Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: En su época, importante y famoso compositor, pianista, director de orquesta, profesor de música y administrador húngaro que casi siempre firmaba con la versión alemana de su nombre.
¿Por qué no es más famoso?: En primer lugar, por seguir aferrado al Romanticismo bien avanzando el siglo XX. Su estilo en realidad nunca evolucionó, influenciado principalmente por Brahms, Bruckner, Reger (lo cual no es sorpresa, pues su profesor de composición fue un primo del austriaco) y la música folclórica húngara (aunque en muchísima menor medida que Bartók y Kodály); otras influencias suyas fueron Schumann, Mahler y Richard Strauss. El mayor cambio que experimentó su estilo fue que, en sus últimos años de vida, desarrolló un interés por el jazz y la música folclórica estadounidense (pues residió en ese país desde 1948).
En segundo lugar, porque, por estar más concentrado en otras facetas de su carrera, fue menos prolífico que otros músicos; escribió principalmente música orquestal, de cámara y para piano junto con algo de música para los escenarios (una pantomima y tres óperas) y un puñado de obras corales y vocales.
Pero nada afectó más su reputación que las acusaciones de que era un simpatizante de los Nazis. Esta fue una mentira inventada por el gobierno comunista húngaro después de la Segunda Guerra Mundial, con el cual entró en conflicto. En realidad, aunque las opiniones políticas de Dohnányi tendían hacia la derecha, él odiaba a los Nazis porque mataron a dos de sus hijos (uno era un político alemán que fue ejecutado por formar parte de la Resistencia antinazi y de una conjura para asesinar a Hitler y el otro murió en batalla), renunció a sus puestos oficiales en protesta a las políticas antisemitas del régimen fascista húngaro y usó su influencia y dinero para salvar a montones de músicos judíos.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Serenata en do mayor para trío de cuerdas (1902)…
…sus Variaciones sobre una canción de niños (1914):
…y su Sinfonía N° 2 en mi mayor (1945, revisada en 1954-7):
Lo que sí es casi seguro es que no completó la escuela secundaria y aprendió composición de forma autodidacta. Sus piezas empleaban “contrapunto disonante”, un término acuñado por el compositor y musicólogo Charles Seeger para describir su música. Es considerado un fundador del movimiento ultramoderno de compositores estadounidenses, el cual incluyó a Henry Cowell y Ruth Crawford Seeger, entre otros. Cowell y él formaron parte del grupo de los “American Five”, el cual también incluyó a Charles Ives, a John J. Becker y a Wallingford Riegger.
¿Por qué no es más famoso?: En primer lugar, como compositor, era tan enloquecedoramente perfeccionista que terminó completando, en toda su vida, 12 (¡CUÉNTENLAS!) nada más que sólo 12 piezas después de la edad de 43 e intentó destruir todo lo que compuso antes de Toys (1919), sólo salvándose dos piezas, aunque hay un puñado más de obras editadas a partir de proyectos inacabados.
Pero también hay que considerar que su estilo estaba demasiado alejado de las corrientes principales de la música en el siglo XX. Tenía partidarios, hasta mecenas adinerados que lo financiaron durante la mayor parte de su vida, pero no tuvo mucha influencia en la música de su era e igual de poca tras su muerte.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pues con la mayoría de las piezas que emplean su “contrapunto disonante”…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: A principios del siglo XX, Dinamarca presentó el que es considerado el más grande compositor en la historia de ese país, así como, merecidamente, uno de los grandes compositores en la historia del mundo. Me refiero, claro está, a Carl Nielsen (1865 – 1931). Pero, a pesar de compartir el mismo apellido, no hay ningún parentesco entre él y este Ludolf Nielsen, quien también es considerado uno de los compositores daneses más importantes de principios del siglo XX.
Nacido en el campo, aunque en su familia no había ningún antecedente musical, desde muy pequeño se sintió atraído por la música; recibió clases de violín de violinistas locales y desde los ocho años tocó en festivales y otras ocasiones especiales. Logró conseguir becas para estudiar en Copenhague, en la Real Academia Danesa de Música, y en Leipzig, donde estudió piano, violín y teoría musical, aunque parece que estudió composición de forma autodidacta.
Poco prolífico, firmó casi cien lieder, además de un ballet y unos cuantos puñados de obras orquestales, de cámara, instrumentales y corales. Su estilo empezó siendo muy deudor de los compositores del Romanticismo, tanto danés como alemán, y de Grieg, pero maduró hasta incluir bitonalismo y escalas de tonos enteros.
Tras encadenar unos pocos fracasos seguidos, su carrera como compositor estuvo prácticamente muerta. En 1926 empezó a trabajar para la radio danesa y, con la excepción de unas pocas bandas sonoras para obras de teatro radiofónico, abandonó la composición.
Hoy en día es una figura muy oscura, incluso en Dinamarca.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su tercera sinfonía (1913)…
…el poema sinfónico Hjørtholm (1923):
…y pieza coral La Torre de Babel (1912-14):
…y la suite orquestal Skovvandring (“Paseo por el bosque”, 1921-22):
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Considerado por algunos como uno de los compositores británicos más importantes del siglo XX, es famoso más que nada por haber compuesto 32 sinfonías, un número inusualmente elevado entre sus contemporáneos, 25 de estas después de cumplir 70, al igual que cuatro de sus cinco óperas, parte de una producción que incluye numerosas otras obras orquestales y algo de música coral, de cámara, para piano y canciones en un estilo influenciado por Wagner, Bruckner, Richard Strauss, Mahler, J. S. Bach y Elgar. Siguió componiendo bastante después de cumplir su novena década de vida.
Hijo de un alfarero, originalmente se llamaba William, pero se cambió el nombre a Havergal en honor a una familia de compositores de himnos.
¿Por qué no es más famoso?: En 1907 un empresario llamado Herbert Minton Robinson le ofreció a Brian una pensión anual de 500 libras (entonces una suma respetable) para que se convirtiese en un compositor a tiempo completo. Parece que Robinson esperaba que Brian pronto ganase fama y fortuna y se volviese independiente por la fuerza de su música, e, inicialmente, Brian de hecho tuvo éxito: su primera Suite inglesa fue tan popular que Brian consiguió un editor y contratos para sus siguientes pocas obras orquestales.
Pero Brian no supo aprovechar su éxito: empezó un número de obras corales y orquestales en gran escala, pero se durmió en sus laureles y, en lugar de terminarlas, prefirió despilfarrar su pensión en cenas elegantes y un costoso viaje a Italia. Entre discusiones por sus deudas y una aventura con una joven criada, su primer matrimonio colapsó en 1913 (no obstante, nunca se divorciaría de su primera esposa); aunque siguió recibiendo su pensión, la mayoría de esta terminó yendo a los bolsillos de su ex mujer.
Siguió intentando hacer carrera como compositor, pero todas las puertas le fueron cerradas, en parte porque, por un lado, debido a su origen de clase obrera, le faltaban los contactos necesarios para promover su obra y, por el otro, por seguir aferrado a un Romanticismo tardío germanófilo en una época en la que la Escuela Pastoral conquistó las Islas Británicas, Brian era visto como un anacronismo. Él se vio obligado a trabajar como crítico musical y vivió la mayor parte de su vida en la pobreza.
En 1940 se jubiló, lo que le permitió, finalmente, componer a tiempo completo. En 1954, Robert Simpson, compositor y productor musical de la BBC, empezó a promover su obra, lo que hizo que Brian, por fin, ganara cierta popularidad, la cual duró hasta unos pocos años después de su muerte… y esto no tiene que ver tanto con que la gente realmente gustara de su música: aunque los otros compositores tendían a tener una opinión bastante positiva de su obra, la mayoría del público parece haber estado más interesada en su excepcional historia y su imagen de anciano venerable. Cuando todo estuvo dicho y hecho, Brian volvió a convertirse en una figura muy menor y la inmensa mayoría de su producción sigue sin estrenar.
Hoy en día es recordado principalmente por su Sinfonía N° 1 en re menor “Gótica”, y esto porque es, de todas las sinfonías con una estructura convencional, la más larga (casi dos horas y uno de sus movimientos es un Te Deum completo) y una de las que demanda las fuerzas orquestales más inmensas[1]. Esto no deja de ser irónico porque, de todas sus sinfonías, es la PEOR👎 y ni siquiera es representativa de su estilo sinfónico maduro: la mayoría de sus demás sinfonías no demandan fuerzas mayores que el promedio de las obras orquestales del siglo XX y duran alrededor de 20 minutos.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: ¿Con que otra cosa? Pues con una pequeña selección de sus sinfonías que no son la primera…
Notas:
[1] Hay algunas aún más largas y con unas escalas aún mayores, pero estas son experimentos bastante rarunos.
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Este niño prodigio, que a la edad de ocho impresionó a Hubert Parry y a la de nueve le publicaron sus primeras composiciones, era considerado por Charles Villiers Stanford como su estudiante más talentoso… y, como su lista de estudiantes incluye a Ralph Vaughan Williams y a Gustav Holst, eso significa que estamos hablando de palabras mayores.
El asma que padeció toda su vida le impidió hacer carrera como pianista, primero, y, después le provocó la muerte a la edad de 30 sin que pudiese desarrollar todo su potencial.
Dejó una obra reducida, pero de muy alto nivel centrada principalmente en la música de cámara, aunque también firmó algunas piezas orquestales, para piano, corales y vocales. Su estilo era muy deudor de Brahms, Dvorák, Grieg y el ya mencionado Parry. Fue amigo personal de Samuel Coleridge-Taylor.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con estas tres piezas…
La Gloria: En su mejor momento, fue uno de los compositores y directores más populares producidos por Inglaterra.
Nacido de la relación entre una inglesa y un estudiante de medicina de Sierra Leona (que lo más probable es que nunca supiera que tuvo un hijo con ella), si su nombre les suena familiar es precisamente porque su madre lo bautizó en honor del poeta que escribió la Balada del viejo marinero.
Fue compañero de clases de Holst y de Vaughan Williams. Firmó casi cien obras (una ópera, un ballet, música incidental, música orquestal, música de cámara, música para piano, canciones y cantatas) en un estilo musical muy deudor de Brahms, Grieg, Dvorák y Elgar (quien fue uno de sus protectores), pero, tras una gira de conciertos por Estados Unidos donde conoció a varios activistas afroamericanos, empezó a añadir a su música influencias de la música afroamericana y muchos otros exotismos.
Como director de orquesta, fue tan admirado que era apodado “el Mahler africano” (recuérdese que, en vida, Mahler era más famoso como director que como compositor).
¿Qué salió mal?:Debido a la naturaleza de su obra, esta pasó rápidamente de moda con la entrada en escena de los movimientos musicales del siglo XX. La única pieza suya que permaneció en el repertorio fue esta Hiawatha’s Wedding Feast, inspirada en el poema épico The Song of Hiawatha (1855) de Henry Wadsworth Longfellow, la cual solía ser una de las obras de música clásica más populares y famosas del mundo, en Inglaterra compitiendo en popularidad con El Mesías de Händel y Elijah de Mendelssohn. Esto duró hasta la Segunda Guerra Mundial, cuando los gustos finalmente cambiaron demasiado para que permaneciera en el repertorio, aunque en Inglaterra todavía es ocasionalmente revivida, al igual que la Petite Suite de Concert (1911).
El resto de su producción sólo empezó a ser revivido a partir de la década de 1980.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Las razones por las que no lo incluyo en una de las secciones principales son las mismas por la que pudo haber formado parte de la sección de “Pasto de historia alternativa”. Aunque Coleridge-Taylor fue un niño prodigio con mucho potencial para la música, no entendía nada de la parte comercial del medio: vendió los derechos de Hiawatha’s Wedding Feast (una obra que vendería unas 140,000 copias antes de la Primera Guerra Mundial) por sólo 15 guineas; aunque compuso otras dos cantatas y una obertura inspiradas en el mismo poema, estas no tuvieron la misma popularidad que Wedding Feast. Por tener que mantener a una esposa y dos hijos, Coleridge-Taylor trabajó sin cesar como director y profesor, además de como compositor. Debido a la necesidad de alcanzar el éxito comercial, Coleridge Taylor se vio obligado a firmar mucha música de salón. Ahora, en este blog he presentado a varios compositores que lograron elevarse desde las limitaciones de lamúsica de salón y firmar piezas con verdadero valor artístico… Coleridge-Taylor no es uno de ellos: al contrario, sus esfuerzos en los géneros mayores tienden a estar contaminados con los vicios de la música de salón decimonónica. Y, para colmo de males, a pesar de que su música tendía a ser bastante popular, en su vida, nunca dejaría de sufrir de una interminable serie de problemas económicos. Si hubiese tenido la previsión de conservar los derechos de su obra más exitosa, tal vez hubiese alcanzado una situación desahogada que le hubiese permitido explorar las posibilidades artísticas de su música.
O tal vez sólo hubiese necesitado de tiempo para alcanzar su plenitud, pero su prematura muerte a la edad de 37, en parte porque el exceso de trabajo destrozó su salud, que nunca fue la mejor, y en parte por una neumonía, truncó esto.
Les dejo la que solía ser su tarjeta de presentación para que juzguen si merecía su fama.
Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas.
La Gloria: Después de una primera etapa en la que compuso música en un Romanticismo tardío que lo emparenta con Wagner, Bruckner y Rajmáninov y una segunda etapa en la que firmó obras atonales (aunque usando un sistema diferente del de Schönberg), se convirtió en uno de los originadores de la música microtonal tal y como la conocemos junto a Busoni, Hába y Wyschnegradsky, y, de estos, hizo más para promoverla y difundirla que los otros tres combinados.
Carrillo nació en el pueblito de Ahualulco, situado en el estado mexicano de San Luis Potosí. Fue el último de los 19 hijos de Nabor Carrillo y Antonia Trujillo, ambos de ascendencia indígena.
Perteneció al coro de la iglesia local cuyo director lo alentó a trasladarse a la ciudad de San Luis Potosí, capital del estado, para estudiar música con Flavio F. Carlos, profesor de varias generaciones de músicos locales, quien fue su maestro de 1885 a 1895. Allí, las dificultades económicas le obligaron a abandonar sus estudios primarios (que no los musicales). Durante esa época, por las mañanas tocaba en oficios religiosos y por las noches en fiestas particulares.
En el año de 1895 va a estudiar a la Ciudad de México ingresando al Conservatorio Nacional de Música gracias a una carta de recomendación del gobierno estatal. Entre sus maestros estuvieron Pedro Manzano (violín), Melesio Morales (composición) y Francisco Ortega y Fonseca (física, acústica y matemáticas). Fue durante esta época que empezó los experimentos que llevaron al desarrollo del sistema que llamó Sonido 13.
Durante una presentación que realiza como violinista en una entrega de premios de nivel superior en 1899, el presidente de la república, general Porfirio Díaz, lo escucha y queda tan impresionado que decide concederle una beca para estudiar en el Real Conservatorio de Leipzig. Allí sus principales maestros fueron Hans Becker (violín), Johan Merkel (piano), Carl Reinecke (teoría) y Salomon Jadassohn (composición, armonía y contrapunto).
Tras su regreso a México en 1904, tuvo una carrera notable como violinista, director de orquesta, organizador musical (en estas dos últimas facetas introdujo en México obras de Bach, Mozart, Beethoven, Weber, Wagner, Tchaikovski, Rimski-Kórsakov, Richard Strauss, Saint-Saëns, Debussy y Ravel, además de promover su propia obra y la de otros compositores mexicanos), compositor (más de 170 obras), profesor de música (con una larga lista de estudiantes destacables) y teórico musical (llegó a estar nominado al Premio Nobel de Física por sus estudios sobre los aspectos matemáticos y científicos del sonido y la música).
Cuando el gobierno del presidente Victoriano Huerta fue derrocado, Carrillo huyó a los Estados Unidos donde, entre otras cosas, compuso música para el filme Intolerancia de D. W. Griffith.
¿Qué salió mal?: En primer lugar, como ya se mencionó en otra ocasión, si no provienes de un país que ya tiene una reputación musical a nivel internacional, necesitas que tu nación te promueva fuertemente para formar parte del inconsciente colectivo y Carrillo, con su adhesión a los movimientos musicales del siglo XX, se convirtió en una figura controversial en su propia patria. A principios del siglo XX, en México se popularizó una escuela nacionalista y patriótica que, como en otros casos, bebía de las músicas populares y folclóricas, dejando poco espacio para los experimentos vanguardistas que se realizaban en otros países. Los principales detractores de Carrillo y compañía fueron el “Grupo 9”, conformado por siete músicos, un médico y un abogado, y ambos bandos se confrontaron y defendieron sus posiciones a través de la prensa (principalmente el periódico El Universal), la radio y conferencias. Llegaron a acusar a Carrillo de robar sus ideas del extranjero.
La consecuencia de esta polémica fue que, a pesar de recibir varios honores oficiales, Carrillo no obtuvo nada de apoyo financiero del gobierno, teniendo que pagar de su propio bolsillo sus investigaciones musicales, la fabricación de sus instrumentos, la publicación de sus obras, etcétera, y, dentro de México, casi nunca volvió a trabajar como director y profesor y su música raramente fue interpretada. Como nadie es profeta en su tierra, la mayoría de sus encargos vendrían de Europa y, más que nada, de Estados Unidos, principalmente de Leopold Stokowski, de quien fue amigo personal.
Pero la principal razón de que su nombre cayera en la oscuridad es la música microtonal en sí: esta es infamemente difícil de interpretar, muchas veces requiriendo instrumentos musicales construidos específicamente para tocarla, y mucha gente se queja de que es irritante y agotadora de escuchar. Tras un breve entusiasmo inicial, pasó a ser considerada una simple curiosidad por la gran mayoría del público.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con esta Misa de la Restauración dedicada a Juan XXIII (1962)…
Categorías a las que pertenece: Celebridades locales, Glorias olvidadas.
¿En qué país era famoso?: Austria.
¿Quién es?: Tardó un poco en madurar artísticamente, pero, en su época, era considerado uno de los compositores más importantes de Austria.
Nacido en lo que hoy en día es Bratislava, Eslovaquia, su primera profesora de su música fue madre, quien era una talentosa pianista y lo educó sistemáticamente en las obras para teclado de J. S. Bach. Su primer profesor de teoría fue Felizian Josef Moczik, el organista de la iglesia franciscana de su ciudad natal. Estudió piano brevemente con Theodor Leschetizky, con quien no congenió. Cuando su familia se mudó a Viena en 1888, estudió en el Conservatorio de esa ciudad: composición con Robert Fuchs, violonchelo con Ferdinand Hellmesberger y unas pocas lecciones de contrapunto con Anton Bruckner, quien por esa época ya estaba gravemente enfermo.
Formó parte de la orquesta de Gustav Mahler, quien habitualmente le daba los solos para violonchelo a pesar de que la relación entre ambos hombres fue bastante tempestuosa. También fue amigo personal de Arnold Schönberg, a pesar de que sus estilos musicales no podían ser más diferentes.
¿Qué salió mal?: En primer lugar, su estilo musical era demasiado conservador para la época en la que le tocó trabajar. Este era un postromanticismo fuertemente influenciado por Schubert, Brahms, Bruckner, Liszt, Wagner, Richard Strauss y Reger, llegando a ser apodado “hijo de Bruckner”. No obstante, tampoco era tan conservador: fue influenciado por las innovaciones en cuanto a sintaxis musical de Mahler y Schönberg, y, además, estaba consciente de las obras de Debussy y Ravel (a quienes admiraba grandemente), así como las de Berg y Hindemith.
En segundo lugar, fue un músico poco prolífico: cuatro sinfonías, un puñado de otras obras orquestales, algo de música de cámara, música para piano, música para órgano y dos obras corales en gran escala. También firmó dos óperas: Notre Dame (inspirada en Nuestra Señora de París de Víctor Hugo; 1914), a la cual no le faltan partidarios, y Fredigundis (1922), un sonado fracaso con el público y la crítica, y se supone que no inmerecidamente. Esto fue así debido a que su trágica vida personal lo hizo caer en profundas depresiones en las que no podía escribir música: toda su vida padeció de mala salud (la cual sólo empeoró con los años), su primeras dos tentativas matrimoniales terminaron en fracaso, su primera esposa tuvo que ser internada en un hospital psiquiátrico (y murió tres años después de la muerte de Schmidt asesinada como parte de los programas de eutanasia de los Nazis) y su única hija murió durante un parto.
Pero nada ha empañado más la memoria de Schmidt como su conexión con los Nazis: los Nazis, tras la anexión de Austria, empezaron a promoverlo como el más grande compositor vivo; en la fiesta del estreno de su oratorio El Libro de los Siete Sellos (el cual fue organizado por los Nazis) se supone que fue visto haciendo el saludo Nazi; aceptó un encargo de los Nazis (la cantata Resurrección Alemana, basada en un texto Nazi) y entre sus colaboradores había uno que otro ardiente simpatizante del Nazismo. No obstante, de acuerdo a otros amigos y conocidos suyos, Schmidt nunca fue ni un Nazi ni un antisemita, sino que era muy ingenio respecto a la política. Ofrecen como pruebas el que la mayoría de los amigos de Schmidt fuesen judíos y el que dejara la cantata Resurrección Alemana inacabada porque prefirió concentrarse en otros encargos como prueba de que no estaba comprometido con los ideales del Nazismo.
Fue sólo hasta el siglo XXI que renació con fuerza el interés en la obra de Schmidt.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con las que son consideradas sus obras cumbres, sus sinfonías de madurez (de la segunda a la cuarta)…
…y el oratorio neobachiano El Libro de los Siete Sellos (1938):
Los entendidos afirman que también vale la pena rescatar la ya mencionada ópera Notre Dame, su música de cámara y su música para órgano.
Categorías a las que pertenece: One-hit-wonders que hicieron mucho más.
¿Por qué piezas es famoso?: Por la suite orquestal Los Planetas (1914-1917)…
¿Por qué no tuvo más éxitos?: Principalmente, por dos razones…
En primer lugar, tras el masivo éxito internacional de Los Planetas con su gran debut mundial en 1920, Holst de repente se convirtió en un compositor muy solicitado… algo que él odió. Debido a su personalidad naturalmente tímida y su mala salud (sufrió toda su vida de asma y de una mala visión y una neuritis en su brazo derecho le puso punto final a un intento por hacer carrera como pianista) rechazó las demandas de la publicidad, la incomprensión pública y la envidia profesional que acompañan la fama y fortuna, prefiriendo ganarse la vida como profesor de música (carrera que desempeñó durante toda su vida, llegando a darle clases a Edmund Rubbra, Michael Tippett y Benjamin Britten).
Y, en segundo lugar, el público terminó dándole la espalda al darse cuenta como era realmente la obra de Holst. Verán, Los Planetases una anomalía dentro de su producción: la gente se quejaba de que su música era demasiado “austera” y “cerebral”. El mismo Holst, después de asistir a una interpretación del Quinteto en do mayor de Schubert unos años antes de su muerte, reconoció que el elemento central que le faltaba a su propia música era la “calidez”.
Nacido en una familia de ascendencia alemana, letona y sueca con una larga tradición musical (tanto por parte de su padre como de su madre, las tres generaciones anteriores de su familia tienen músicos profesionales), sus profesores fueron Frederick Sharpe (piano), William Stephenson Hoyte (órgano), George Case (trombón), Georges Jacobi (instrumentación), Hubert Parry (historia), W.S. Rockstro, Frederick Bridge y Charles Villiers Stanford.
Todo cambió en 1904, cuando se unió a la Escuela Pastoral animado por Ralph Vaughan Williams, quien también le presentó la música de Ravel. Los dos compositores se conocieron en 1895 y de inmediato se convirtieron en los mejores amigos, criticándose sus obras entre sí e influenciándose mutuamente y discutiendo sobre cada tema imaginable; la muerte de Holst en 1934 fue un trago muy amargo para el otro músico.
Pero Holst fue mucho más lejos que Vaughan Williams, estudiando no sólo la música del Renacimiento inglés sino también la medieval. También fue influenciado por la espiritualidad india, llegando a traducir poemas en sánscritoal inglés, y sus viajes a Francia, Italia, España, Argelia (que le inspiró la suite Beni Mora) y Grecia.
Tras años de experimentación, donde coqueteó con conceptos tales como compases no convencionales, escalas ascendentes y descendentes, ostinatos, bitonalidad, politonalidad y el neoclasicismo, alcanzó su madurez artística con la archiconocida Los Planetas, convirtiéndose en el número 2 de la Escuela Pastoral, superado sólo por su famoso amigo.
Fue un vegetariano, un abstemio, un socialista y un fanático de la astrología y el senderismo.
¿Qué más hay para escuchar?: Holst fue un compositor tremendamente prolífico en casi cada género de su época, incluyendo óperas y ballets. Aunque hay que señalar que fue un músico muy irregular, no es difícil encontrar montones de obras suyas que merecen ser mucho más conocidas, muchas de las cuales sólo empezaron a ser grabadas en la década de 1980. Aquí tienen una selección:
Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.
¿En qué país es famoso?: República Checa.
¿Quién es?: Nacido en una familia con una larga tradición musical, tuvo numerosos profesores, de los cuales el más importante es Dvořák, de quien fue uno de sus estudiantes favoritos, ambos hombres se respetaron profundamente y Suk hasta se convirtió en el yerno de su maestro (es en esta última faceta por la que es más famoso a nivel internacional).
Empezó firmando música en un estilo fuertemente influenciado por el de su famoso mentor y suegro, pero, dándose cuenta que esto lo llevaba a un callejón sin salida, entre 1897 y 1905 su estilo comenzó a evolucionar al absorber influencias de los movimientos musicales de su era hasta formar una voz verdaderamente única y personal, así como por darle rienda suelta a su obsesión con la muerte (exacerbada por la muerte en un periodo de 14 meses en 1904 y 1905 de Dvořák y de su esposa).
No muy prolífico, escribió música incidental, orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal. Su obra fue apreciada por Brahms, Mahler, Schönberg, Berg y el crítico Eduard Hanslick. Él junto con Otakar Ostrčil (1879 – 1935) y Vítězslav Novák (1870 – 1949) son considerados los introductores del Modernismo en la República Checa. El más famoso de sus estudiantes fue Martinů,
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Pueden comenzar con lo más cercano que tiene a una obra famosa a nivel internacional, su Sinfonía Azrael (1905-1906)…
Después pueden continuar con su Cuento de hadas de verano (1908-1909):
