Elisabeth Lutyens (1906 - 1983)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Es considerada el primer compositor británico en haber trabajado con el dodecafonismo y el serialismo.

Desde los nueve años ella decidió que iba a convertirse en compositora. Su infancia fue un tanto inusual: su madre, una aristócrata inglesa, estaba muy involucrada con el Movimiento Teosófico y desde 1911 un joven Jiddu Krishnamurti vivió en la casa en Londres de los Lutyens como un amigo de Elisabeth y sus hermanas. La vida familiar estuvo marcada por el conflicto entre las personalidades fuertes de sus padres. Recibió lecciones de violín, piano y composición. Su tía, Constance Lytton, una sufragista y una talentosa pianista, cuyo tutor había sido instruido por uno de los estudiantes de Clara Schumann, le presentó las obras de Robert Schumann. A la edad de 15 creó sus primeros intentos de música de cámara y un año después el concepto para un primer ballet. En 1922, Lutyens estudió en París en la École Normale de Musique y vivió con el compositor teosófico Marcelle de Manziarly, quien fue a su vez estudiante de Nadia Boulanger. En 1923 acompañó a su madre a una gira por los principales centros teosóficos del mundo en Austria, Italia, India y Australia. A su regreso a Europa se volvió radicalmente contra la Teosofía y todas las religiones y estudió con John Foulds, primero, y después, entre 1926 y 1930, en el Royal College of Music como discípula de Harold Drake (composición) y Ernest Tomlinson (viola).

Lutyens firmó más de 150 números de opus en los géneros de música para los escenarios, orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral, además de sus innumerables bandas sonoras para el cine (prácticamente fue la “maestra de capilla” de la Hammer y su rival, la Amicus), la radio y la televisión. Su estilo empezó en el romanticismo tardío, pasó a experimentos con el neoclasicismo y terminó, en sus obras más representativas de su personalidad madura, en algo que creo que fue descrito con precisión por el crítico que lo llamó “Debussy reinventado a través del serialismo de Webern” (aunque ella afirmó en cartas a Stravinski y a William Alwyn que inventó el serialismo independientemente antes de ver una sola nota de Webern a través de su estudio de Henry Purcell). Fue gran admiradora de Debussy y Stravinski (y la admiración era mutua: cuenta la leyenda que una vez, para felicitarla por una de sus obras, el ruso la abrazó y gritó “¡esa es la música que me gusta!”), fue amiga de Luigi Dallapiccola y desaprobaba a Mahler y a compositores similares.

Lutyens tuvo una vida difícil: fumaba y bebía demasiado, durante su estadía en París empezó a padecer problemas de depresión que la acompañarían toda su vida y que la llevarían a sufrir varias crisis mentales (llegó a estar recluida en una institución de salud mental), su primer matrimonio fue infeliz y terminó en divorcio, con su segundo esposo parrandeaba en exceso y en sus últimos años de vida sufrió de artritis en las manos y adicción a las tabletas (antidepresivos, tranquilizantes, barbitúricos y esteroides), lo que la limitó seriamente como compositora.

¿Por qué no es más famosa?: En primer lugar, es otro de esos compositores cuya música no es accesible ni para los intérpretes ni para el público.

En segundo lugar, ella fue víctima de su propia condición de pionera: entró demasiado pronto para que su estilo serial fuera popular y, cuando las vanguardias del continente finalmente triunfaron en las Islas Británicas, pasó a resultar anticuado.

En tercer lugar, ella se volvió infame por su violento rechazo de la Escuela Pastoral (a la que llamaba “escuela de boñigas”), en general, y a compositores como Ralph Vaughan Williams, Gustav Holst, John Ireland y Arnold Bax, en particular. Y dado que estos son algunos de los compositores y de la música más amados en la historia de Inglaterra, eso no le sentó bien a mucha gente.

También, su segundo esposo, Edward Clark (un director y productor que había estudiado con Schönberg), renunció de la BBC en 1936 de mala manera. Él estuvo prácticamente desempleado desde 1939 hasta su muerte en 1962. Lutyens se metió en el pleito entre la BBC y su esposo y esto afectó sus posibilidades profesionales. Además, se involucró en una batalla legal con Benjamin Frankel, quien también tenía sus conexiones con la BBC.

Para pagar las cuentas fue que ella empezó a componer bandas sonoras. Lutyens, por lo general, no tomaba en serio sus bandas sonoras porque le resultaban demasiado parecidas a su odiada Escuela Pastoral (aunque le gustó el título de “Reina del Horror”); estas la convirtieron en otra víctima del problema con los compositores de bandas sonoras.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con todo esto…

Grace Williams (1906 - 1977)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famosa?: Gales.

¿Quién es?: Es considerada la más notable compositora galesa, la responsable de la primera sinfonía galesa y la primera británica en componer la banda sonora para un filme.

Ambos de sus padres fueron profesores y su padre fue su primer profesor de música. Aprendió piano y violín de niña, tocaba tríos con piano con su padre y su hermano y acompañaba el coro de su padre. En la escuela local comenzó a desarrollar un interés en la composición guiada por su profesora de música, la señorita Rhyda Jones, y en 1923 ganó una beca para la University College of South Wales and Monmouthshire (hoy en día Universidad de Cardiff), donde estudió con el profesor David Evans. En 1926 comenzó a estudiar en el Royal College of Music, Londres, con Gordon Jacob y Ralph Vaughan Williams (a quien apodó “Tío Ralph”). En 1930 ganó una beca que le permitió estudiar con Egon Wellesz en Viena, donde residió hasta 1931.

Desde 1932 dio clases de música en Londres, pero durante y después de la Segunda Guerra Mundial experimentó depresión y otros problemas de salud relacionados con el stress. Los doctores le recomendaron que regresara a su pueblo natal, lo cual hizo en 1947; permaneció allí por el resto de su vida y más o menos se dedicó a la composición a tiempo completo.

Ella tardó mucho más que otros compositores en alcanzar su madurez musical pues esto sólo sucedería hasta mediados de la década de 1950. Su estilo musical combina la Escuela Pastoral de su maestro, Vaughan Williams, con una evocación del paisaje, los sonidos del mar, la poesía, la música folclórica y la historia galeses, con la influencia, a través de Egon Wellesz, de Wagner, Richard Strauss y Mahler. Escribió una ópera, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, vocal y coral.

No obstante la calidad de su obra madura, incluso dentro de la propia Gales, Grace Williams es famosa por sólo un puñado de piezas. Por tres décadas después de su muerte, su nombre cayó en el olvido, probablemente por una combinación de seguir aferrada a la Escuela Pastoral cuando las vanguardias musicales de la segunda mitad del siglo XX finalmente penetraron las Islas Británicas y el que la propia compositora fuese muy autocrítica, lo que llevó a que copiosas cantidades de su música, hasta el día de hoy, sigan sin publicar y sin estrenar. Esto cambió en 2006, cuando la BBC conmemoró el centenario de su nacimiento, lo cual hizo que su obra empezara a tener algo de difusión internacional.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Missa Cambrensis (1971), que algunas de las fuentes que consulté consideran una de las más grandes obras corales del siglo XX…

William Alwyn (1905 - 1985)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Desde su infancia mostró un gran interés por la música y comenzó a aprender a tocar el flautín con músicos locales. Firmó su primera composición a la edad de ocho. A la edad de quince, entró en la Real Academia de Música de Londres, donde estudió flauta, piano y composición.

Su estilo musical empezó como una mezcla entre la Escuela Pastoral y el neoclasicismo de Stravinski para, durante los años de la Segunda Guerra Mundial, evolucionar en un neorromanticismo (él mismo se consideraba un romántico que nació cien años tarde) que empleaba un sistema alternativo al dodecafonismo. Fue un compositor muy prolífico: escribió más de 200 bandas sonoras (setenta de las cuales son para largometrajes y la música que compuso para documentales durante la Segunda Guerra Mundial fue considerada tan importante para subirle la moral a las tropas inglesas que los Nazis lo pusieron en su lista negra) junto con música para los escenarios (cuatro óperas y un ballet pantomima), música orquestal, música de cámara, música para piano y para otros instrumentos, música vocal y coral.

No obstante, destruyó montones de obras anteriores a 1939…

…porque las declaró “obras de juventud” a las que les faltaba seguridad y técnica y muchas de las partituras de sus bandas sonoras se perdieron o sobreviven sólo como borradores fragmentarios…

…aunque algunas han sido reconstruidas por Philip Lane o Christopher Palmer a partir de las bandas sonoras de las películas mismas…

En 1960 sufrió una crisis que lo hizo abandonar la composición de bandas sonoras.

Además de compositor, fue un escritor de poemas, ensayos y ficción, un traductor de poesía francesa, un pintor y una autoridad en cuanto a pintura prerrafaelista y un políglota.

¿Por qué no es más famoso?: Fue eclipsado por Vaughan Williams, Walton, Britten y Tippett. Además, sufrió por el problema con los compositores de bandas sonoras.

¿Cómo empezar a conocer su música?: Con sus cinco sinfonías…

…y su concierto para arpa y orquesta de cuerdas, Lyra Angelica (1954):

Curiosidades históricas: The Rio Grande (1927)

¿Quién lo compuso?: Constant Lambert (1905 – 1951).

¿A qué categorías habría pertenecido?: One-hit-wonders que hicieron mucho más.

¿Quién es?: Junto con Ninette de Valois y Frederick Ashton, fue uno de los fundadores del ballet clásico inglés, en su mejor época fue considerado EL compositor inglés de ballets y fue uno de los responsables de popularizar la tendencia de crear ballets con música que originalmente no tenía esa intención (como las sonatas de Scarlatti y música de Couperin, Mozart, Schubert, Meyerbeer y Liszt, entre otros). Fue el primero de sólo dos compositores ingleses a los cuales los Ballets Rusos de Diaghilev le representaron una obra y, a la muerte de dicho empresario, se pensó que él se convertiría en el siguiente Diaghilev. Fue uno de los primeros compositores “serios” en comprender la importancia del jazz y proclamó que “Mood Indigo” de Duke Ellington era una absoluta obra maestra. Casi todos los que trataron personalmente con él lo describen como un genio absoluto o, por lo menos, como la personalidad más interesante que alguna vez hubiesen conocido, pero también, por su labor como un crítico musical beligerante con una pluma feroz, ganó numerosos enemigos entre los académicos y los periodistas musicales. Además, tuvo grandes conocimientos de pintura, escultura y literatura.

Lambert fue un niño prodigio que desde su más tierna infancia le inculcaron el aprecio por el arte y la literatura y a la edad de trece años ya escribía música orquestal y en la escuela completó una pequeña opereta.

En septiembre de 1915, Constant ingresó en el colegio Christ’s Hospital de Horsham. Apenas terminado su primer año allí, fue ingresado en la enfermería del colegio, aquejado de una osteomielitis complicada con una septicemia estreptocócica. La infección se extendió hasta su oído derecho, su rodilla derecha y su tobillo izquierdo, los cuales tuvieron que ser intervenidos quirúrgicamente. Lo llevaron a Margate, donde la recuperación duró seis meses y medio. Constant volvió a casa en abril de 1917, pero pasó otro año completo antes que pudiera volver al colegio y perdió en total cinco trimestres. Por si fuera poco, seis meses más tarde tuvo que volver a ser operado, esta vez por una apendicitis. En total, se le practicaron seis operaciones. Como secuela de todos estos problemas de salud, Lambert cojeó de su pierna derecha y quedó parcialmente sordo de su oído derecho por el resto de su vida. También, estas largas ausencias afectaron su relación con sus compañeros, circunstancia agravada por la imposibilidad para practicar deportes como el cricket y el futbol. No es sorpresa que desarrollara una profunda desconfianza de los médicos, lo cual llevó a su muerte prematura debido a una neumonía combinada con una diabetes sin diagnosticar, agravadas por el estilo de vida desordenado de Lambert (él era mujeriego, borracho y fumador, trabajaba hasta altas horas de la noche y comía irregularmente).

En septiembre de 1922, ingresó en el Royal College of Music tras conseguir una beca. Estudió composición con Ralph Vaughan Williams, R. O. Morris y George Dyson, piano con Herbert Fryer (Lambert fue un excelente pianista) y dirección orquestal con Malcolm Sargent. Lambert desarrollaría un estilo musical que combinaría las influencias de compositores franceses como Debussy, Satie y Les Six con el neoclasicismo de Stravinski (formó parte de la generación que introdujo el neoclasicismo en las Islas Británicas; Walter Leigh también formó parte de esa generación) y el jazz.

Una vez graduado, Lambert tuvo un estilo de vida bohemia: se rodeaba de jóvenes intelectuales brillantes, asistía a fiestas de estilo americano y clubes de jazz, conducía autos rápidos, se iba de vacaciones a La Riviera francesa, vestía sólo ropas caras, etcétera. Así fue como conoció a Peter Warlock y se convirtió en uno de los habituales de la casa donde este último organizaba sus fiestas y vivía junto a Moeran.

Durante la segunda mitad de la década de 1920, la fama de Lambert tuvo un ascenso meteórico, el cual culminó con la pieza que pueden escuchar arriba, la cual fue un éxito fenomenal en su época y, hasta el día de hoy, aún tiene presencia en el repertorio. Pero cuando parecía que Lambert sería la siguiente gran estrella de la música británica…

¿Por qué no tuvo más éxitos?: …fue cuando las cosas empezaron a torcerse.

The Rio Grande creó unas expectativas estilísticas que impidieron la buena acogida de sus siguientes obras. Aunque tendría un par de éxitos menores, la increíble popularidad de The Rio Grande no volvería a repetirse.

Durante la década de 1930 su carrera se estancó: su obra empezó a ser considerada pasada de moda y sus deberes como empresario del ballet y director le robaban tiempo y energías a sus esfuerzos como compositor, dando como resultado una producción reducida. Él mismo llegó a considerarse un fracaso como compositor. Por esta época, en su función como crítico musical, se volvió violentamente contra el romanticismo elgariano y casi todo en los movimientos musicales del siglo XX (incluso su antes admirado Stravinski). Entre los pocos que se salvaban, en su opinión, estaban Sibelius, Bernard van Dieren y Busoni.

Sus años finales fueron marcados no sólo por su salud que se deterioró rápidamente (por las razones que se describen arriba) sino por una profunda depresión en la que cayó debido a una serie de reveses profesionales.

Como dato curioso, fue padre de Kit Lambert, empresario de música rock y manager de The Who.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Su obra es demasiado irregular y es la clase de compositor cuyos defectos son tan grandes como sus virtudes. No obstante, The Rio Grande no es la única obra que vale la pena conocer, como, por ejemplo…

¿Qué más hay para escuchar?: …su Concierto para piano y nueve instrumentos (1931)…

…y el ballet Horoscope (1937):

Karl Amadeus Hartmann (1905 - 1963)

Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.

La Gloria: Muchos consideran a Hartmann el más grande compositor alemán de la generación posterior a la de Hindemith y anterior a la de Henze y el más grande sinfonista alemán del siglo XX.

Nació en Múnich, el más joven de cuatro hermanos. Su padre era un pintor, sus tres hermanos se convirtieron en pintores y él mismo pudo haberse convertido en pintor también, pero empezó a componer después de ver la ópera Der Freischütz de Weber. Fue muy afectado por su participación en los eventos de la fallida Revolución Obrera en Baviera que siguió al colapso del imperio alemán al final de la Primera Guerra Mundial y toda su vida sería un socialista idealista.

En la Academia de Múnich en la década de 1920, Hartmann estudió con Joseph Haas, un discípulo de Max Reger, y después estímulo y ánimo intelectuales del director Hermann Scherchen, un aliado de la Segunda Escuela de Viena, con quien tuvo una relación mentor-protegido de toda la vida. Durante la Segunda Guerra Mundial, y a pesar de ser ya un compositor bastante experimentado, estudió un curso en privado con Anton Webern, con quien a menudo entraba en conflicto a nivel personal y político, pero, no obstante, sintió que se benefició del perfeccionismo de Webern.

Escribió óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical empezó como una mezcla entre el romanticismo tardío de Reger, Bruckner y Mahler, el jazz e influencias extramusicales como la Nueva Objetividad y las pinturas dadaísta, futurista y expresionista. A esto eventualmente añadió influencias del neoclasicismo de Igor Stravinski y Paul Hindemith, de Béla Bartók y Zoltán Kodály (con quienes estableció una relación cercana en la década de 1930), del dodecafonismo de Schönberg en la década de 1940 (aunque esta siempre sería una influencia menor comparada con otras) y, en la década de 1950, de las técnicas métricas de Boris Blacher y Elliott Carter. Sus obras podían ser satíricas y/o comprometidas políticamente.

Con el ascenso de los Nazis, voluntariamente se retiró por completo de la vida musical en Alemania y se negó a que sus obras fuesen publicadas y representadas, lo que ha llegado a ser conocido como “exilio interior”. De hecho, fue el único compositor importante que adoptó una postura de disidencia activa al mismo tiempo que permanecía en el país. Fue condenado por el régimen, pero ganó fama a nivel internacional. También, durante un tiempo, se escondió y escondió sus partituras.

¿Qué salió mal?: Aunque a otros les ha ido considerablemente peor, Hartmann no es grabado ni representado con la frecuencia que se merece. La situación es un poco mejor en Alemania que a nivel internacional.

Tras la Segunda Guerra Mundial, debido a que fue uno de los pocos antifascistas que sobrevivieron y a que nunca colaboró ni llegó a compromisos con el régimen Nazi[1], fue una de las pocas personas en las que los Aliados confiaron para otorgarles una posición de responsabilidad, por lo cual se convirtió en una figura vital para reconstruir la vida cultural de Alemania occidental. Quizá su logro más notable fue la serie de conciertos “Musica Viva”, que fundó y organizó durante el resto de su vida en Múnich. Comenzaron en noviembre de 1945 y reintrodujeron el repertorio del siglo XX al público alemán, el cual había sido prohibido en 1933 por los Nazis. Hartmann también proveyó una plataforma para la música de compositores jóvenes de finales de la década de 1940 y principios de la década de 1950 y ayudó a establecer figuras tales como Hans Werner Henze, Luigi Nono, Luigi Dallapiccola, Carl Orff, Iannis Xenakis, Olivier Messiaen, Luciano Berio, Bernd Alois Zimmermann y muchos otros. Hartmann también involucró a escultores y artistas tales como Jean Cocteau, Le Corbusier y Joan Miró en exhibiciones de “Musica Viva”.

A pesar de la importancia de esto, dichos deberes administrativos absorbieron tanto de su tiempo y energía que no le quedaba mucho para la composición y dejó muchas piezas inacabadas a su muerte. Hartmann era un compositor muy autocrítico y perfeccionista y, durante esta época, suprimió muchas de sus obras anteriores al final de la Segunda Guerra Mundial, a veces sólo retirándolas de la circulación, a veces destruyéndolas y reciclando por lo menos parte de su material en nuevas piezas, a veces revisándolas para actualizar sus mensajes políticos cuando estos quedaban anticuados. Todo esto da como resultado un catálogo reducido, lo que tampoco ayuda.

Tras su prematura muerte debido a un cáncer de estómago, muy pocos directores importantes de Alemania occidental promovieron su música. Scherchen, su defensor más notable, murió en 1966. Se especula que esto se debe a que muchos de esos directores (como Herbert von Karajan y Karl Böhm), en diversos grados, tuvieron conexiones con los Nazis, por lo cual veían a Hartmann y a su música con contenidos políticos de izquierdas como un anatema. Entre los directores que sí interpretaron con regularidad la música de Hartmann se encuentran Rafael Kubelik, Ferenc Fricsay, Ferdinand Leitner, y más recientemente, Ingo Metzmacher, Leon Botstein y Mariss Jansons.

Por último, murió precisamente en el momento en el que la generación de Boulez, Stockhausen y Berio alcanzó su madurez y, con su rechazo violento de cualquier cosa conectada con el pasado, lo dejó eclipsado.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Su obra más interpretada y grabada es su Concerto funebre (1939, revisado en 1959) para violín y orquesta de cuerdas…

Pero su aportación más importante son sus ocho sinfonías:

Notas:

[1] Vale la pena señalar que Hartmann sólo pudo lograr esto porque su esposa venía de una familia adinerada, la cual lo apoyó durante esos años.

Walter Leigh (1905 - 1942)

Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Hubo muchos compositores que murieron en las dos guerras mundiales, aunque los que murieron en la Primera Guerra Mundial son los que atraen toda la atención: el inglés George Butterworth (1885 – 1916) y el alemán Rudi Stephan (1887 – 1915) murieron en batalla, el francés Albéric Magnard (1865 – 1914) murió defendiendo una propiedad suya de los invasores alemanes (lo que lo convirtió en un héroe nacional) y el español Enrique Granados (1867 – 1916) murió cuando el barco en el que regresaba a España de un recital en Norteamérica fue hundido por un submarino alemán.

Pero, en mi opinión, son los compositores que murieron durante la Segunda Guerra Mundial los verdaderamente interesantes, como el nombre que les traigo hoy: Walter Leigh.

Su primer profesor fue Harold Darke, con quien trabajó desde la edad de ocho hasta la de diecisiete. Asistió al Christ’s College, Cambridge, donde estudió composición con Cyril Rootham y se graduó en 1926. Después estudió dos años con Paul Hindemith.

Su obra es reducida: escribió una ópera cómica, una opereta, pantomimas, música incidental, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano y vocal. Su estilo combina la influencia de Paul Hindemith con la de Maurice Ravel.

Murió en combate en Tobruk, Libia.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Leigh tiene algo parecido a una obra famosa. Es su Concertino para clavecín (o piano) y orquesta de cuerdas (1934):

También pueden probar la Obertura Agincourt (1934):

…y la música incidental para las comedias Las ranas (1936) de Aristófanes:

…y Sueño de una noche de verano (1936) de William Shakespeare:

Fela Sowande (1905 - 1987)

Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Nigeria.

¿Quién es?: Olufela “Fela” Obafunmilayo Sowande fue hijo de Emmanuel Sowande, un sacerdote y pionero de la música litúrgica nigeriana. De niño cantó en el coro de la Iglesia Catedral de Cristo. Estudió en la Escuela de Gramática C. M. S. y el King’s College de Lagos. La influencia de su padre y el Dr. T. K. Ekundayo Phillips (compositor, organista y maestro de coro) fue un factor importante en su infancia. A través de Phillips, Sowande fue expuesto por primera vez a la música litúrgica europea como la de Bach y Rheinberger.

En 1934, Sowande fue a Londres para estudiar ingeniería civil. No obstante, para ayudar a pagar sus estudios, empezó a tocar el piano en clubes de jazz de Londres. Eventualmente, cambió la ingeniería por la música, colaboró con varios jazzistas famosos y formó su propio septeto de jazz. Después, estudió órgano en privado con Edmund Rubbra, George Oldroyd y George Cunningham.

Durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó como asesor musical para la Colonial Film Unit del Ministerio de Información principalmente firmando música de fondo para filmes educativos y dio conferencias para la BBC Africa Service.

Desde 1945 hasta 1952, fue organista y maestro de coro para la West London Mission de la Iglesia Metodista. En 1952, Sowande regresó a Nigeria y trabajó con la radio nigeriana y dio clases en la universidad. En 1962 viajó a los Estados Unidos gracias a una beca de la Fundación Rockefeller. Dio clases en la Universidad Howard de Washington D.C., en la Universidad de Pittsburgh y en la Universidad Estatal de Kent, Ohio, hasta su retiro en 1982.

Sowande comenzó a componer mucho más tarde que la mayoría de los compositores, sus primeras obras serias alrededor de los 40 años, y más o menos abandonó la composición alrededor de 1960 y se movió hacia la enseñanza y la etnomusicología. Su estilo musical combina las influencias de la música litúrgica anglicana, el Romanticismo europeo y el Pastoralismo, por un lado, y el jazz y diversos géneros de la música popular de África occidental, por el otro. Escribió música orquestal, para piano, para órgano, vocal y coral (mayormente “a cappella”). Las de este último género todavía son bastante populares en su país natal.

Es considerado el padre de la música “artística” moderna en Nigeria y el más famoso a nivel internacional de todos los compositores africanos de música clásica.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Es difícil escribir sobre la música de Sowande porque mucho de su obra sigue inédita o está fuera de circulación. No obstante, esta Suite africana (1945) para orquesta de cuerdas recibe los elogios más entusiastas en las redes sociales:

Curiosidades históricas: Rhythmophonie (1967)

¿Quién lo compuso?: Hans o Hanuš Winterberg (1901 – 1991).

¿A qué categorías habría pertenecido?: Compositores de culto.

¿Quién es?: Winterberg comenzó sus lecciones de música a la edad de nueve con la pianista de conciertos Therèse Wallerstein. Continuó sus estudios con Fidelio F. Finke, Alexander Zemlinsky y Alois Hába y tuvo entre sus compañeros de clases a Gideon Klein y Viktor Ullmann.

Winterberg escribió tres ballets, música orquestal, de cámara, para piano, vocal, música para la radio y música ligera. A lo largo de su vida, él sería expuesto y caería bajo la influencia de Richard Wagner, Claude Debussy, la Segunda Escuela de Viena, Alois Hába (aunque nunca se sumaría a las filas ni del dodecafonismo ni de la microtonalidad), Alexander Zemlinsky, Béla Bartók, Leos Janacek, Igor Stravinski, Paul Hindemith y el jazz.

¿Por qué no es más famoso?: En vida, su carrera tuvo que lidiar con obstáculos como los traumas psicológicos que sufrió por ser un sobreviviente de un campo de concentración Nazi, su difícil vida personal (se casó cuatro veces y ninguno de sus matrimonios fue muy feliz que digamos; también tuvo problemas con sus hijos) y el que, aunque era una persona muy poco interesada en la política, se vio arrastrado a los vaivenes políticos de la Europa central de la Guerra Fría.

Tras su muerte, el problema han sido que el hijastro de Winterberg vendió los derechos de su obra con la condición de que se le pondría un embargo que duraría hasta el año 2031. El nieto de Winterberg, junto al nieto de Schönberg (por alguna razón), lograron apelar estas condiciones en 2015 y, desde esa fecha, poco a poco la obra de Winterberg ha ido saliendo a la luz.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: En primer lugar, tan poco de la obra de Winterberg está disponible para su evaluación que, por el momento, no se puede hacer un dictamen con justicia acerca del valor de esta. En segundo lugar, lo poco que se ha escuchado, hasta ahora, revela un compositor muy irregular, que tenía resultados más consistentes en la música de cámara que en la música orquestal. Aunque, claro, cuando acertaba, acertaba a lo grande, como en la pieza que les traigo hoy.

Mátyás Seiber (1905 - 1960)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Su madre era una conocida pianista y profesora y el joven Seiber ganó considerable habilidad con ese primer instrumento. A la edad de diez, comenzó a aprender a tocar el violonchelo. Tras asistir a la escuela de gramática, donde era considerado “sobresaliente” en matemáticas y latín, estudió violonchelo y composición desde 1918 hasta 1925 y composición con Zoltán Kodály desde 1921 hasta 1925. Kodály y Seiber serían amigos de toda la vida (Seiber también sería amigo de Ligeti). Seiber viajó por Hungría con Zoltán Kodály estudiando canciones folclóricas y expandiendo la investigación de Kodály con Béla Bartók. También desarrolló un interés por el canto llano medieval.

En 1928 se convirtió en director del departamento de jazz en el Conservatorio Hoch de Frankfurt, el cual ofreció los primeros cursos académicos de jazz de la historia. Después que el departamento de jazz fuese cerrado por los Nazis en abril de 1933, Seiber dejó Alemania. Regresó a Hungría y en 1935 emigró a Inglaterra y se estableció en Londres. Sólo se convirtió en ciudadano británico después de la guerra. Seiber enseñó composición y violonchelo en privado al mismo tiempo que trabajaba como asesor para la subsidiaria de Schott Music en Londres y componía música para el cine. Michael Tippett lo invitó al Morley College y desde 1942 trabajó allí como profesor de composición, estética musical y teoría musical. Allí amasó una lista larga de estudiantes prestigiosos y forjó amistades y asociaciones profesionales con muchos solistas famosos.

Publicó más de 80 obras: dos ballets, música orquestal, de cámara, vocal, coral y bandas sonoras para el cine. Su estilo originalmente era muy deudor de Bartók y su maestro, Kodály, pero con el tiempo, se convirtió en un compositor que, sin previo aviso, podía saltar entre ese estilo y otras influencias como el serialismo, la música influenciada por el jazz y la música ligera y la música influenciada por el canto llano medieval y las canciones folclóricas de diversas regiones de Europa. Muchas de sus obras tienen un sentido del humor emparentado con el de Stravinski y Les Six. A menudo, piezas individuales usaban una combinación de estas influencias. También publicó jazz y música popular con seudónimos como G. S. Mathis o George Mathis.

Murió trágicamente en un accidente de tránsito en Sudáfrica, adonde había ido a dar una serie de conferencias. Tanto Kodály como Ligeti compusieron obras lamentando su muerte.

¿Por qué no es más famoso?: Ese es el problema cuando un compositor es impredecible e inclasificable; es muy difícil vender su música.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Serenata (1925) para seis instrumentos de viento…

…su Concertino (1951) para clarinete y orquesta de cuerdas:

…y sus Cuatro Canciones Folclóricas Francesas (1959) para voz alta y guitarra:

Giacinto Scelsi (1905 - 1988)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Nació en una familia de la nobleza italiana con raíces españolas por parte de su madre. Recibió una educación que él mismo llamó “medieval”: un tutor privado le enseñó latín, ajedrez y esgrima. Estudió música con Giacinto Sallustio en Roma y luego con Walter Klein, un discípulo de Schönberg, en Viena. También estudió con un discípulo de Skriabin en Suiza. En su juventud frecuentó la casa de Respighi en Roma y fue un entusiasta de Luigi Russolo. Se convirtió en uno de los primeros adeptos italianos del dodecafonismo. Su estilo musical era originalmente una mezcla del dodecafonismo de Berg con el contrapunto de J. S. Bach, enriquecido con influencias tan diversas como Russolo, Skriabin y Bartók.

A finales de la década de 1940 sufrió una profunda crisis psicológica, en parte debido a que su esposa se divorció de él. Durante su internamiento en un hospital psiquiátrico se la pasaba tocando durante horas seguidas una sola nota (un la bemol); esta fue la génesis de su estilo de la segunda mitad de su vida, en el que una sola nota es alterada por el tratamiento de sus armónicos e inflexiones microtonales, tímbricas, dinámicas, de volumen, de densidad, de tempo o de octava. Este estilo lo convierte en precursor del espectralismo y el experimentalismo estadounidense de la segunda mitad del siglo XX. De hecho, conoció y fue amigo, colaborador y mentor de muchos de los representantes de ambos movimientos. El famoso Ennio Morricone también fue admirador suyo.

Hizo numerosos viajes a Oriente (visitó la India y algunos dicen que llegó hasta el Tíbet), en los que descubrió la espiritualidad y la música orientales, aunque su primer contacto con culturas no europeas fue en un viaje a Egipto en 1927. Se metió en el yoga y el misticismo de Helena Blavatsky, G. I. Gurdjieff y Sri Aurobindo. Sus obras empezaron a utilizar títulos en latín, griego antiguo, egipcio, asirio, sánscrito, maya y hasta palabras de origen desconocido. Terminó rechazando toda noción de “composición” y “autor” en favor de la improvisación; incapaz física y psicológicamente de transcribir sus improvisaciones, las grababa en cinta magnética y las confiaba a copistas. Así se formó alrededor de Scelsi un círculo privado de asistentes e intérpretes con los que colaboró estrechamente. Esta manera de proceder ha hecho que muchos afirmen que Scelsi no era el autor de sus obras (el compositor Vieri Tosatti, unos de sus antiguos colaboradores, en particular, ha sido muy vocal a la hora de afirmar que él es el verdadero autor de su obra). Scelsi llegó a ver la creación artística como un medio para comunicar una realidad más elevada y trascendental al oyente. Desde ese punto de vista, el artista se considera un mero intermediario y Scelsi creía ser un mensajero de los dioses hindúes. Por este motivo llegó a negarse a que lo fotografiaran y a que se distribuyera su imagen y prefirió identificarse con un círculo con una línea debajo, un símbolo zen.

Escribió más de 150 piezas en casi cada género, excepto música para los escenarios. Hay que señalar que él mismo destruyó muchas de sus obras anteriores al nuevo estilo posterior a su crisis psicológica por considerarlas demasiado académicas. Dejó la composición en 1976.

¿Por qué no es más famoso?: Scelsi era demasiado iconoclasta como para conseguir otra cosa que la hostilidad de los otros compositores y la indiferencia del gran público. Fue sólo en la década final de su vida que su obra fue “descubierta” por una generación de jóvenes compositores y hoy en día tiene cierta popularidad de culto entre los aficionados a la música postmoderna.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con este par de piezas…