principales responsables de hacer que los italianos se interesaran en otros géneros aparte de la ópera y de introducir en Italia las óperas de Wagner, primero, y la música de Beethoven, Schumann, Brahms, Liszt, César Franck y un largo etcétera, después. También fue uno de los responsables de introducir en la Europa continental la música de los compositores de las Islas Británicas y uno de los primeros en ponerse a revivir la música del Renacimiento.
Como compositor, firmó unas cien obras de música orquestal, de cámara, para piano, para órgano, vocal y coral en un estilo fuertemente influenciado por Brahms, Wagner y Schumann.
¿Por qué no es más famoso?: Sí fue famoso, aunque no como compositor.
En parte, se debió a que perteneció a la generación de compositores italianos posterior a Verdi y anterior a Puccini. Pero, si me preguntan, la principal razón fue que…
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: …simplemente no era un compositor tan bueno. No me malinterpreten: no estoy diciendo que fuese malo, pero tampoco me parece tan interesante. Es cierto que Toscanini fue un gran defensor de la música de Martucci, pero muchos críticos afirmaban (y estoy de acuerdo con ellos) que esto se debía más a un sentido del deber con el que fue su maestro y amigo; aunque debo señalar, también, que parece que en Italia su obra sigue escuchándose de cuando en cuando. Decidí poner sus sinfonías porque están entre sus piezas que tienen menos defectos.
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Fue hijo de un próspero empresario de obras públicas y recibió la mejor educación que el dinero podía pagar. Tuvo un preceptor particular, Brethous-Lafargue, un hombre de mundo amante de las disciplinas artísticas, quien lo llevó a conciertos y exposiciones y lo introdujo, hacia 1871, en los salones parisinos. En estos conoció a personalidades de la época como los pintores Henri Fantin-Latour, Odilon Redon y Paul Chenavard, al abad Lacaria y al músico Vincent d’Indy.
En octubre de 1875, para satisfacer a su padre, ingresó en la facultad de derecho y llegó a convertirse en abogado de la corte de apelaciones, aunque nunca hizo el curso de prácticas y sentía de muy poco a ningún interés en la profesión.
Coqueteó con la escritura y el dibujo antes de decidirse por la música. Su obra se divide en tres etapas bien diferenciadas. La primera está fuertemente influenciada por Jules Massenet (en 1879 se matriculó en las clases de composición que Massenet impartía en el Conservatorio de París); la segunda está fuertemente influenciada por César Franck (su segundo profesor de música y ambos músicos serían amigos hasta la muerte de Franck en 1890), Richard Wagner (llegó a ir varias veces al Festival de Bayreuth y estuvo presente en el estreno de Parsifal) y, en mucho menor medida, por Johannes Brahms; y la tercera está fuertemente influenciada por sus lecturas de los simbolistas y autores rusos como Tolstoi, Dostoievski y Turguenev, la cual lo convierte en una suerte de eslabón perdido entre el romanticismo tardío de Jules Massenet y César Franck y el impresionismo de Claude Debussy (fue amigo personal de Debussy, aunque terminó su amistad con él cinco años antes de su muerte porque lo escandalizaba la promiscuidad sexual del compositor de Pelléas et Mélisande; no obstante, Debussy siguió admirando la música de Chausson).
Su música mezcla un misticismo muy deudor de César Franck con un erotismo y un sentido de la decadencia y la desesperación (lo que Baudelaire habría llamado “spleen”) muy deudores de los simbolistas. Fue poco prolífico: no llegó a firmar ni 70 obras y, de estas, sólo 39 tienen números de opus. Esto se debió a una serie de razones. En primer lugar, él entró en este medio con un bagaje musical muy pobre, lo que significa que tuvo que aprender a lo largo de su vida adulta cosas que otros compositores ya sabían antes de entrar en el conservatorio. En segundo lugar, porque era un perfeccionista obsesivo. Y, en tercer lugar, porque era un hombre tremendamente inseguro de sus capacidades artísticas. Esto parece haber sido, en parte, resultado de algún trauma que sus biógrafos no han podido descubrir, pero también tiene causas más identificables, como el que fuese parte de una generación de músicos que se preguntó cómo era posible componer algo, cualquier cosa, después que Wagner escribiera su Ciclo del Anillo y que le temiese a los críticos que lo acusaban de ser un diletante ricachón que creía que podía componer como Franck y Wagner.
Convirtió su casa en un salón donde recibió a muchas de las grandes personalidades artísticas del París de la época: aparte de los ya mencionados, conoció a los músicos Duparc, Fauré, Bréville, Ysaye y Albéniz; a los poetas Mallarmé y Régnier; al escritor ruso Turguenev; y a los pintores Monet y Chavanne. También amasó una importante colección de pinturas impresionistas y una excelente biblioteca (en particular, era un gran fan de Shakespeare).
Murió prematuramente a la edad de 44 debido a un desgraciado accidente de bicicleta en el que, tras perder el control mientras bajaba por una colina, chocó contra el muro de cierre de una propiedad suya, rompiéndose el cráneo. En esa época estaba en vías de alcanzar su madurez musical, lo cual hace que uno se pregunte que más habría logrado.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Unas pocas de sus obras han ganado cierto nivel de fama y popularidad, como su Poème de l’amour et de la mer (1882-90)…
…su Concert para violín, piano y cuarteto de cuerdas (1889-91):
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Alemán de ascendencia judeopolaca, desde una edad muy tierna demostró talento, comenzando su educación musical en casa. Continuó su formación en el Conservatorio de Dresde y después en el Conservatorio Julius Stern de Berlín, donde estudió piano con Eduard Franck y composición con Friedrich Kiel, y más tarde en la Neue Akademie der Tonkunst de Theodor Kullak, donde estudió composición con Richard Wüerst y orquestación con Heinrich Dorn y eventualmente también se convertiría en uno de sus profesores. Allí también forjó una cercana amistad de toda la vida con los hermanos Scharwenka.
Pronto Moszkowski ganó fama y fortuna como compositor, pianista virtuoso, director de orquesta y profesor con una larga lista de estudiantes notables. Hasta Liszt se supone que lo tenía en alta estima. También fue un violinista más que competente.
Se casó con Henriette Chaminade (hermana menor de Cécile Chaminade) en 1884, con quien tendría un hijo y una hija y que lo dejaría tres años después por el poeta Ludwig Fulda. A mediados de la década de 1880 empezó a padecer de un problema neurológico en el brazo que eventualmente terminó con su carrera como pianista, lo que lo llevó a concentrarse en sus otras facetas profesionales. En 1897, famoso y rico, se mudó a París junto a sus hijos.
Paderewski dijo: “después de Chopin, Moszkowski comprende mejor como escribir para el piano y su escritura abraza la gama entera de la técnica del piano”. Se lenguaje musical era conservador pero melódico, extrovertido y optimista, muy deudor de Chopin y Schumann (aunque estaba abierto a otras influencias). Fue bastante prolífico, con más de 200 piezas para piano solo, además de óperas, ballets, dos conciertos para piano (uno de los cuales sólo sería redescubierto hasta 2011), un concierto para violín, tres suites orquestales, el monumental poema sinfónico Jeanne d’Arc, otras piezas orquestales, música de cámara, de órgano y canciones.
¿Qué salió mal?: Los problemas comenzaron en 1906, con la muerte de su hija, entonces de 17 años, lo cual fue un duro golpe. Para 1908, ya se había convertido en un recluso y su salud comenzó a deteriorarse. Con los cambios en los gustos musicales, su popularidad y reputación empezaron a caer picada (no ayudó que un montón de sus piezas para piano perteneciesen al género de la música de salón) y su productividad disminuyó dramáticamente por la falta de ambición y entusiasmo. Dejó de aceptar estudiantes de composición porque “quieren escribir como locos artísticos tales como Skriabin, Schönberg, Debussy, Satie…”
Sus últimos años los pasó en la pobreza por haber vendido los derechos de su obra e invertido el dinero en bonos y acciones alemanas, polacas y rusas que quedaron sin valor tras la Primera Guerra Mundial.
En diciembre de 1924, enfermo y fuertemente endeudado, sus amigos y admiradores vinieron en su ayuda, organizando un gran concierto conmemorativo en su honor en el Carnegie Hall, el cual involucró 15 grandes pianos en el escenario. Ossip Gabrilowitsch, Percy Grainger, Josef Lhévinne, Elly Ney, Wilhelm Backhaus y Harold Bauer estuvieron entre los pianistas y Frank Damrosch dirigió. El concierto fue todo un éxito y recaudó sumas importantes que se suponía ayudarían a cancelar sus deudas y mantenerlo de por vida, pero Moszkowski murió en marzo de 1935 de cáncer de estómago antes de llegar a ver un centavo.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Para ser honesto, a Moszkowski le ha ido muchísimo mejor que al promedio en la sección “Glorias olvidadas”. Nunca han faltado los pianistas virtuosos que incluyeran en su repertorio al menos alguno de sus Études de Virtuosité (1903)…
…los cuales, también, siguen siendo piezas didácticas muy populares en muchos lugares del mundo; sus miniaturas, como sus “Étincelles” (“chispas”; parte de sus Huit Morceaux Caractéristiques de 1886)…
…son muy populares como piezas de relleno en recitales de piano. Sus Danzas españolas, en la versión orquestada por Philipp Scharwenka y Valentin Frank entre 1879 y 1884 (la original es para piano a cuatro manos y fue publicada en 1876)…
…nunca desaparecieron del todo del repertorio y, desde hace unos años, su Concierto para piano en mi mayor (1897)…
…ha recuperado cierta fama. No obstante, la reputación de Moszkowski sigue esperando una rehabilitación en toda la regla.
Para más de su música para piano, escuchen:
Y, si quieren escuchar algo que no es para su instrumento:
Tuvo una carrera exitosa como pianista virtuoso hasta que le diagnosticaron tuberculosis. Tras descubrir eso, se dedicó a dar clases de música en el Real Conservatorio de Bruselas, muriendo dos años después, a la edad de 31.
Su producción está compuesta en su inmensa mayoría por piezas para piano solo (todas o piezas de salón o piezas didácticas a las cuales, a pesar de eso, no les falta encanto), más un puñado de canciones y una única obra de cámara. Su estilo es fuertemente deudor de Liszt y Chopin, aunque también incluye influencias de Mendelssohn, Schumann y Brahms. Tras convertirse en profesor de música, su lenguaje musical se fue haciendo más avanzado hasta llegar a su obra cumbre, su quinteto con piano, el cual insinúa que, de haber vivido más tiempo, habría llegado a alturas más elevadas.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pues con la joyita que acabo de mencionar…
Categorías a las que pertenecen: Glorias olvidadas.
¿Quiénes fueron?
Este es uno de los muchos nombres (y, en mi opinión, el que suena mejor cuando se traduce al español) con los que se conoce a la generación de compositores estadounidenses que, durante la segunda mitad del siglo XIX y primeros años del siglo XX, pusieron a su país en el mapa musical internacional[1] y fueron los primeros en esa nación en dedicarse en serio a los géneros mayores.
Aunque fueron muchos los músicos activos durante esta era, convencionalmente se considera que los más importantes de todos estos fueron un grupo conocido como “los Seis de Boston”[2]. Antes de continuar, hay que señalar que no eran como “Les Six”; algunos de ellos se conocieron personalmente y frecuentaron los mismos círculos sociales, pero no conformaron un círculo estrecho de amigos y colaboradores y ellos no se hacían llamar así, este nombre se los pusieron[3].
De estos seis sólo voy a presentarles a cuatro[4]. Empezaré con…
Las Glorias: George Whitefield Chadwick (1854 – 1931)…
Nació en una familia donde uno era animado a recibir clases de música, la cual era vista como un pasatiempo noble pero no como una profesión. Desertó de la secundaria para ayudar brevemente en el negocio de seguros de su padre. Esto le permitió viajar a Boston y otras ciudades, donde asistió a conciertos y otros eventos culturales que pudieron haberlo animado a seguir una carrera en las artes.
Entró en el Conservatorio de Nueva Inglaterra (algo que no le gustó a su padre) como un “estudiante especial”, lo que significa que podía estudiar en la facultad sin tener que satisfacer sus rigorosos requisitos de entrada. No obstante, abordó sus estudios con seriedad y aprovechó todo lo que el conservatorio tenía para ofrecer. Eventualmente, progresó hasta convertirse en un estimado profesor y administrador musical en la escena norteamericana. También fue en esta etapa que empezó a mostrar interés en la composición.
En 1877, viajó a Alemania para continuar con sus estudios musicales, igual que muchos otros compositores de su generación. En Leipzig estudió con Carl Reinecke y Salomon Jadassohn y en Múnich con Josef Rheinberger.
A su regreso a Boston en 1880 empezó a establecer una carrera musical en EE.UU.: compuso, dio clases de música, fue organista y director de orquesta. Se convirtió en director del Conservatorio de Nueva Inglaterra y ayudó a elevar su estatura y reputación al incorporarle características que vio en los conservatorios alemanes.
Chadwick compuso en casi cada género musical de su época, incluyendo varias óperas, música incidental, música de cámara, vocal y coral, treinta piezas para piano y ocho piezas para órgano, aunque tenía una afinidad particular por la música orquestal (firmó, entre otras cosas, tres sinfonías). Sus primeras obras muestran la influencia de Beethoven, Mendelssohn, Schumann y Brahms, aunque eventualmente también metería en su música una fuerte influencia de la Nueva Escuela de Liszt y Wagner, Dvorák y los movimientos realista e impresionista. Hay críticos que afirman que también detectan las influencias de los compositores rusos.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta breve selección de su género favorito…
Ahora vamos a continuar con Amy Beach (apellido de soltera: Cheney; 1867 – 1944):
Esta fue una niña prodigio: con sólo un año de edad podía cantar 40 canciones con precisión, con dos años podía improvisar contramelodía y con tres años aprendió a leer de forma autodidacta. A la edad de cuatro, compuso tres valses para piano durante un verano en la granja de su abuelo a pesar de que allí no había piano; en su lugar, compuso las piezas mentalmente y las tocó al regresar a casa. También podía tocar música de memoria, incluyendo himnos de cuatro partes y tenía sinestesia (atribuía colores a la música, igual que Mozart, Liszt, Rimski-Kórsakov, Skriabin, Sibelius, Messiaen y Ligeti). Su concentración a la hora de escuchar música era extraordinaria y pasaba horas escuchando a su madre tocar el piano o cantar. Su familia tuvo problemas para seguirle el ritmo a sus intereses y demandas musicales. Su madre (quien supuestamente era una estupenda pianista y cantante) tocaba y cantaba para ella, pero intentó evitar que la niña tocara el piano ella misma, creyendo que satisfacer sus deseos en este aspecto afectaría la autoridad paternal y que iniciarse en el piano tan pronto podría causar rechazo en el futuro; la niña se limitó a aprender melodías y cantarlas acompañándose de un teclado imaginario. Amy a menudo contralaba la música que se tocaba en casa, enojándose si no cumplía con sus estándares. La niña comenzó lecciones de piano formales con su madre a la edad de seis y pronto dio recitales públicos de obras de Händel, Beethoven y Chopin, así como de sus propias piezas. Cuando su madre quería castigarla, le prohibía acceso al instrumento o tocaba una pieza de un modo menor, lo que la ponía muy triste. En 1881 y 1882, entonces con 14 años, estudió armonía y contrapunto con Junius W. Hill; estas serían sus únicas clases formales como compositora; sin embargo, ella se conseguía cada libro acerca de teoría, composición y orquestación sobre el que pudiese poner sus manos, llegando a traducir tratados en francés de Gevaert y Berlioz sobre composición, considerados “biblias” por muchos compositores, al inglés ella sola.
Crecería para convertirse en la primera compositora estadounidense en componer con éxito en los géneros mayores, firmó la Sinfonía “Gaélica” (la primera sinfonía compuesta por una mujer en las Américas) y fue una de los compositores estadounidenses más exitosos y aclamados de su era (aunque siempre se vio a sí misma más como una pianista, área en la que también fue aclamada tanto en Norteamérica como en Europa, entre las cuales viajó con frecuencia).
Su estilo musical era extremadamente deudor de Brahms, aunque también se detectan influencias de Liszt, Wagner y Debussy y, con el paso de los años, sin abandonar su romanticismo muy conservador, experimentó con la escala de tonos enteros, así como con armonías y técnicas más exóticas y la incorporación de las músicas folclóricas de diversas culturas (indias norteamericanas, afroamericanas, balcánicas, etcétera). De las más de 300 composiciones que publicó en vida, abarcando casi cada género, la inmensa mayoría pertenece al género de la canción; el resto lo conforman una ópera, obras orquestales, de cámara, para piano y corales.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para piano (1899; dedicado a Teresa Carreño)…
…su quinteto para piano en fa bemol menor (1907):
…su sonata en la menor para violín y piano (1899):
…su cuarteto de cuerdas (1929):
…su trío para piano en la menor (1938):
…su Tema y Variaciones para flauta y cuarteto de cuerdas (1916):
…y sus Variaciones sobre Temas Balcánicos (1904):
Y le toca el turno a Edward MacDowell (1860 – 1908):
Recibió sus primeras lecciones de piano de Juan Buitrago, un violinista colombiano que vivía con su familia en la época; más tarde, también recibió clases de música con los amigos de Buitrago, incluyendo al pianista cubano Pablo Desverine y la pianista y compositora venezolana Teresa Carreño (así inició una amistad de toda la vida entre ambos músicos: Carreño promovería la música de MacDowell y MacDowell le dedicaría sus piezas a ella). En 1877 fue admitido en el Conservatorio de París tras ganar una beca competitiva para estudiantes internacionales. Tras dos años de estudios con Antoine François Marmontel y ser el primero de la clase, continuó su formación en el Conservatorio del Dr. Hoch en Frankfurt, Alemania, donde estudió piano con Carl Heymann y composición con Joachim Raff. Tras graduarse, permaneció unos años en Alemania componiendo, interpretando y dando clases de música, antes de volver a Estados Unidos.
Tras unos años de carrera en Estados Unidos (muchos consideran que, brevemente, fue el compositor estadounidense más popular del mundo), su salud, tanto física como mental, repentina y rápidamente se deterioró (hay varias hipótesis acerca de la causa de esto) y murió prematuramente a la edad de 48 años.
Compuso principalmente piezas para piano solo y canciones, así como unas cuantas obras orquestales, en un estilo influenciado por Schumann, Brahms, Grieg y Saint-Saëns. Y él también tiene algo de “Pasto de historia alternativa”, pues muchos críticos sienten que su música seguía desarrollándose y progresando antes que su carrera fuese interrumpida por la enfermedad y la muerte prematura.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con aquellas obras donde nos mostró su mejor cara… su segundo concierto para piano (1890)…
…y estas tres suites para piano:
Y, por último, pero no menos importante, tenemos a Horatio Parker (1863 – 1919):
Un estudiante del ya mencionado George Whitefield Chadwick, su primer puesto profesional fue tocar el órgano en la Iglesia Episcopal de San Pablo en Dedham, Massachusetts. Completó su formación en Múnich con Rheinberger, donde también firmó sus primeras obras importantes, incluyendo una sinfonía y una cantata dramática. Impresionó tanto a su profesor que este lo escogió para que estrenara su primer concierto para órgano. A su regreso a Estados Unidos, desempeñó diversos cargos importantes como organista, profesor de música y director de organizaciones musicales.
Componía en un estilo conservador muy deudor de Mendelssohn, Brahms y Wagner; no obstante, después del año 1900, su música empezó a incluir algunas influencias de Elgar y Debussy. Firmó unas 200 obras: el género donde fue más prolífico y donde obtenía sus mejores resultados (como era de esperarse de un discípulo de Rheinberger) fue en el de la música sacra, tanto coral como para órgano; sin embargo, también produjo obras en casi cada género de su época, incluyendo dos óperas, música incidental, música orquestal, música de cámara, música para piano, música secular para órgano y para coro y música vocal.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta pequeña muestra…
¿Qué salió mal?: En primer lugar, con la entrada en escena de los movimientos musicales del siglo XX, así como del jazz y la música popular tal y como la conocemos, esta generación entera de músicos quedó totalmente eclipsada.
Y, en segundo lugar, la siguiente generación de compositores estadounidenses siempre se refirió a la generación anterior con displicencia cuando no lo hacía con abierta hostilidad. Charles Ives, considerado el padre de la escuela nacional estadounidense, fue estudiante de Parker y siempre afirmó que le debía más de su formación musical a su propio padre que a su profesor. Una de las quejas más frecuentes que los compositores del siglo XX arrojaban a los Clasicistas era que su sonido era demasiado “europeo” y “alemán”… lo cual no es justo, considerando que no sólo la inmensa mayoría de los intérpretes de música clásica en Estados Unidos eran inmigrantes alemanes y de otros países de Europa central, sino que también eran de esa procedencia profesores de música, editores, periodistas musicales y un largo etcétera, y muchos de estos compositores iban a Alemania a recibir toda su formación o, por lo menos, completar sus estudios.
Con el ascenso de la generación de Ives, la música de los Clasicistas de Nueva Inglaterra cayó en el olvido más absoluto, aunque hay gente que siente que ellos influenciaron a los compositores estadounidenses del siglo XX que componían en un estilo conservador y neorromántico (como Howard Hanson). Los “Seis de Boston” tuvieron que esperar hasta la década de 1990 para que su música y su legado fuesen rescatados de la oscuridad y reevaluados.
Notas:
[1] Por muy famoso y exitoso que fuese Louis Moreau Gottschalk, fue él quien tuvo una reputación musical y no Estados Unidos.
[2] No tienen nada que ver con la que es a veces llamada “la Escuela de Boston”, la cual incluyó a compositores como Leonard Bernstein y Aaron Copland.
[3] Por mucho que montones de artículos en internet quieran convencernos de lo contrario.
[4] El primero de los compositores que no va a formar parte de este especial es John Knowles Paine (1839 – 1906):
…considerado el padre de la tradición sinfónica estadounidense, fue uno de los principales responsables de los avances en la escena musical de esa nación, mientras que sus cursos pioneros en apreciación y teoría musicales conformaron el plan de estudios del Departamento de Música de Harvard; el cual, a su vez, fue el modelo que siguieron otros Departamentos de Música de la Unión Americana…
…pero, a pesar de todo lo anterior, en la música en sí, en mi opinión personal, los defectos pesan tanto como las virtudes y él, en resumen, tiene mucho más interés histórico que artístico.
El otro es Arthur Foote (1853 – 1937):
…un estudiante de Paine y el primer compositor importante enteramente formado en Estados Unidos…
…pero, para mi gusto, un músico demasiado conservador y desigual. Aunque debo reconocer que, cuando acertaba, acertaba, como demuestra su música de cámara (el género donde obtenía sus mejores resultados):
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, Celebridades locales.
La Gloria: En su época fue una de las virtuosas del piano más importantes del mundo (recibiendo apodos como “Liszt en enaguas”, “la Emperatriz del piano” y “la Valquiria del piano”) y algunas de sus piezas llegaron a ser muy populares.
Bautizada con el superelegante nombre de María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García de Sena, fue la tercera de los cinco hijos de Manuel Antonio Carreño (un funcionario público de una familia con tradición musical) y Clorinda García de Sena y Rodríguez (prima de María Teresa Rodríguez del Toro y Alayza, esposa del Libertador Bolívar, en cuyo honor fue nombrada nuestra pianista). Su padre fue su primer profesor de música y supervisó su carrera hasta su muerte en 1874; a la edad de cinco años la hacía practicar más de 500 ejercicios compuestos por él mismo y que se paseaban por las dificultades rítmicas y técnicas más importantes… y aun así no pudo seguirle el ritmo al rápido progreso de su hija. Antes de dejar Caracas también estudió con el músico alemán Julio Hohené.
A la edad de ocho años su familia se mudó a Nueva York, en parte por la difícil situación política y económica de la Venezuela de la época, en parte para que la pequeña Teresa pudiese perseguir una carrera musical, donde prosiguió sus estudios con Regina Watson y Louis Moreau Gottschalk y ese mismo año hizo su debut en el Irving Hall. Debido a su ajetreada agenda, las lecciones de Gottschalk fueron pocas y breves; no obstante, estas tuvieron un profundo impacto en la niña, quien toda la vida sentiría gran respeto y admiración por el pianista, y él la promovió como artista.
Desde su debut y hasta poco antes de su muerte viviría en giras de conciertos casi constantes, presentándose en innúmeras ciudades por todo Estados Unidos y Europa, además de en Canadá, Cuba, Sudáfrica, Australia y Nueva Zelanda. También trabajó brevemente como cantante de ópera, interpretando a la Reina en Les Huguenots de Meyerbeer y Zerlina en Don Giovanni de Mozart.
Actuaría dos veces en la Casa Blanca: la primera, al poco de comenzar su carrera, para el presidente Abraham Lincoln, y la segunda, poco antes de su muerte, para el presidente Woodrow Wilson.
Tras su niñez, sólo volvió a Venezuela en dos ocasiones, estadías de un año cada una, con proyectos para la cultura musical venezolana extremadamente ambiciosos pero que terminaron en sonados fracasos. De modo que, en su vida, sólo pasó diez años en su país natal. Sin embargo, hasta el final de sus días, fue venezolana en sus costumbres y gustos domésticos, muchos rasgos de su temperamento y hasta en ciertos toques de su inspiración como compositora.
Además de Gottschalk, también conoció a Rossini (quien le dio clases de canto), a Georges Mathias (un discípulo de Chopin que pudo haberle dado unas pocas lecciones), Gounod, Saint-Saëns, Berlioz, Liszt (quien le dijo: “tienes un regalo enviado por Dios: Genio. Trabaja duro, desarrolla tu talento, sé fiel a ti misma y con el tiempo serás una de nosotros” y ofreció, sin éxito, enseñarle en Roma), Rubinstein (quien insistió en darle lecciones y después siguió teniéndola en gran consideración, llamándola “Mi Sol” y “Bebé”), Brahms (quien le dijo “no eres una dama pianista, eres un HOMBRE pianista”), Debussy, Ravel y Vivier. Actuó bajo la batuta de muchos directores preeminentes, incluyendo a Edvard Grieg (de quien frecuentemente tocaba sus obras), Gustav Mahler, Theodore Thomas, Wilhelm Gericke, Hans von Bülow y Henry Wood. Aparte del ya mencionado Grieg, su repertorio lo conformaban las obras de Chopin, Liszt, Tchaikovski, MacDowell, Schumann, Rubinstein, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Weber y ocasionalmente las suyas propias.
Paderewski fue uno de los que llevó su ataúd en su funeral.
Compuso unas 75 obras: de cámara, para piano solo, para voz y piano, para coro y orquesta y varios merengues. Sus primeras composiciones (en manuscrito) datan de alrededor de 1860 y firmó la mayoría antes de cumplir 20 años.
También fue una notable y muy solicitada profesora de piano.
El único lugar donde su nombre no cayó del todo en el olvido fue en su natal Venezuela, donde reciben su nombre el Teatro Teresa Carreño, que alberga, entre otras cosas, un archivo con parte de los papeles de la pianista y la Orquesta Sinfónica de Venezuela, una plaza en el parque El Calvario, dos calles, un colegio y una orquesta sinfónica juvenil. También hay un cráter en Venus nombrado por ella.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pues escuchando todo esto…
Categorías a las que pertenece: One-hit-wonders que hicieron mucho más, Glorias olvidadas.
¿Por qué piezas es famoso?: Por La verbena de la Paloma (1894)…
…la más internacional de todas las zarzuelas, probablemente la zarzuela más popular de todas y considerada por muchos la mejor zarzuela alguna vez escrita.
¿Por qué no tuvo más éxitos?: Antes que nada, la razón por la que no incluí al salamantino Tomás Bretón y Hernández en mi especial de la zarzuela es porque, en primer lugar, por mucho que La verbena de la Paloma sea todas las cosas que escribí arriba, su carrera como zarzuelero fue mucho menos insigne que la de otros compositores, no consiguiendo nunca una serie de éxitos consistente, y, en segundo lugar, como en el caso de Miguel Marqués, porque la zarzuela era un interés secundario para Bretón (por mucho que firmara unas 50); su verdadera obsesión fue crear una ópera nacional española, llegando a firmar nueve óperas (algunas de un solo acto) con este fin.
Fue estudiante de Emilio Arrieta, al igual que Ruperto Chapí. Muchas fuentes en internet afirman que Bretón y Chapí fueron rivales, aunque he descubierto que también colaboraron en unas pocas piezas, así que no sé qué tanta verdad haya en esa afirmación.
Además de su obra para los escenarios, también firmó piezas orquestales, de cámara, corales y canciones. Aparte de componer, Bretón tuvo una carrera ilustre como director del Conservatorio de Madrid y director de orquesta, intentando modernizar la música española y fundando sociedades musicales.
A pesar de que en vida fue un músico famoso y respetado que se anotó varios éxitos importantes, Bretón nunca consiguió una serie de éxitos consistente. Esto se debió, en parte, a cosas como que tuviese problemas para estrenar sus óperas (debido a la desidia de los españoles hacia ese género) o que sus obras orquestales no estuviesen muy difundidas (debido a que, en su época, España no tenía una tradición orquestal muy desarrollada). Tras su muerte, su música, con la excepción de La verbena de la Paloma, cayó en el olvido casi de inmediato.
¿Qué más hay para escuchar?: Prueben En la Alhambra (1887)…
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Le Beau fue la primera compositora que un montón de compositores y críticos musicales de su era respetaron (considerada por muchos de estos últimos como la primera mujer en componer obras corales y orquestales en gran escala… lo cual no es cierto y sólo necesitan darse un paseo por este blog para darse cuenta de eso) y sus obras llegaron a estrenarse en lugares como Estambul, Calcuta y Sídney. Aunque se veía más que nada como una compositora, también tuvo una larga carrera como profesora de música, crítica y pianista. Además, llegó a conocer a varias de las celebridades musicales de su era, como Bülow, Liszt, Hanslick, Hermann Levi y Brahms.
Bautizada como Luise Caroline Marie Henriette Adolpha Le Beau, fue la hija única de un oficial militar, quien además era músico aficionado y fue su primer profesor de música desde la edad de cinco. Le Beau compuso su primera pieza a la edad de ocho y ella misma afirmaba que podía cantar melodías antes de comenzar a hablar. Entre sus muchos instructores se encuentran Kalliwoda, Franz Lachner y Clara Schumann, quien sólo lo fue brevemente por razones personales sin aclarar, aunque se supone que pudo tener que ver el que Le Beau fuese simpatizante de Liszt (algo que se dice que la Schumann no aprobaba), aunque su principal profesor fue Rheinberger, con quien eventualmente rompería relaciones por diferencias personales y artísticas.
A pesar de ser una de las compositoras más exitosas de su época, Le Beau, debido a su sexo, tuvo serios problemas para conseguir contactos y colaboradores, lograr que estrenaran sus obras y perdió muchos cargos potenciales (aunque también hubo otras razones, como el que se negara a criticar a Wagner).
Compuso más de cien obras, la mayoría de estas en los campos de la música para piano, música de cámara, música coral y lieder, junto con un puñado de piezas orquestales y dos óperas.
Se retiró de la composición en 1903.
¿Qué salió mal?: Pues lo usual…
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Cuarteto para piano, violín, viola y violonchelo en fa menor (alrededor de 1884)…
…su Sonata para piano y violín en do menor (alrededor de 1875):
Desde ya mismo voy a explicar porque no lo incluyo en una de las secciones principales: porque su obra pertenece al campo de la música popular, no al de la música clásica. Sin embargo, la historia de “Blind Tom” me parece tan interesante que no pude resistirme a incluirla en el blog.
La Gloria: Él bien pudo haber sido la primera superestrella musical negra en la historia de los Estados Unidos.
Wiggins nació como Thomas Greene en la plantación de Wiley Edward Jones en el condado de Harris, Georgia. Ciego de nacimiento y probablemente padeciendo alguna forma de autismo, fue vendido en 1850 junto con sus padres esclavos, Charity y Domingo “Mingo” Wiggins, y dos hermanos para pagar algunas deudas en las que su amo había incurrido a un abogado y antiabolicionista de Columbus, Georgia, el General James Neil Bethune, el primer editor de un periódico en el sur en abogar abiertamente por la secesión. Se había ganado el título de general en las guerras contra los indios (aunque vale la pena señalar que algunas fuentes afirman que, en realidad, sólo llegó hasta el rango de coronel e, incluso, sólo hasta el de teniente).
Como Tom era ciego, no podía realizar el trabajo que normalmente se les demandaba a los esclavos, por lo que se dejaba que jugara y explorara la plantación Bethune. Su ceguera y su autismo no fueron sus únicos problemas: a menudo era irascible y algunas noches sufría convulsiones. Desde una edad temprana, mostró interés en el piano tras escuchar a las hijas de Bethune tocar el instrumento. El General Bethune tenía siete hijos, todos interesados en la música: algunos cantaban mientras otros tocaban el piano y, durante sus sesiones de práctica, el joven Thomas venía y escuchaba en absorta atención. A la edad de dos, supuestamente recitaba canciones con una melodía perfecta después de escuchar al hijo de Bethune cantarlas una sola vez. A la edad de cuatro, supuestamente ya había adquirido algunas habilidades con el piano sólo por escucharlo y ganó acceso al instrumento. A la edad de cinco, supuestamente compuso su primera melodía, “The Rain Storm”, después de una tormenta torrencial sobre un techo de hojalata. Con sus talentos reconocidos por el General Bethune, a Tom se le permitió vivir en un cuarto anexo a la casa familiar equipado con un piano. Se supone que, en esta etapa, él tocaba el piano por hasta doce horas consecutivas, no se sabe si por voluntad propia u obligado por sus amos.
Desde su más tierna infancia, Tom comenzó a imitar los sonidos a su alrededor, repitiendo con precisión el cacareo de un gallo o el canto de un pájaro. Si era dejado solo en la cabaña, Tom comenzaba a golpear ollas y sartenes o arrastrar sillas a través del piso en un intento por hacer cualquier clase de ruido. A la edad de cuatro, Tom era capaz de repetir conversaciones de hasta diez minutos, pero apenas era capaz de comunicarse adecuadamente por su propia cuenta, recurriendo a gruñidos y gestos. El General Bethune le dijo a Charity que su hijo tenía tanta inteligencia como el perro de la familia y comenzó a enseñarle a Tom a responder a órdenes como “sentado” y “de pie”. Miembros de la familia Bethune se deleitaban enseñándole a la mascota de la familia los nombres de los objetos que podía sentir y oler.
Bethune hizo que Thomas recibiera lecciones de piano formales, pero no pasó mucho antes que las habilidades del estudiante excedieran a las del profesor, así que, por recomendación de este, contrató músicos profesionales para que tocaran para Tom, quien podía reproducir con fidelidad sus actuaciones, a menudo después de escucharlas una sola vez. Uno de ellos después reportó que Tom podía aprender en unas pocas horas habilidades que otros músicos necesitaban años para perfeccionar. Se supone que eventualmente aprendió más de siete mil piezas de música, incluyendo himnos, canciones populares, valses y el repertorio clásico (que comprendía muchas de las piezas más desafiantes de Bach, Chopin, Liszt, Mendelssohn, Beethoven, Thalberg y otros maestros europeos).
El General pronto pasó de usar a Tom para entretener a su familia e invitados a usarlo para hacer dinero. Hay reportes históricos contradictorios sobre la primera actuación pública de Tom, algunos afirmando que fue a la edad de tres. Sea cuando haya sido, las reacciones de los críticos y el público fueron favorables, causando que el General Bethune emprendiera una gira de conciertos con Tom por su estado natal de Georgia. Bethune alquiló a “Blind Tom” desde la edad de ocho al plantador de tabaco convertido en promotor de conciertos Perry Oliver (el primero de los muchos managers contratados por Bethune), quien lo hizo dar giras extensamente por los Estados Unidos, actuando hasta cuatro veces al día y ganando para Oliver y Bethune hasta cien mil dólares al año, equivalentes a 1.5 millones de dólares al año en dinero de 2004, convirtiendo a Tom en el pianista del siglo XIX que más dinero recaudó. Se estima que la familia del General Bethune eventualmente hizo una fortuna estimada de 750,000 dólares gracias a Tom. Por su parte, en la cúspide de su carrera profesional, Wiggins recibía 20 dólares al mes, además de cama y tres comidas al día; su familia recibió un modesto hogar y 500 dólares al año, al menos hasta que Eliza Stutzbach entró en escena (sigan leyendo).
Oliver promocionaba a Tom como un fenómeno al estilo de P.T. Barnum que se transformaba de animal en artista. En los medios, Tom era con frecuencia comparado con un oso, un babuino o un mastín. Pero sus viajes y contratos fueron a veces frustrados por las hostilidades norte-sur que estaban llevando a la nación hacia la Guerra Civil. En 1860, Blind Tom actuó en la Casa Blanca ante el Presidente James Buchanan; el primer afroamericano en hacer esto. Mark Twain asistió a muchas de las actuaciones de Blind Tom a través de varias décadas y dejó descripciones de estas.
Dentro y fuera del escenario, Tom a menudo se refería a sí mismo en tercera persona (ejemplo: “a Tom le complace conocerte”). Aumentaba sus recitales de piano con sus otros talentos, incluyendo su increíble capacidad para imitar figuras públicas (años después de ser llevado a un mitin político de 1860 en apoyo del candidato presidencial demócrata Stephen Douglas aún era capaz de repetirlo junto con el tono y los manierismos de Douglas, además de recrear las interrupciones y vítores de la multitud, todo con remarcable precisión) y sonidos de la naturaleza, máquinas y otros instrumentos musicales tanto con su propia voz como con el piano. Además, era capaz de recitar largos poemas y discursos en prosa en varios idiomas a la perfección después de oírlos una sola vez (pero vale la pena señalar que Tom no entendía ni una sola palabra de esto; en su vida no llegó a comprender y usar por su propia cuenta más de cien palabras). Se dice que era capaz de tocar una pieza en un piano con una mano, otra pieza totalmente diferente en otro piano con la otra y cantar una tercera pieza al mismo tiempo y que también podía tocar dándole la espalda al piano y con las manos invertidas. En los conciertos, los escépticos intentaron confirmar que los talentos de Tom eran un mero truco; su desafío tomó la forma de hacer que Tom escuchara y repitiera dos composiciones nuevas absolutamente inéditas. Tom lo hizo a la perfección. Los “desafíos de la audiencia” eventualmente se convirtieron en una característica regular de sus conciertos.
Sus habilidades a menudo eran atribuidas a causas misteriosas o hasta sobrenaturales. Cuando a Tom le preguntaban cómo era capaz de tocar tan bien, lo único que respondía era “Dios enseñó a Tom”. Esta reputación de poderes psíquicos hizo que Harry Houdini, quien trabajó extensamente desacreditando a los espiritistas, fuese uno de los que acusaran a “Blind Tom” de ser un fraude. Pero la personalidad de Tom era infantil: un periodista reportó que, para hacerlo actuar, tenía que ser coaccionado con promesas de pastel y dulces y no era capaz de vestirse solo.
Supuestamente, los talentos de Tom patrocinaron a la Confederación durante la Guerra Civil. También actuó para los soldados confederados. Su pieza más famosa, “The Battle of Manassas”, describe una victoria del Ejército Confederado en 1861. Como resultado, muchos periódicos negros se negaron a celebrarlo, señalando que él servía para reforzar estereotipos negativos sobre los individuos afroamericanos y que tan sólo era una fuente de ingresos para los esclavistas.
Determinado a continuar su control monetario sobre los talentos de Tom, el General Bethune, presintiendo la victoria de la Unión en la Guerra Civil (y el fin de la esclavitud), persuadió a los padres de Tom para que le cedieran su custodia legal por cinco años. El General Bethune entonces se dirigió a Florida con Tom para unirse a sus hijas que ya habían huido allí junto a unos familiares tras la captura de Atlanta en septiembre de 1864. Aunque Bethune regresó a Columbus poco después de la guerra, pronto se fue junto a sus dos hijos para exhibir a Tom en el norte después que el Presidente Andrew Johnson removió el bloqueo federal de los estados sureños. Fue después de su tercer concierto en New Albany, Indiana, que Tabbs Gross, un promotor negro de Cincinnati a veces descrito como “el P.T. Barnum negro”, demandó al General Bethune, afirmando que él, y no Bethune, era el guardián de Tom basado un contrato que supuestamente los dos firmaron en Macon, Georgia.
Cuando el General Bethune y sus hijos huyeron de New Albany para evitar un juicio, Gross los siguió a Cincinnati donde Tom iba a actuar durante una semana. El juicio finalmente sucedió, pero el juez falló a favor de los Bethune.
En 1866, a la edad de 16, Tom fue llevado a una gira de conciertos europea por el General Bethune, quien recolectó testimonios de los increíbles talentos de Tom de parte del pianista y compositor Ignaz Moscheles y el pianista y director Charles Hallé para imprimirlos en un panfleto y estimular la reputación internacional de Tom. En su larga carrera, Tom también daría giras de conciertos por Canadá y Sudamérica y también aprendería a tocar la corneta, el corno francés y la flauta.
El General Bethune mudó a su familia a una propiedad de 420 acres llamada Elway a unas tres millas de las afueras de Warrenton, Virginia. A Tom se le dio una habitación que contenía su propio gran piano para conciertos Steinway. Por lo siguientes veinte años Tom pasó los veranos entre giras de conciertos en esta propiedad de Virginia a menudo en compañía de los nietos de Bethune.
Tom amaba la vida en Elway. Era más feliz vistiendo con unos pantalones sencillos y una camiseta de franela que con las ropas de gala que le ponían en sus conciertos. Los sonidos cotidianos de la maquinaria agrícola le producían placer. Después de un viaje por los campos montado en una calesa que seguía a una cosechadora, regresó a la casa y compuso una pieza titulada “The Reaper” (eso es “cosechadora” en inglés) que dedicó a uno de los nietos de Bethune. No obstante, la mayor parte del tiempo Tom continuaba existiendo en su propio mundo privado de ensueño donde mantenía conversaciones largas y audibles con personajes imaginarios invisibles para todos los demás a su alrededor.
Los septiembres en la granja siempre señalaban el regreso de la temporada de conciertos y la aparición del manager de Tom. Tom, que había aprendido su cuota de vulgaridades, a menudo amenazaba con nunca ser sacado de Elway de nuevo. Sus protestas de “¡Díganle que se vaya al infierno: Tom no va a ir!” serían seguidas por mucho engatusamiento y halagos hasta que lograban convencerlo de que saliera de gira otra vez.
Para 1870, el contrato de custodia de cinco años del General Bethune había terminado. No obstante, Bethune entonces solicitó a las cortes que declararan a Tom legalmente incompetente para que siguiera en su custodia. Las cortes fallaron a su favor.
En 1875, el General Bethune transfirió el control de las actividades profesionales de Tom al mayor de sus hijos, John Bethune, quien acompañó a Tom de gira por los EE.UU. por los siguientes ocho años y llevó un estilo de vida extravagante. John había sido el compañero de juegos de Tom en su infancia y sabía cómo lidiar con el músico, quien desconfiaba mucho de los extraños y era propenso a rabietas a menos que creyese que las cosas se estaban haciendo a su manera. Comenzando en 1875, John llevó a “Blind Tom” a Nueva York cada verano. Mientras vivía con John en una pensión en el Lower East Side, Tom añadió a su repertorio bajo la tutela de Joseph Poznanski, quien también transcribió las nuevas composiciones de Tom para la publicación (en sus giras, otros músicos profesionales acompañaban a Tom para transcribir sus obras). Tom compuso alrededor de cien piezas originales. Muchas de estas fueron, supuestamente por insistencia de Tom, publicadas bajo tales seudónimos como Profesor W.F. Raymond, J.C. Beckel, C.T. Messengale y Francois Sexalise.
En 1882, John Bethune se casó con su casera, Eliza Stutzbach, quien había demostrado cierto talento para apaciguar el temperamento a veces volátil de Tom. No obstante, poco después de su boda, John Bethune se embarcó en una extensa gira por los EE.UU. con Tom, abandonando en efecto a Eliza. Cuando Bethune regresó a casa ocho meses después, su esposa presentó el divorcio. La pareja se separó (John se llevó a Tom) pero un amargo pleito legal empezó, con Eliza acosando a John por apoyo financiero, y las cortes al principio fallando a favor de John. Después que John Bethune muriera en un accidente ferroviario en 1884, Tom fue regresado a la custodia del General Bethune. Eliza demandó al General Bethune por la custodia de Tom y convenció a su anciana madre, Charity, para que la apoyara. Vale la pena señalar que, en su testamento, John Bethune describía a Eliza como una “aventurera sin corazón” que sólo iba tras su dinero y ordenaba que ella no viese ni un centavo. Tras una prolongada batalla por la custodia en varias cortes, en agosto de 1887 Tom fue cedido a Eliza, quien lo llevó de regreso a Nueva York. Los periódicos reportaron que Tom, decepcionado y dolido por tener que dejar Virginia y al viejo General, amenazó con “pelearse con todos ellos”. Él no se llevó consigo nada más que su guardarropa y una flauta de plata. Charity los acompañó pensando que se beneficiaría de las ganancias de Tom; no obstante, cuando se volvió evidente que Eliza no pensaba cumplir sus obligaciones financieras con Charity, la madre de Tom regresó a Georgia, afirmando que Eliza intentaba volver a su hijo en su contra. Charity nunca volvió a ver a su hijo.
Un mes después, Tom volvió a los escenarios sin mostrar señales de trauma emocional por esta batalla por la custodia y continuó actuando y saliendo de gira por un número de años bajo la dirección de Eliza y su abogado (y después esposo) Albrecht Lerche. Tras ser acosada por incesantes pleitos legales por la custodia de Tom, Eliza lo sacó del circuito de conciertos a mediados de la década de 1890 por temor a que los ingresos que Tom producía para ella fuesen incautados por la corte, aunque también se dice que Tom se negó a actuar por estar insatisfecho con el tratamiento que recibía de Eliza.
Tom pasó los siguientes diez años como un protegido de Eliza y su esposo, quienes dividían su tiempo entre la ciudad de Nueva York y Navesink, Nueva Jersey. En 1903, tras persistentes rumores sobre la muerte de Tom y de imitadores suyos saliendo de gira, Eliza organizó que Tom apareciera en el circuito del vodevil antes que su salud comenzara a deteriorarse. Se cree que sufrió un derrame (descrito en algunos reportes como “parálisis parcial”) en diciembre de 1904 (aunque otras fuentes afirman que este derrame sucedió en fechas posteriores, tal vez hasta en 1906), lo que terminó con su carrera como pianista.
Tras la muerte de su esposo, Eliza se mudó a Hoboken, Nueva Jersey, con Tom. Se mantuvieron fuera de la vista pública, aunque los vecinos podían oír a Tom tocando el piano a todas horas del día y de la noche y recibiendo a sus invitados imaginarios. Tom sufrió un derrame importante en abril de 1908 y murió en junio, a la edad de 59. Fue enterrado en el Cementerio de los Evergreens, Brooklyn, Nueva York, aunque algunas fuentes dicen que su cuerpo después fue movido por los descendientes de los Bethune a su plantación en Georgia.
¿Qué salió mal?: Algo que tienen que tener en cuenta es que, a pesar de que “Blind Tom” Wiggins fue uno de los prodigios musicales más grandes de todos los tiempos, sus shows eran tratados como espectáculos circenses de fenómenos y comedia de la más baja categoría. No es de extrañar que, entre los cambios en los gustos musicales y los largos periodos al final de su vida que pasó lejos de las luminarias, su fama comenzase a menguar y, tras su muerte, cayese en el olvido casi de inmediato…
…pero no del todo…
Hay quienes piensan que fue por su influencia que durante las primeras décadas del siglo XX hubo un aluvión de músicos negros con ceguera; todos ellos con “Blind” al principio de sus nombres.
La leyenda del jazz Dizzy Gillespie estaba fascinada con la figura y la historia de “Blind Tom”. En mayo de 1979 se tomó algo de tiempo de su gira por Georgia para tocarle “When the Saints Go Marching In” a la placa conmemorativa de Wiggins en Columbus.
Desde la década de 1970 empezaron a proliferar las biografías de Tom. Tras leer una de estas biografías, Elton John incluyó la canción “The Ballad of Blind Tom” en su álbum de 2013 The Diving Board.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Aunque las piezas originales de “Blind Tom” están disponibles en partitura, tras su muerte casi nunca han sido tocadas. En 1999, el pianista John Davis grabó el álbum John Davis Plays Blind Tom, con catorce de dichas obras, que pueden disfrutar aquí abajo:
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