Curiosidades históricas: Les Heures persanes (versión orquestal, 1913-19)

¿Quién la compuso?: Charles Koechlin (1867 – 1950).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Compositores de culto.

¿Quién es?: Este compositor tuvo una de las personalidades más deliciosamente chifladas en la historia de la música.

A pesar de su falta de éxito comercial, fue una figura amada y venerada en la música francesa. Tras un diagnóstico de tuberculosis en 1888 por el que tuvo que pasar una temporada en Argel, tuvo que recuperar fuerzas, lo cual hizo que se convirtiera en un entusiasta del montañismo, la natación y el tenis. Su lista de aficiones es casi interminable: la astronomía, la fotografía estereoscópica, la mística de la naturaleza, el panteísmo, las filosofías de Emerson y Thoreau, el socialismo radical (aunque nunca fue miembro del Partido Comunista), el orientalismo, El Libro de la Selva de Rudyard Kipling, la música folclórica francesa, la música medieval, Johann Sebastian Bach, la cultura helenística, las películas de Hollywood… de todo lo cual extrajo inspiración para su música.

Firmó más de 200 números de opus, más grandes cantidades de música inédita, en casi todos los géneros de su época excepto la ópera. Su estilo musical es un impresionismo más deudor de Berlioz y Fauré que de Debussy. Su obra varía dramáticamente, desde las que usan un contrapunto barroco hasta las claramente impresionistas; desde la simplicidad extrema hasta la complejidad extrema, no sólo de obra a obra, sino hasta dentro de una misma obra. Con el tiempo, incluyó en su música influencias del dodecafonismo de Schönberg, así como de otros movimientos musicales del siglo XX, aunque más frecuentemente de una forma paródica. Todo esto lo convierte en un precursor de Messiaen.

Su amor por el cine lo llevó a escribir la Seven Stars’ Symphony; en realidad, una suite orquestal en siete movimientos, cada uno de ellos inspirado por un actor de Hollywood diferente: Douglas Fairbanks, Lilian Harvey (a quien dedicó más de cien otras piezas), Greta Garbo, Clara Bow, Marlene Dietrich, Emil Jennings y Charlie Chaplin. También compuso bandas sonoras “imaginarias” y para películas de Jean Epstein y Abel Gance, un Epitafio para Jean Harlow y una suite de danzas dedicada a Ginger Rogers. Esta última actriz se sintió muy halagada cuando descubrió que alguien estaba componiendo música inspirada en ella hasta que se dio cuenta de la clase de rarito que era Koechlin y decidió poner una distancia prudente entre él y ella.

Fue estudiante de, entre otros, Massenet y Fauré (de quien fue un amigo de toda la vida y escribió su primera biografía) y entre sus compañeros de estudios se encuentran George Enescu, Reynaldo Hahn, Florent Schmitt y Ravel. Además de componer, también fundó organizaciones musicales junto a sus excompañeros de clases, fue un importante y prolífico teórico musical, firmó una biografía de Debussy y desempeñó diversos cargos como profesor de música. Entre sus estudiantes se cuentan a Germaine Tailleferre, Francis Poulenc y Cole Porter. Milhaud, aunque nunca fue estudiante suyo, fue un amigo cercano y afirmaba que aprendió más de Koechlin que de cualquier otro pedagogo. También orquestó las obras de otros compositores, como Pelléas et Mélisande de Fauré, Khamma de Debussy, el ballet Within the Quota de Cole Porter, la Fantasía Wanderer de Schubert y Bourrée fantasque de Chabrier.

¿Por qué no es más famoso?: Eso es lo que pasa cuando un artista no le da concesiones al gran público para hacer más accesible su obra. Añadan que, en una época en la que el neoclasicismo puso de moda los conjuntos más pequeños, él siguiese aferrado a la música programática para orquestas en gran escala, muy demandantes en cuanto a las fuerzas que requerían (uno de los movimientos de su segunda sinfonía requiere cuatro Ondas Martenot, los cuales han sido suprimidos en casi todas las pocas interpretaciones que se han hecho de esa obra) y comprenderán porque no llegó a ver estrenadas un montón de sus creaciones en vida.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Esto es cosa de mis gustos personales, pero, para mí, la música de Koechlin me parece más “curiosa” que “verdaderamente valiosa desde el punto de vista artístico”. Pero, si no están de acuerdo conmigo, pongan sus opiniones en los comentarios.

Félix Blumenfeld (1863 - 1931)

Categorías a las que pertenece: One-hit-wonders que hicieron mucho más.

¿Por qué piezas es famoso?: Por su Estudio para la mano izquierda (1905)…

…el cual siempre ha gozado de cierta popularidad entre los virtuosos de tendencias masoquistas.

¿Por qué no tuvo más éxitos?: Estudiante de composición de Rimski-Kórsakov, primo segundo de Karol Szymanowski y tío de Heinrich Neuhaus (el padre de la escuela rusa moderna del piano), este ruso de ascendencia judeoaustríaca por parte de padre y polaca por parte de madre nació en una ciudad que hoy en día forma parte de Ucrania y es otro en la larga lista de músicos rusos concentrados en el piano a finales del Romanticismo.

Son muchas las razones por las que no tuvo más éxitos:

1. Tuvo una carrera notable como profesor de música (con una larga lista de estudiantes famosos), director (entre otros, dirigió el estreno ruso de Tristán e Isolda) y pianista virtuoso (aunque eso llegó a su fin cuando, por andar de mujeriego, contrajo sífilis y quedó parcialmente paralizado). Por estar más concentrado en esas facetas, dejó una producción poco prolífica: sólo poco más de 50 números de opus, en su inmensa mayoría piezas para piano solo, aunque también un par de puñados de obras en los géneros de la música orquestal (incluyendo una sinfonía y un concierto para piano), de cámara, coral y un par de álbumes de lieder.
2. Porque su estilo musical (deudor más que nada de Chopin y Tchaikovski, aunque también se pueden detectar influencias de Henselt, Liszt, Wagner y muchos otros compositores rusos), resultaba demasiado conservador para la época en la que le tocó trabajar.
3. Porque su música para piano (la inmensa mayoría de su producción) es demasiado demandante: muchas de sus piezas son tan desafiantes para el intérprete como según qué piezas de Liszt, lo cual dificulta su difusión.

Fue sólo hasta el siglo XXI que el resto de obra empezó a ser rescatada de la oscuridad.

¿Qué más hay para escuchar?: Pueden probar sus 24 Preludios (1892)…

Curiosidades históricas: Natursymphonie (1911)

¿Quién la compuso?: Siegmund von Hausegger (1872 – 1948).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Antes de la Primera Guerra Mundial, Hausegger llegó a ser considerado uno de los más grandes talentos de Austria y Alemania en los primeros años del siglo XX, gozando de gran popularidad en esos países, superado sólo por Richard Strauss y Mahler. Con un estilo fuertemente deudor de Wagner, firmó óperas, poemas sinfónicos, misas, canciones y otras obras corales y orquestales en gran escala.

También se lo considera uno de los más grandes directores de orquesta de su era.

¿Qué salió mal?: Tras la Primera Guerra Mundial, con el estilo post-wagneriano pasando de moda, su popularidad cayó en picada y su música fue olvidada con rapidez. Tampoco ayudó que abandonara su carrera como compositor para concentrarse en su faceta de director de orquesta.

Pero también hay que considerar que…

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: …su música simplemente no era tan buena.

Lo peor que tiene su producción es que participa de todos los peores vicios de los seguidores de Wagner, el primero de todos su debilidad por la filosofía de pacotilla. No obstante, hasta el peor de nosotros puede tener un buen día, y esta monumental Natursymphonie merece ser la única de sus obras en haber permanecido en el repertorio.

Wilhelm Berger (1861 - 1911)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto, Pasto de historia alternativa.

¿Quién es?: Compositor, pianista, director de orquesta y profesor de música quien fue discípulo de, entre otros, Friedrich Kiel. Si Richard Strauss es un compositor considerado post-wagneriano, Berger es un compositor considerado “post-brahmsiano”, además de ser considerado también un precursor de Max Reger, ambos considerados los más importantes sucesores alemanes de Brahms.

Firmó más de cien obras, incluyendo música orquestal, de cámara, para piano, coral y canciones.

¿Por qué no es más famoso?: Aunque desempeñó un número de cargos importantes en su vida, tuvo su círculo de seguidores entre la gente de gustos conservadores, sus composiciones ganaron premios y gozó del elogio de Rubinstein, Grieg, Joseph Joachim y Bülow, nunca obtuvo la fama y fortuna que se merecía hasta poco antes de su prematura muerte en 1911 por complicaciones después de una cirugía del estómago, pocos años después de alcanzar su madurez como compositor.

Esto se debió a que nunca se promocionaba con el gran público musical. Añadan a su muerte prematura el que poco tiempo después empezara la Primera Guerra Mundial y el que el ascenso de los movimientos musicales del siglo XX matara el interés por una gran parte de la música romántica durante décadas y comprenderán porque el nombre de Berger es bastante oscuro incluso entre los especialistas.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con las que son consideradas sus obras maestras, su segunda sinfonía (1900)…

…su quinteto con piano (1904):

…y sus obras corales tardías. También pueden escuchar su trío de cuerdas (1898):

…su tercera sonata para violín (1898):

…y su quinteto de cuerdas (1899):

¡Ah!: y si desean aprender más sobre él, recuerden buscarlo como Wilhelm Reinhard Berger porque hay varios compositores con “Wilhelm” y “Berger” en su nombre allá afuera, lo cual tal vez sea otra razón por la que es tan oscuro.

Georgy Catoire (1861 - 1926)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Compositor ruso de ascendencia francesa, pertenece a la numerosa cohorte de músicos del Romanticismo tardío ruso que exhibieron una predilección especial por el piano.

Poco prolífico (creo que sólo publicó 36 números de opus más un número de otras piezas inéditas), firmó un puñado de obras orquestales (incluyendo una sinfonía y un concierto para piano), corales[1] y vocales, aunque dedicó sus mayores esfuerzos a la música para piano y a la música de cámara, que también son los géneros donde obtenía sus mejores resultados. Su estilo fue fuertemente influenciado por Chopin, Tchaikovski, la obra temprana de Skriabin, Fauré, Wagner (fue uno de los primeros rusos en reconocer el genio del Maestro de Bayreuth) y, en muchísima menor medida, César Franck y Debussy.

¿Por qué no es más famoso?: En primer lugar, por el hecho ya mencionado de lo reducida que fue su producción. En segundo lugar, parece que Catoire era tímido por naturaleza, lo cual hizo que no promocionara su obra, teniendo mucho más éxito como profesor de música. Tercero: era un músico muy conservador, lo que causó que fuese eclipsado por compositores mucho más atrevidos e innovadores. Cuarto: el que, tras su muerte, el régimen soviético no viese ningún trasfondo político-social en su obra, lo que provocó que no hiciese ningún esfuerzo por promoverla. Por último, su música para piano, en particular, es muy demandante, lo que hace que no sea sencilla de difundir.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Escuchen, escuchen…

Notas:

[1] Aunque parece que las obras en gran escala no eran lo suyo.

Emil von Reznicek (1860 - 1945)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Este compositor austriaco de ascendencia checa y rumana fue un estudiante de Carl Reinecke y Salomon Jadassohn.

Compuso prolíficamente óperas, ballets, música incidental, orquestal (incluyendo cinco sinfonías), de cámara, para piano, para órgano, coral y canciones. Su estilo originalmente era un romanticismo tardío post-wagneriano que lo emparenta con Richard Strauss (de quien fue amigo personal) y Mahler (a quien consideraba un alma afín), aunque con una fuerte tendencia hacia la sátira musical. Con el tiempo, no obstante, lo expandió para incluir fuertes influencias (aunque sin dejar de ser, esencialmente, un compositor tonal) del bitonalismo, el neoclasicismo, los compositores anteriores a J. S. Bach y el jazz y otros géneros de la música popular.

Aunque nunca llegó a tener el mismo nivel de fama y fortuna que su famoso amigo, empezando con la ópera Donna Diana (1894; su mayor éxito), se anotó una serie de triunfos que llevó a que fuese respetado en los países de Europa central como uno de sus compositores más importantes hasta finales de la década de 1920.

¿Qué salió mal?: Prepárense porque este es el primero de una larga serie de compositores cuyas vidas, o por lo menos sus carreras y/o reputaciones, fueron arruinadas por los Nazis, así que, por una temporada, este blog se va a poner un tanto deprimente.

Tras su muerte, su reputación sufrió un fuerte golpe debido a la falsa acusación de que era un Nazi. Esta provino del hecho de que uno de sus hijos era un ardiente simpatizante del Nazismo y de que formó parte de la Ständiger Rat für die Internationale Zusammenarbeit der Komponisten de Richard Strauss, la cual fue acusada por Ernst Krenek de ser una organización Nazi. Nada más lejos de la realidad: las ideas políticas de Reznicek eran de izquierda, su segunda esposa tenía ascendencia judía (aunque fue criada como una calvinista), otra de sus hijas formó parte de la Resistencia alemana y la Ständiger Rat für die Internationale Zusammenarbeit der Komponisten era una organización tolerada por los Nazis que, con algunas restricciones, presentaba conciertos de música moderna en los estados controlados por el Reich. Cuando los Nazis aumentaron su dominio del Rat en 1942, Reznicek intentó resistirlos, pero eventualmente renunció. Durante la Guerra, el Ministerio de Propaganda confiscó 80 de sus manuscritos, sólo 14 de los cuales fueron devueltos a su hija en 1946; el resto está en paradero desconocido.

Añadan a lo anterior el que ya en la década de 1930 su reputación empezó a ser eclipsada por la de una generación más joven y atrevida de compositores y que, al igual que todos los otros músicos que se aferraron a la música tonal bien entrado el siglo XX, tras la Segunda Guerra Mundial su arte encontró cada vez más indiferencia y comprenderán porque lo más parecido que tiene a una pieza que permanece en el repertorio es la obertura de la ya mencionada Donna Diana:

…la cual es revivida ocasionalmente como pieza de relleno en recitales.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su tercera sinfonía (1918)…

…las Variaciones Chamisso (1921):

…y las Variaciones sinfónicas sobre el Kol Nidre (1929):

Curiosidades históricas: Ethel Smyth (1858 - 1944)

¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas.

La Gloria: Smyth fue una niña prodigio. Fue una pianista estelar desde una tierna edad y compuso su primer himno a la edad de 10. Decidió estudiar música a la edad de 12 y a la edad de 17 empezó a estudiar con Alexander Ewing, quien le presentó la música de Wagner y Berlioz. Después de una batalla importante con su padre, un oficial del ejército que rechazaba los planes de su hija de dedicar su vida a la música, Smyth logró que su familia la enviara al Conservatorio de Leipzig[1], donde estudió con Carl Reinecke. Lo dejó después de un año, no obstante, desilusionada con su estilo de enseñanza, y continuó sus estudios con Heinrich von Herzogenberg. En esta ciudad conoció a Dvorák, Grieg, Tchaikovski, Clara Schumann y Brahms. A su regreso a Inglaterra, forjó una amistad con Arthur Sullivan.

Fue una compositora prolífica de óperas, música orquestal, música de cámara, música instrumental, música coral y canciones en un estilo deudor tanto de Brahms, su ídolo musical, como de Wagner. Algunos consideran sus óperas como las más importantes compuestas en las Islas Británicas después de las de Purcell y antes de las de Britten. Una de estas, Der Wald (1903), sería la primera ópera compuesta por una mujer en ser representada en la Ópera Metropolitana de Nueva York (la siguiente sería L’Amour de loin de Kaija Saariaho en 2016). Ella también fue una entusiasta de los deportes durante toda su vida, practicando tenis, equitación, golf, montañismo y senderismo.

Su exitosa carrera como compositora y directora llegó a un fin abrupto en la década de 1920 cuando empezó a perder su audición, eventualmente quedando totalmente sorda. Su producción cayó en picada y firmó su última obra en 1930. No obstante, encontró un nuevo interés en la literatura y, entre 1919 y 1940, publicó diez libros autobiográficos tremendamente exitosos.

¿Qué salió mal?: Tras su muerte, su música cayó en el olvido casi de inmediato.

Esto se debió, en parte, a que un porcentaje importante de la crítica se la tenía jurada por razones exclusivamente sexistas… eso a pesar de que el mismísimo Tchaikovski declaró “La Señorita Smyth… puede en serio estar alcanzando algo valioso en el campo de la creación musical”… Pero también se debió a que su activismo político, su imagen de sufragista excéntrica[2] y su escandaloso estilo de vida[3] eclipsaron su obra como artista.

Su música tendría que esperar unos 70 años antes de que empezara a ser revivida.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: ¿Recuerdan que una vez escribí que esperaba que no tuviese que volver a presentarles un compositor sin también incluir alguna obra suya? Pues no se me cumplió😭.

Smyth era una artista tremendamente errática y su música raramente muestra una personalidad propia o resulta siquiera memorable. ¿Y esa parte sobre que sus óperas están entre las más importantes compuestas en las Islas Británicas? Sí, ajá. Nada de lo que escuché de ella me parece que tuviese el nivel y/o interés histórico suficiente para justificar incluirlo en el blog.

Notas:

[1] Ella logró esto al dedicarse a hacerle la vida imposible a todos en casa: se negaba a ir a la iglesia, a cantar en las cenas, a salir de su cuarto y a dirigirle la palabra a su familia.

[2] Cuando tuvo que pasar un tiempo en prisión por participar en una protesta violenta de las sufragistas, su amigo, sir Thomas Beecham, fue a visitarla en la cárcel y allí vio a las sufragistas marchando en un cuadrángulo y cantando y a Smyth dirigiéndolas desde la ventana de su celda usando un cepillo de dientes como batuta. Una vez, un entrevistador fue a visitarla a su casa y la encontró atada a un árbol; ella afirmó que hacía esto para mejorar su postura cuando dirigía. Casi siempre se la podía ver acompañada por un perro y solía presentarse en las casas de la gente a las horas más inesperadas, demandando ser entretenida.

[3] Smyth era abiertamente lesbiana… y el único hombre con el que hay una posibilidad realista de que tuviese una relación íntima fue su amigo Henry Bennet Brewster, filósofo y libretista de algunas de sus óperas… quien estaba casado…

A la edad de 71, Smyth conoció y se enamoró de Virginia Woolf, 25 años más joven que ella. En sus diarios, escribió “no pienso que alguien me haya importado más profundamente”. Woolf, por su parte, escribió en su propio diario “una vieja se ha enamorado de mí. Es como ser presa de un cangrejo gigante”. A pesar de sus diferencias, ambas mujeres forjaron una amistad que duró hasta la muerte de Woolf en 1941.

Mélanie Bonis (1858 - 1937)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto, Pasto de historia alternativa.

¿Quién es?: La compositora de hoy tuvo una vida digna de una telenovela.

Desde niña demostró un gran talento y sensibilidad musicales, aprendiendo a tocar el piano de forma autodidacta, pero la estricta familia católica en la que nació no aprobaba sus intereses artísticos. A la edad de doce, sus padres fueron persuadidos a regañadientes por un profesor del Conservatorio de París que la dejaran tomar lecciones formales de música. En el Conservatorio fue estudiante de César Franck, Ernest Guiraud, Auguste Bazille y Ambroise Thomas y compañera de clases de Chausson, Debussy y Pierné, entre otros.

A la edad de dieciséis se enamoró de Amédée Landély Hettich, otro compañero de clases, poeta y cantante, pero sus padres desaprobaron la relación y la sacaron del Conservatorio. A la edad de 25, su familia la hizo casarse con Albert Domange, un empresario 22 años mayor que ella, dos veces viudo y con cinco hijos de sus matrimonios anteriores. Tras la boda, Bonis se dedicó exclusivamente a su papel como esposa y madre, teniendo tres hijos. Para ella no fue un matrimonio ideal, pues a Domange no le gustaba la música y no compartía las preocupaciones espirituales de su esposa, aunque parece que tenía un temperamento afable.

En 1893 se reencontró con Hettich, ahora un respetado profesor de canto y crítico musical casado con una arpista polaca. Hettich animó a Bonis a que volviera a componer y usó sus contactos para ayudarla en su carrera musical. Por un tiempo, su música fue la sensación en los salones de París, ganó varios premios y, al escuchar su cuarteto con piano en 1901, Saint-Saëns exclamó “¡Nunca imaginé que una mujer pudiese escribir tal música! Ella conoce todos los trucos astutos del negocio del compositor”. Eventualmente ambos comenzaron una aventura, que llevó al nacimiento de una hija ilegítima, Madeleine, en 1899, la cual fue criada por una ex camarera suya.

En 1912, tras la muerte de su esposa, Hettich reconoció que era el padre de Madeleine. Tras la muerte de su esposo y la madrastra de Madeleine, Bonis invitó a la joven a vivir con ella, presentándola como una huérfana de la guerra y su ahijada. Bonis sólo reveló que Madeleine era su hija cuando uno de sus hijos, tras regresar de la Primera Guerra Mundial, empezó a formar una relación romántica con ella. Esto dejó devastados a los jóvenes, pero Madeleine eventualmente se casó con otro hombre, se reconcilió con su madre y vivieron juntas hasta la muerte de Bonis.

Firmó más de 300 obras, principalmente música para piano, canciones y música para niños, aunque también firmó once piezas orquestales, unas 20 piezas de cámara, unas 30 piezas para órgano y música coral en un estilo que la convierte en un eslabón perdido entre el romanticismo tardío francés y el impresionismo.

¿Por qué no es más famosa?: A pesar de que tenía sus admiradores, Bonis nunca alcanzó el verdadero superestrellato musical, en parte por su sexo, en parte por su personalidad tímida, lo que hacía que no se autopromocionara mucho.

Tras la Primera Guerra Mundial, con los cambios que estaba experimentando la música de la época, cayó en la oscuridad más absoluta. Aunque no dejó de componer hasta su muerte, su producción cayó en picada debido, en parte, a que empezó a padecer artritis, y en parte a que cayó en una depresión por las muertes de su esposo y uno de sus hijos en la Primera Guerra Mundial.

También la incluyo en la categoría de “Pasto de historia alternativa” porque no pudo realizar su potencial artístico al completo debido a su complicada biografía.

Su figura sólo empezó a ser rescatada del olvido en la década de 1960.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con todo esto…

Cécile Chaminade (1857 - 1944)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más, Pasto de historia alternativa.

La Gloria: Nacida en una familia que amaba la música, Chaminade fue una niña prodigio que empezó a experimentar con la composición a la edad de siete escribiendo piezas para sus gatos, perros y muñecas. En 1869, tocó algo de su música para Bizet, quien fue vecino y amigo de su familia, al cual impresionó con sus talentos y la apodó “mi pequeño Mozart”.

Su primera profesora de música fue su madre. El padre de Chaminade le prohibió que estudiara en el Conservatorio de París, pensando que era impropio de una chica de su clase. No obstante, le permitieron estudiar privadamente con profesores del Conservatorio recomendados por Bizet: piano con Félix Le Couppey, violín con Martin Pierre Marsick y composición con Marie Gabriel Augustin Savard y Benjamin Godard.

Durante las décadas de 1870 y 1880 varias de sus obras fueron programadas por la prestigiosa Société nationale de musique. Tras la muerte de su padre en 1887, tuvo que abandonar sus desiguales experimentos con los géneros mayores para mantener a su madre y a sí misma (componiendo muy pocas piezas en esos géneros tras esa fecha) firmando miniaturas musicales[1] y dando recitales por toda Francia, Suiza, Bélgica y los Países Bajos. También visitaría Alemania, Austria, Polonia, Rumania, Inglaterra y Estados Unidos (donde hubo más de 200 “Clubes Chaminade” por todo el país).

Chaminade se casó con un editor musical de Marsella, Louis-Mathieu Carbonel, en 1901. Debido a que era 20 años mayor que ella, se rumoreó que fue un matrimonio por conveniencia y Chaminade exigió estrictas condiciones para su relación: iban a vivir separados, Carbonel en Marsella y ella cerca de París, aunque su esposo la acompañaría en sus giras de recitales, y el matrimonio iba a ser platónico. Carbonel murió en 1907 de una enfermedad pulmonar. Chaminade nunca se volvió a casar.

Su estilo musical está emparentado con los de Saint-Saëns y Gounod. Como Viardot, Bizet, Chabrier y Debussy, a menudo buscaba darle a su música un sabor español. Firmó más de 400 obras, la mayoría de estas escritas en la década de 1890: más de 200 piezas para piano solo y unas 125 canciones, además de óperas y ballets (tanto completos como inacabados), música orquestal, de cámara y otra música.

Fue una de las compositoras más exitosas comercialmente de todos los tiempos. Entre sus admiradores se encontraban la Reina Victoria (el Preludio para órgano de Chaminade fue tocado en su funeral), Liszt y Ambroise Thomas (quien la llamó: “esta no es una mujer que compone, sino un compositor que es una mujer”). Recibió muchos honores: en 1888 y 1892 por la Academia Francesa, en 1897 la Medalla de Diamante del Jubileo de la Reina Victoria, la Guirnalda de Laurel del Conservatorio de Atenas, la Orden de la Caridad por el Sultán Abdul Hamid II del Imperio Otomano y en 1913 se le concedió la Legión de Honor (la primera vez que se le dio a una compositora).

¿Qué salió mal?: En primer lugar, a pesar de su inmensa popularidad, un sector importante de la crítica se la tenía jurada por razones exclusivamente sexistas (esto empeorado por el hecho de que nunca estudió en el Conservatorio, lo que significa que no tenía las conexiones necesarias para ganarse una reputación de seriedad artística). En segundo lugar, debido a una grotesca dieta vegetariana que decidió seguir, ella sola arruinó su salud (eventualmente necesitando que le amputaran un pie), lo que le impidió seguir dando recitales y le quitó fuerzas para componer; después de la Primera Guerra Mundial (durante la cual trabajó como enfermera en un hospital para soldados convalecientes), el número de obras que escribía cayó en picada y firmó su última pieza en 1928. Y, en tercer lugar, era una compositora extremadamente conservadora: fue hostil a la música de Debussy y Richard Strauss, y no les digo lo que pensaba de Schönberg y Stravinsky, lo que le pasó factura con el triunfo de las vanguardias artísticas del siglo XX. Finalmente, la parte más numerosa de su producción, y la que le dio fama y fortuna, fueron sus miniaturas para piano y canciones, las cuales pertenecen al género de la música de salón, y ya he explicado lo que eso significa. Después de mudarse a Monte Carlo en 1936, murió sola y casi por completo olvidada en 1944.

La única obra suya que permaneció en el repertorio es su popular Concertino para flauta y piano:

El interés en el resto de su producción sólo revivió en el siglo XXI.

¿Qué más hay para escuchar?: Aquí, casi una hora y cuarto de su música para piano…

Notas:

[1] Es porque no le permitieron estudiar en el Conservatorio y por verse obligada a dedicarse a la música de salón que la incluyo en la sección de “Pasto de historia alternativa”. ¿Qué hubiese pasado si hubiese recibido una formación musical formal y/o tras la muerte de su padre se hubiese jugado el todo por el todo buscando reconocimiento en los géneros mayores? Nunca lo sabremos.

Curiosidades históricas: Concierto para piano N° 4 en re menor (1864)

¿Quién lo compuso?: Antón Rubinstein (1829 – 1894).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas.

La Gloria: Empezando como un niño prodigio que hizo su primera aparición en público a la edad de nueve años, en vida fue famoso más que nada como pianista virtuoso, siendo uno de los más grandes del siglo XIX, reputación que se ganó, en particular, por unas legendarias giras de conciertos maratónicos que lo llevaron por toda Rusia, Europa occidental y Estados Unidos. Rajmáninov fue uno de sus muchos admiradores.

En segundo lugar, también fue un importante profesor de música, fundando el Conservatorio de San Petersburgo (su hermano menor, Nikolái, fundó el Conservatorio de Moscú), así como participando en la creación de otras instituciones musicales rusas. Fue el profesor de composición de Tchaikovski.

Pero, aunque tardó un poco más en esta faceta, también alcanzó fama y fortuna como compositor. Fue muy prolífico: aparte de sus por lo menos 20 óperas e innúmeras miniaturas para su instrumento, firmó otras 119 obras, incluyendo un ballet, música orquestal (cinco conciertos para piano, seis sinfonías, dos conciertos para violonchelo, un concierto para violín, tres poemas sinfónicos, etcétera) y una cantidad considerable de piezas de cámara, piezas mayores para su instrumento y lieder.

¿Qué salió mal?: A pesar de su inmensa fama y éxito tanto a nivel internacional como en su país natal, Rubinstein era visto con sospecha en Rusia por su ascendencia judeoalemana en una era de nacionalismos. También, en una época en la que se puso de moda que los compositores se inspiraran en la música folclórica de sus países, Rubinstein atrajo críticas por componer en un estilo muy deudor de sus compositores alemanes favoritos, con Mendelssohn y Schumann a la cabeza. Esto lo llevó a tener sus encontronazos con Los Cinco.

Además, hubo muchos críticos que fueron tremendamente escépticos de él tanto como pianista como compositor.

En sus memorias, Rubinstein se quejó amargamente:

Los rusos me llaman alemán, los alemanes me llaman ruso, los judíos me llaman cristiano, los cristianos me llaman judío[1]. Los pianistas me llaman compositor, los compositores me llaman pianista. Los clasicistas piensan en mi como un futurista y los futuristas me llaman reaccionario.

No obstante, llega la hora de señalar que no todas las críticas eran injustificadas…

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: En primer lugar, padeció cierto problema que se explicó en otra ocasión que padecen los virtuosos.

Pero otro problema es que Rubinstein trabajaba a las prisas. Con frecuencia apresuraba la composición y publicación de sus obras sabiendo que iban a ser exitosas comercialmente sólo por su reputación, lo que resultaba en buenas ideas siendo desarrolladas de formas menos que ejemplares.

Paderewski lo resumió mejor que nadie:

Él no tenía la concentración de paciencia necesaria para un compositor… Era propenso a entregarse a clichés grandilocuentes en los momentos de clímax, precedidos por secuencias ascendentes demasiado largas que fueron subsecuentemente imitadas por Tchaikovski en sus piezas menos inspiradas.

Tras su muerte, la mayoría de sus obras perdió popularidad y desapareció del repertorio con rapidez, aunque sus conciertos para piano siguieron escuchándose en Europa hasta la Primera Guerra Mundial. En Rusia, sus principales creaciones, como la ópera El demonio (1875, basada en el poema romántico de Lérmontov), su cuarto concierto para piano (la obra que les traigo hoy por haber influenciado a los de Tchaikovski y Balákirev) y su segunda sinfonía “Océano”, nunca desaparecieron del todo del repertorio.

En años recientes, sus obras han sido interpretadas un poco más a menudo tanto en Rusia como fuera de esta y a menudo encuentran críticas positivas.

Notas:

[1] Rubinstein nació en una familia judía, pero, cuando era pequeño, la familia completa se convirtió a la Ortodoxia rusa. En la adultez se hizo ateo.