Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Desde su infancia mostró un gran interés por la música y comenzó a aprender a tocar el flautín con músicos locales. Firmó su primera composición a la edad de ocho. A la edad de quince, entró en la Real Academia de Música de Londres, donde estudió flauta, piano y composición.
Su estilo musical empezó como una mezcla entre la Escuela Pastoral y el neoclasicismo de Stravinski para, durante los años de la Segunda Guerra Mundial, evolucionar en un neorromanticismo (él mismo se consideraba un romántico que nació cien años tarde) que empleaba un sistema alternativo al dodecafonismo. Fue un compositor muy prolífico: escribió más de 200 bandas sonoras (setenta de las cuales son para largometrajes y la música que compuso para documentales durante la Segunda Guerra Mundial fue considerada tan importante para subirle la moral a las tropas inglesas que los Nazis lo pusieron en su lista negra) junto con música para los escenarios (cuatro óperas y un ballet pantomima), música orquestal, música de cámara, música para piano y para otros instrumentos, música vocal y coral.
No obstante, destruyó montones de obras anteriores a 1939…
¿Quién es?: Junto con Ninette de Valois y Frederick Ashton, fue uno de los fundadores del ballet clásico inglés, en su mejor época fue considerado EL compositor inglés de ballets y fue uno de los responsables de popularizar la tendencia de crear ballets con música que originalmente no tenía esa intención (como las sonatas de Scarlatti y música de Couperin, Mozart, Schubert, Meyerbeer y Liszt, entre otros). Fue el primero de sólo dos compositores ingleses a los cuales los Ballets Rusos de Diaghilev le representaron una obra y, a la muerte de dicho empresario, se pensó que él se convertiría en el siguiente Diaghilev. Fue uno de los primeros compositores “serios” en comprender la importancia del jazz y proclamó que “Mood Indigo” de Duke Ellington era una absoluta obra maestra. Casi todos los que trataron personalmente con él lo describen como un genio absoluto o, por lo menos, como la personalidad más interesante que alguna vez hubiesen conocido, pero también, por su labor como un crítico musical beligerante con una pluma feroz, ganó numerosos enemigos entre los académicos y los periodistas musicales. Además, tuvo grandes conocimientos de pintura, escultura y literatura.
Lambert fue un niño prodigio que desde su más tierna infancia le inculcaron el aprecio por el arte y la literatura y a la edad de trece años ya escribía música orquestal y en la escuela completó una pequeña opereta.
En septiembre de 1922, ingresó en el Royal College of Music tras conseguir una beca. Estudió composición con Ralph Vaughan Williams, R. O. Morris y George Dyson, piano con Herbert Fryer (Lambert fue un excelente pianista) y dirección orquestal con Malcolm Sargent. Lambert desarrollaría un estilo musical que combinaría las influencias de compositores franceses como Debussy, Satie y Les Six con el neoclasicismo de Stravinski (formó parte de la generación que introdujo el neoclasicismo en las Islas Británicas; Walter Leigh también formó parte de esa generación) y el jazz.
Una vez graduado, Lambert tuvo un estilo de vida bohemia: se rodeaba de jóvenes intelectuales brillantes, asistía a fiestas de estilo americano y clubes de jazz, conducía autos rápidos, se iba de vacaciones a La Riviera francesa, vestía sólo ropas caras, etcétera. Así fue como conoció a Peter Warlock y se convirtió en uno de los habituales de la casa donde este último organizaba sus fiestas y vivía junto a Moeran.
Durante la segunda mitad de la década de 1920, la fama de Lambert tuvo un ascenso meteórico, el cual culminó con la pieza que pueden escuchar arriba, la cual fue un éxito fenomenal en su época y, hasta el día de hoy, aún tiene presencia en el repertorio. Pero cuando parecía que Lambert sería la siguiente gran estrella de la música británica…
¿Por qué no tuvo más éxitos?: …fue cuando las cosas empezaron a torcerse.
Durante la década de 1930 su carrera se estancó: su obra empezó a ser considerada pasada de moda y sus deberes como empresario del ballet y director le robaban tiempo y energías a sus esfuerzos como compositor, dando como resultado una producción reducida. Él mismo llegó a considerarse un fracaso como compositor. Por esta época, en su función como crítico musical, se volvió violentamente contra el romanticismo elgariano y casi todo en los movimientos musicales del siglo XX (incluso su antes admirado Stravinski). Entre los pocos que se salvaban, en su opinión, estaban Sibelius, Bernard van Dieren y Busoni.
Sus años finales fueron marcados no sólo por su salud que se deterioró rápidamente (por las razones que se describen arriba) sino por una profunda depresión en la que cayó debido a una serie de reveses profesionales.
Como dato curioso, fue padre de Kit Lambert, empresario de música rock y manager de The Who.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Su obra es demasiado irregular y es la clase de compositor cuyos defectos son tan grandes como sus virtudes. No obstante, The Rio Grande no es la única obra que vale la pena conocer, como, por ejemplo…
¿Qué más hay para escuchar?: …su Concierto para piano y nueve instrumentos (1931)…
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Muchos consideran a Hartmann el más grande compositor alemán de la generación posterior a la de Hindemith y anterior a la de Henze y el más grande sinfonista alemán del siglo XX.
Nació en Múnich, el más joven de cuatro hermanos. Su padre era un pintor, sus tres hermanos se convirtieron en pintores y él mismo pudo haberse convertido en pintor también, pero empezó a componer después de ver la ópera Der Freischütz de Weber. Fue muy afectado por su participación en los eventos de la fallida Revolución Obrera en Baviera que siguió al colapso del imperio alemán al final de la Primera Guerra Mundial y toda su vida sería un socialista idealista.
En la Academia de Múnich en la década de 1920, Hartmann estudió con Joseph Haas, un discípulo de Max Reger, y después estímulo y ánimo intelectuales del director Hermann Scherchen, un aliado de la Segunda Escuela de Viena, con quien tuvo una relación mentor-protegido de toda la vida. Durante la Segunda Guerra Mundial, y a pesar de ser ya un compositor bastante experimentado, estudió un curso en privado con Anton Webern, con quien a menudo entraba en conflicto a nivel personal y político, pero, no obstante, sintió que se benefició del perfeccionismo de Webern.
Escribió óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical empezó como una mezcla entre el romanticismo tardío de Reger, Bruckner y Mahler, el jazz e influencias extramusicales como la Nueva Objetividad y las pinturas dadaísta, futurista y expresionista. A esto eventualmente añadió influencias del neoclasicismo de Igor Stravinski y Paul Hindemith, de Béla Bartók y Zoltán Kodály (con quienes estableció una relación cercana en la década de 1930), del dodecafonismo de Schönberg en la década de 1940 (aunque esta siempre sería una influencia menor comparada con otras) y, en la década de 1950, de las técnicas métricas de Boris Blacher y Elliott Carter. Sus obras podían ser satíricas y/o comprometidas políticamente.
Con el ascenso de los Nazis, voluntariamente se retiró por completo de la vida musical en Alemania y se negó a que sus obras fuesen publicadas y representadas, lo que ha llegado a ser conocido como “exilio interior”. De hecho, fue el único compositor importante que adoptó una postura de disidencia activa al mismo tiempo que permanecía en el país. Fue condenado por el régimen, pero ganó fama a nivel internacional. También, durante un tiempo, se escondió y escondió sus partituras.
¿Qué salió mal?: Aunque a otros les ha ido considerablemente peor, Hartmann no es grabado ni representado con la frecuencia que se merece. La situación es un poco mejor en Alemania que a nivel internacional.
Tras la Segunda Guerra Mundial, debido a que fue uno de los pocos antifascistas que sobrevivieron y a que nunca colaboró ni llegó a compromisos con el régimen Nazi[1], fue una de las pocas personas en las que los Aliados confiaron para otorgarles una posición de responsabilidad, por lo cual se convirtió en una figura vital para reconstruir la vida cultural de Alemania occidental. Quizá su logro más notable fue la serie de conciertos “Musica Viva”, que fundó y organizó durante el resto de su vida en Múnich. Comenzaron en noviembre de 1945 y reintrodujeron el repertorio del siglo XX al público alemán, el cual había sido prohibido en 1933 por los Nazis. Hartmann también proveyó una plataforma para la música de compositores jóvenes de finales de la década de 1940 y principios de la década de 1950 y ayudó a establecer figuras tales como Hans Werner Henze, Luigi Nono, Luigi Dallapiccola, Carl Orff, Iannis Xenakis, Olivier Messiaen, Luciano Berio, Bernd Alois Zimmermann y muchos otros. Hartmann también involucró a escultores y artistas tales como Jean Cocteau, Le Corbusier y Joan Miró en exhibiciones de “Musica Viva”.
A pesar de la importancia de esto, dichos deberes administrativos absorbieron tanto de su tiempo y energía que no le quedaba mucho para la composición y dejó muchas piezas inacabadas a su muerte. Hartmann era un compositor muy autocrítico y perfeccionista y, durante esta época, suprimió muchas de sus obras anteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, a veces sólo retirándolas de la circulación, a veces destruyéndolas y reciclando por lo menos parte de su material en nuevas piezas, a veces revisándolas para actualizar sus mensajes políticos cuando estos quedaban anticuados. Todo esto da como resultado un catálogo reducido, lo que tampoco ayuda.
Tras su prematura muerte debido a un cáncer de estómago, muy pocos directores importantes de Alemania occidental promovieron su música. Scherchen, su defensor más notable, murió en 1966. Se especula que esto se debe a que muchos de esos directores (como Herbert von Karajan y Karl Böhm), en diversos grados, tuvieron conexiones con los Nazis, por lo cual veían a Hartmann y a su música con contenidos políticos de izquierdas como un anatema. Entre los directores que sí interpretaron con regularidad la música de Hartmann se encuentran Rafael Kubelik, Ferenc Fricsay, Ferdinand Leitner, y más recientemente, Ingo Metzmacher, Leon Botstein y Mariss Jansons.
Por último, murió precisamente en el momento en el que la generación de Boulez, Stockhausen y Berio alcanzó su madurez y, con su rechazo violento de cualquier cosa conectada con el pasado, lo dejó eclipsado.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Su obra más interpretada y grabada es su Concerto funebre (1939, revisado en 1959) para violín y orquesta de cuerdas…
Pero su aportación más importante son sus ocho sinfonías:
Notas:
[1] Vale la pena señalar que Hartmann sólo pudo lograr esto porque su esposa venía de una familia adinerada, la cual lo apoyó durante esos años.
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Hubo muchos compositores que murieron en las dos guerras mundiales, aunque los que murieron en la Primera Guerra Mundial son los que atraen toda la atención: el inglés George Butterworth (1885 – 1916), el australiano Frederick Septimus Kelly (1881 – 1916) y el alemán Rudi Stephan (1887 – 1915) murieron en batalla, el francés Albéric Magnard (1865 – 1914) murió defendiendo una propiedad suya de los invasores alemanes (lo que lo convirtió en un héroe nacional) y el español Enrique Granados (1867 – 1916) murió cuando el barco en el que regresaba a España de un recital en Norteamérica fue hundido por un submarino alemán.
Pero, en mi opinión, son los compositores que murieron durante la Segunda Guerra Mundial los verdaderamente interesantes, como el nombre que les traigo hoy: Walter Leigh.
Su primer profesor fue Harold Darke, con quien trabajó desde la edad de ocho hasta la de diecisiete. Asistió al Christ’s College, Cambridge, donde estudió composición con Cyril Rootham y se graduó en 1926. Después estudió dos años con Paul Hindemith.
Su obra es reducida: escribió una ópera cómica, una opereta, pantomimas, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano y vocal. Su estilo combina la influencia de Paul Hindemith con la de Maurice Ravel.
Murió en combate en Tobruk, Libia.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Leigh tiene algo parecido a una obra famosa. Es su Concertino para clavecín (o piano) y orquesta de cuerdas (1934):
También pueden probar la Obertura Agincourt (1934):
…y la música incidental para las comedias Las ranas (1936) de Aristófanes:
…y Sueño de una noche de verano (1936) de William Shakespeare:
Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.
¿En qué país es famoso?: Nigeria.
¿Quién es?: Olufela “Fela” Obafunmilayo Sowande fue hijo de Emmanuel Sowande, un sacerdote y pionero de la música litúrgica nigeriana. De niño cantó en el coro de la Iglesia Catedral de Cristo. Estudió en la Escuela de Gramática C. M. S. y el King’s College de Lagos. La influencia de su padre y el Dr. T. K. Ekundayo Phillips (compositor, organista y maestro de coro) fue un factor importante en su infancia. A través de Phillips, Sowande fue expuesto por primera vez a la música litúrgica europea como la de Bach y Rheinberger.
En 1934, Sowande fue a Londres para estudiar ingeniería civil. No obstante, para ayudar a pagar sus estudios, empezó a tocar el piano en clubes de jazz de Londres. Eventualmente, cambió la ingeniería por la música, colaboró con varios jazzistas famosos y formó su propio septeto de jazz. Después, estudió órgano en privado con Edmund Rubbra, George Oldroyd y George Cunningham.
Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como asesor musical para la Colonial Film Unit del Ministerio de Información principalmente firmando música de fondo para filmes educativos y dio conferencias para la BBC Africa Service.
Desde 1945 hasta 1952, fue organista y maestro de coro para la West London Mission de la Iglesia Metodista. En 1952, Sowande regresó a Nigeria y trabajó con la radio nigeriana y dio clases en la universidad. En 1962 viajó a los Estados Unidos gracias a una beca de la Fundación Rockefeller. Dio clases en la Universidad Howard de Washington D.C., en la Universidad de Pittsburgh y en la Universidad Estatal de Kent, Ohio, hasta su retiro en 1982.
Sowande comenzó a componer mucho más tarde que la mayoría de los compositores, sus primeras obras serias alrededor de los 40 años, y más o menos abandonó la composición alrededor de 1960 y se movió hacia la enseñanza y la etnomusicología. Su estilo musical combina las influencias de la música litúrgica anglicana, el Romanticismo europeo y el Pastoralismo, por un lado, y el jazz y diversos géneros de la música popular de África occidental, por el otro. Escribió música orquestal, para piano, para órgano, vocal y coral (mayormente “a cappella”). Las de este último género todavía son bastante populares en su país natal.
Es considerado el padre de la música “artística” moderna en Nigeria y el más famoso a nivel internacional de todos los compositores africanos de música clásica.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Es difícil escribir sobre la música de Sowande porque mucho de su obra sigue inédita o está fuera de circulación. No obstante, esta Suite africana (1945) para orquesta de cuerdas recibe los elogios más entusiastas en las redes sociales:
¿Quién es?: Winterberg comenzó sus lecciones de música a la edad de nueve con la pianista de conciertos Therèse Wallerstein. Continuó sus estudios con Fidelio F. Finke, Alexander Zemlinsky y Alois Hába y tuvo entre sus compañeros de clases a Gideon Klein y Viktor Ullmann.
¿Por qué no es más famoso?: En vida, su carrera tuvo que lidiar con obstáculos como los traumas psicológicos que sufrió por ser un sobreviviente de un campo de concentración Nazi, su difícil vida personal (se casó cuatro veces y ninguno de sus matrimonios fue muy feliz que digamos; también tuvo problemas con sus hijos) y el que, aunque era una persona muy poco interesada en la política, se vio arrastrado a los vaivenes políticos de la Europa central de la Guerra Fría.
Tras su muerte, el problema han sido que el hijastro de Winterberg vendió los derechos de su obra con la condición de que se le pondría un embargo que duraría hasta el año 2031. El nieto de Winterberg, junto al nieto de Schönberg (por alguna razón), lograron apelar estas condiciones en 2015 y, desde esa fecha, poco a poco la obra de Winterberg ha ido saliendo a la luz.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: En primer lugar, tan poco de la obra de Winterberg está disponible para su evaluación que, por el momento, no se puede hacer un dictamen con justicia acerca del valor de esta. En segundo lugar, lo poco que se ha escuchado, hasta ahora, revela un compositor muy irregular, que tenía resultados más consistentes en la música de cámara que en la música orquestal. Aunque, claro, cuando acertaba, acertaba a lo grande, como en la pieza que les traigo hoy.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Su madre era una conocida pianista y profesora y el joven Seiber ganó considerable habilidad con ese primer instrumento. A la edad de diez, comenzó a aprender a tocar el violonchelo. Tras asistir a la escuela de gramática, donde era considerado “sobresaliente” en matemáticas y latín, estudió violonchelo y composición desde 1918 hasta 1925 y composición con Zoltán Kodály desde 1921 hasta 1925. Kodály y Seiber serían amigos de toda la vida (Seiber también sería amigo de Ligeti). Seiber viajó por Hungría con Zoltán Kodály estudiando canciones folclóricas y expandiendo la investigación de Kodály con Béla Bartók. También desarrolló un interés por el canto llano medieval.
En 1928 se convirtió en director del departamento de jazz en el Conservatorio Hoch de Frankfurt, el cual ofreció los primeros cursos académicos de jazz de la historia. Después que el departamento de jazz fuese cerrado por los Nazis en abril de 1933, Seiber dejó Alemania. Regresó a Hungría y en 1935 emigró a Inglaterra y se estableció en Londres. Sólo se convirtió en ciudadano británico después de la guerra. Seiber enseñó composición y violonchelo en privado al mismo tiempo que trabajaba como asesor para la subsidiaria de Schott Music en Londres y componía música para el cine. Michael Tippett lo invitó al Morley College y desde 1942 trabajó allí como profesor de composición, estética musical y teoría musical. Allí amasó una lista larga de estudiantes prestigiosos y forjó amistades y asociaciones profesionales con muchos solistas famosos.
Publicó más de 80 obras: dos ballets, música orquestal, de cámara, vocal, coral y bandas sonoras para el cine. Su estilo originalmente era muy deudor de Bartók y su maestro, Kodály, pero con el tiempo, se convirtió en un compositor que, sin previo aviso, podía saltar entre ese estilo y otras influencias como el serialismo, la música influenciada por el jazz y la música ligera y la música influenciada por el canto llano medieval y las canciones folclóricas de diversas regiones de Europa. Muchas de sus obras tienen un sentido del humor emparentado con el de Stravinski y Les Six. A menudo, piezas individuales usaban una combinación de estas influencias. También publicó jazz y música popular con seudónimos como G. S. Mathis o George Mathis.
Murió trágicamente en un accidente de tránsito en Sudáfrica, adonde había ido a dar una serie de conferencias. Tanto Kodály como Ligeti compusieron obras lamentando su muerte.
¿Por qué no es más famoso?: Ese es el problema cuando un compositor es impredecible e inclasificable; es muy difícil vender su música.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Serenata (1925) para seis instrumentos de viento…
…su Concertino (1951) para clarinete y orquesta de cuerdas:
…y sus Cuatro Canciones Folclóricas Francesas (1959) para voz alta y guitarra:
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Nació en una familia de la nobleza italiana con raíces españolas por parte de su madre. Recibió una educación que él mismo llamó “medieval”: un tutor privado le enseñó latín, ajedrez y esgrima. Estudió música con Giacinto Sallustio en Roma y luego con Walter Klein, un discípulo de Schönberg, en Viena. También estudió con un discípulo de Skriabin en Suiza. En su juventud frecuentó la casa de Respighi en Roma y fue un entusiasta de Luigi Russolo. Se convirtió en uno de los primeros adeptos italianos del dodecafonismo. Su estilo musical era originalmente una mezcla del dodecafonismo de Berg con el contrapunto de J. S. Bach, enriquecido con influencias tan diversas como Russolo, Skriabin y Bartók.
A finales de la década de 1940 sufrió una profunda crisis psicológica, en parte debido a que su esposa se divorció de él. Durante su internamiento en un hospital psiquiátrico se la pasaba tocando durante horas seguidas una sola nota (un la bemol); esta fue la génesis de su estilo de la segunda mitad de su vida, en el que una sola nota es alterada por el tratamiento de sus armónicos e inflexiones microtonales, tímbricas, dinámicas, de volumen, de densidad, de tempo o de octava. Este estilo lo convierte en precursor del espectralismo y el experimentalismo estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. De hecho, conoció y fue amigo, colaborador y mentor de muchos de los representantes de ambos movimientos. El famoso Ennio Morricone también fue admirador suyo.
Hizo numerosos viajes a Oriente (visitó la India y algunos dicen que llegó hasta el Tíbet), en los que descubrió la espiritualidad y la música orientales, aunque su primer contacto con culturas no europeas fue en un viaje a Egipto en 1927. Se metió en el yoga y el misticismo de Helena Blavatsky, G. I. Gurdjieff y Sri Aurobindo. Sus obras empezaron a utilizar títulos en latín, griego antiguo, egipcio, asirio, sánscrito, maya y hasta palabras de origen desconocido. Terminó rechazando toda noción de “composición” y “autor” en favor de la improvisación; incapaz física y psicológicamente de transcribir sus improvisaciones, las grababa en cinta magnética y las confiaba a copistas. Así se formó alrededor de Scelsi un círculo privado de asistentes e intérpretes con los que colaboró estrechamente. Esta manera de proceder ha hecho que muchos afirmen que Scelsi no era el autor de sus obras (el compositor Vieri Tosatti, unos de sus antiguos colaboradores, en particular, ha sido muy vocal a la hora de afirmar que él es el verdadero autor de su obra). Scelsi llegó a ver la creación artística como un medio para comunicar una realidad más elevada y trascendental al oyente. Desde ese punto de vista, el artista se considera un mero intermediario y Scelsi creía ser un mensajero de los dioses hindúes. Por este motivo llegó a negarse a que lo fotografiaran y a que se distribuyera su imagen y prefirió identificarse con un círculo con una línea debajo, un símbolo zen.
¿Por qué no es más famoso?: Scelsi era demasiado iconoclasta como para conseguir otra cosa que la hostilidad de los otros compositores y la indiferencia del gran público. Fue sólo en la década final de su vida que su obra fue “descubierta” por una generación de jóvenes compositores y hoy en día tiene cierta popularidad de culto entre los aficionados a la música postmoderna.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con este par de piezas…
Hay un nombre con el que este compositor es comparado con frecuencia y ese es Shostakóvich. Y la comparación no es gratuita: tenían edades muy similares, asistieron al mismo conservatorio, tuvieron muchos de los mismos profesores, sus obras tienen muchas de las mismas influencias, ambos compositores se admiraron entre sí y fueron amigos personales. En la Unión Soviética muchos consideraban a Popov como “el hermano gemelo perdido” de Shostakóvich… sólo que, también, muchos consideraban que Popov era el más prometedor de los dos.
Su Septeto o Sinfonía de cámara de 1927 atrajo la atención internacional y su primera sinfonía (estrenada en 1935) hizo que fuese proclamado como una de las grandes promesas de la música soviética.
¿Qué salió mal?: Su primera sinfonía también tiene el dudoso honor de ser la primera sinfonía censurada por el régimen soviético. Seguro que pueden adivinar lo que viene a continuación: Popov fue uno de los muchos artistas e intelectuales perseguidos y amenazados por el régimen.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Para evitar terminar en un gulag, Popov bajó la cabeza y sumisamente se dedicó a escribir música que seguía las directrices del realismo socialista y elogiaba al Partido y a los héroes del Comunismo o bandas sonoras para el cine (algo que a los censores del régimen les parecía inofensivo). No lo culpo por esto: no podemos pedirles a todos los compositores que tuviesen unas bolas como las de Shostakóvich, quien siguió firmando la música que le venía en gana sin importarle las amenazas del régimen soviético (tú no estuviste allí y no sabes cómo habrías reaccionado en la misma situación). También, para lidiar con la opresión, Popov terminó entregándose a la bebida… aunque también tenga que ver con eso el hecho de que él era ruso… De nuevo, no lo culpo: no todos van a poder conservar su creatividad bajo los efectos del alcohol.
Popov completó dos óperas y dejó inacabada una tercera y escribió bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal.
Esta primera sinfonía nos da una muestra del prometedor talento que fue arruinado.
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: A diferencia de muchos compositores que nacieron en ambientes extremadamente musicales, los primeros años de la vida de Dallapiccola fueron pocos auspiciosos para un futuro compositor. Nació en una pequeña ciudad de Istría, por entonces parte del Imperio Austrohúngaro y hoy en día parte de Croacia, y las disputas políticas por la región hicieron que su familia tuviese que mudarse con frecuencia y su padre era el director de una escuela en lengua italiana, la única de la ciudad, que fue cerrada al inicio de la Primera Guerra Mundial. Su familia fue declarada políticamente subversiva y recluida en Graz, Austria, donde Dallapiccola ni siquiera tenía acceso a un piano, aunque asistía a la ópera local; las representaciones que vio allí de Mozart, Weber y, más que ningún otro, Wagner fueron lo que cementó su deseo de convertirse en compositor.
Cuando regresó a su ciudad natal después de la guerra, viajó con frecuencia y terminó estudiando piano en el Conservatorio de Florencia, armonía y contrapunto con Roberto Casiraghi y Corrado Barbieri y composición con Vito Frazzi.
Al principio fue un seguidor de Claude Debussy, Maurice Ravel, Ferruccio Busoni y Béla Bartók hasta que cayó bajo la influencia de la Segunda Escuela de Viena. Fue el primer italiano en componer dentro del dodecafonismo y el serialismo y, por sus esfuerzos por reconciliar el dodecafonismo con el tipo de lirismo que normalmente sólo se asocia con la música tonal, uno de los críticos que consulté llama a su música “serialismo para gente odia el serialismo”. Escribió cuatro óperas, un ballet, música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral.
¿Por qué no es más famoso?: La entrada en la Wikipedia para Dallapiccola dice que su ópera de 1948, Il prigioniero, lo puso en el ojo público y lo que yo me pregunto es ¿dónde? Pues, si uno ha de creer en artículos como ese, Dallapiccola se hizo famoso en todas partes, menos con el público. Las únicas explicaciones que se me ocurren es que Dallapiccola tuvo que llevar el sambenito de ser el primer serialista italiano (un género que, en su época, era muy mal visto en ese país y que ha llevado a que muchos, hasta el día de hoy, lo juzguen como un pálido imitador de la Segunda Escuela de Viena) y el que no tuviese el más mínimo interés en satisfacer los gustos del público, en su lugar prefirió seguir desarrollando su estilo personal.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus Canti di prigionia (1938-41)…
