sábado, 8 de marzo de 2025

Ernest John Moeran (1894 - 1950)


Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.

¿Quién es?: Hijo de un clérigo, creció en un hogar muy culto y recibió sus primeras lecciones musicales a la edad de cinco o seis de su madre y su institutriz.

En 1908 empezó a estudiar con Robert Sterndale Bennett, nieto del compositor William Sterndale Bennett, y se convirtió en un muy buen pianista, dominó el violín lo suficiente para tocar en conjuntos de cámara y comenzó a componer. En 1913 entró en el Royal College of Music (RCM), al principio como estudiante de piano, pero después de su primer año se cambió a la clase de composición con Charles Villiers Stanford.

Combatió en la Primera Guerra Mundial y, después de su fin, reanudó sus estudios en el RCM con John Ireland.

Un miembro de la Escuela Pastoral, escribió música orquestal, de cámara, para piano, vocal y coral influenciada por Dvorák, Delius, Ireland (influencias que abandonó a medida que maduraba), Vaughan Williams y Sibelius. Su estilo es conservador, pero eso no quiere decir que se limitara a repetir modelos ajenos.

¿Por qué no es más famoso?: Entró en escena demasiado tarde, cuando la Escuela Pastoral empezó a pasar de moda.

También tuvo que ver el que fuese poco prolífico, en parte por su perfeccionismo y detallismo, pero la principal razón para esto fueron sus problemas de alcoholismo. En la década de 1920 conoció y se hizo amigo de Peter Warlock: compartieron la misma casa y el mismo estilo de vida bohemio. El resultado de esto fueron problemas de alcoholismo que acompañarían a Moeran por el resto de su vida; en esos años, Moeran escribió muy pocas piezas debido a que, a diferencia de Warlock, la ebriedad arruinaba sus capacidades como compositor y, además, fue totalmente dominado por el otro músico.

Tras la muerte de Warlock, recuperó su camino como compositor y alcanzó su madurez artística… pero fue arrestado varias veces por conducir en estado de ebriedad y su alcoholismo y constantes retrasos a la hora de cumplir con sus encargos arruinaron amistades y contactos profesionales.

También, hay que tener en cuenta que, a pesar de su perfeccionismo y detallismo, también era muy indisciplinado debido a que una pensión que le pasaban sus padres le permitía escribir sólo cuando tenía ganas de hacerlo.

Sus años finales fueron muy tristes, plagados por problemas de salud, de depresión y por el temor de estar volviéndose loco. Murió trágicamente, de una hemorragia cerebral que lo hizo caer en un río, y dejó una segunda sinfonía inacabada.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Las mejores obras de Moeran son todas orquestales. Como la que es considerada su obra maestra, la Sinfonía en sol menor (1934-37):


…la Sinfonietta (1944):


…y su Concierto para violonchelo (1945):


Su música de cámara, para piano y sus canciones no están exentas de interés. Aunque él mismo reconocía que compuso música litúrgica sólo por el dinero, sus Servicios en re y en mi bemol son interpretados hasta el día de hoy.

sábado, 1 de marzo de 2025

Curiosidades históricas: Concierto para flauta y orquesta (1935)


¿Quién lo compuso?: Aaron Avshalomov (1894 – 1965).


¿A qué categorías habría pertenecido?: Celebridades locales, Glorias olvidadas.

¿Quién es?: Nació en una familia de judíos de las montañas de Nikoláyevsk del Amur, Rusia, y originalmente estudió medicina en Zúrich. Después de la Revolución de Octubre de 1917, que hizo el estudiar en Europa imposible, su familia lo envió a Estados Unidos.

Poco tiempo después decidió mudarse a China y residió en Shanghái, donde había una próspera comunidad de judíos rusos que emigraron allí huyendo de los pogromos zaristas y la Revolución Bolchevique. Se ganó la vida más que nada como librero y bibliotecario. Con la excepción de tres años en los que residió en Estados Unidos en la década de 1920 en los intentó sin éxito hacerse de una reputación más allá de las fronteras del país asiático, residió en China hasta 1947.

Aprendió a componer de forma casi por completo autodidacta y desarrolló un sonido que fusionaba un estilo muy deudor de Rimski-Kórsakov con influencias de la música china (Avshalomov estaba interesado en esta desde sus contactos con la comunidad china de su ciudad natal y estudió casi todas sus expresiones, desde la música de los templos budistas hasta la de los artistas callejeros) y, a partir de la década de 1940, también de la música india. Escribió, entre otras cosas, varios ballets y óperas, cuatro sinfonías y conciertos para flauta (el que les traigo hoy), piano y violín.

Fue una de las figuras más importantes a la hora de introducir la música clásica de estilo occidental[1] en China y animó a los jóvenes músicos chinos a forjar una identidad musical nacional y no limitarse a crear pastiches de los aspectos más comerciales de la música clásica occidental. Como profesor, les dio clases a innúmeros alumnos que más tarde se convertirían en nombres importantes de la música contemporánea china.

¿Qué salió mal?: Durante la Invasión Japonesa y la Segunda Guerra Mundial, los japoneses lo mantuvieron en arresto domiciliario. Luego, con el régimen de Mao en el poder, fue declarado persona non grata (y, de hecho, sigue siéndolo en la República Democrática Popular) y en 1947 se mudó a Estados Unidos, donde su hijo residía con su familia desde 1937.

Vivió en Los Ángeles y Nueva York prácticamente en el anonimato, desperdiciando sus energías en un intento infructuoso por traer a Estados Unidos la compañía de ballet que estrenó sus obras en Shanghái y Nankín y después tratando en vano de crear algo parecido en la nación norteamericana.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque, simplemente, no era tan buen compositor y su estilo personal está repleto de defectos. No obstante, él logró sus mejores resultados en sus conciertos y este concierto para flauta probablemente sea el mejor de los que compuso.

Notas:

[1] Tengo que aclarar esto porque China, al igual que el mundo islámico, la India y otras naciones del Lejano Oriente asiático, tiene sus propias tradiciones de música clásica.

sábado, 22 de febrero de 2025

Willem Pijper (1894 - 1947)


Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Países Bajos.

¿Quién es?: Pijper es considerado uno de los compositores neerlandeses más importantes de la primera mitad del siglo XX.

Sus padres eran de clase obrera y estrictos calvinistas. Su padre, quien a veces tocaba acompañamientos para los salmos en el armonio, le enseñó los nombres de las notas musicales al pequeño Willem cuando tenía cinco. Rápidamente el niño comenzó a componer melodías simples, empezó sus lecciones formales de piano a la edad de diez e hizo rápidos progresos.

Debido a su mala salud fue educado en casa hasta la edad de 13. Estudió composición brevemente con Johan Wagenaar pero, aparte de esto, fue un autodidacta.

A Pijper se lo acusa de no tener una personalidad musical muy distintiva: en su primerísima etapa compuso música muy deudora de Mahler (el contrapunto nunca dejaría de ser importante para él), para después caer bajo el hechizo de Francia; su producción, sucesivamente, reflejaría las influencias del Impresionismo de Debussy y Ravel, el método compositivo “celular” de Stravinski y los experimentos con el atonalismo, el politonalismo y la inclusión del jazz y otros géneros de música popular bailable de Les Six. También se lo acusa de ser más conservador que otros modernistas.

No obstante, es innegable su talento y la calidad de su obra y fue un prolífico escritor de dos óperas (la segunda de las cuales quedó inacabada con su muerte), música incidental, orquestal, de cámara, instrumental, coral y vocal. A pesar de que casi todos sus manuscritos fueron destruidos cuando los Nazis bombardearon Rotterdam, donde estaba su hogar, la inmensa mayoría de su producción sobrevive hasta el presente. Su estilo musical seguía evolucionando en el momento de su muerte por un cáncer en 1947.

Además de su labor como compositor, también destaca como crítico musical (se metió en varias controversias bastante feas con otros compositores), profesor (les dio clases a muchos de los compositores neerlandeses más importantes de las décadas de 1950, 1960 y 1970) y organizador musical (dedicado a la reconstrucción de la vida musical neerlandesa tras la Segunda Guerra Mundial).

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su sonata para violín solo (1931)…

sábado, 15 de febrero de 2025

Erwin Schulhoff (1894 - 1942)


Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, Pasto de historia alternativa.

La Gloria: Schulhoff nació en Praga, en una familia judía de habla alemana.

A la edad de diez años su madre lo presentó a Dvorák, quien normalmente no tenía tiempo para niños prodigios (Schulhoff podía sacarle melodías al piano desde la edad de tres), quien lo animó para que comenzara sus estudios musicales en el Conservatorio de Praga. Estudió composición y piano allí y después en Viena, Leipzig y Colonia, donde sus profesores incluyeron a Debussy, Reger, Fritz Steinbach, Carl Friedberg y Willi Thern. Ganó el premio Mendelssohn dos veces: por piano en 1913 y por composición en 1918. Combatió en el ejército austrohúngaro en la Primera Guerra Mundial, fue herido y terminó en un campo de prisioneros de guerra italiano hasta el final del conflicto.

Su estilo musical tuvo una evolución larga y compleja. En su primerísima etapa firmó piezas en un Romanticismo tardío muy deudor de Debussy, Skriabin y Richard Strauss, la cual fue rápidamente seguida por una segunda etapa en la que abrazó con pasión la Música Moderna, fuertemente influenciada por la Segunda Escuela de Viena (lo cual no es sorpresa pues fue amigo por correspondencia de Alban Berg), aunque sin renunciar nunca a la tonalidad, y los elementos más absurdos del Dadaísmo (su catálogo de esta época incluye una pieza muda que antecede a 4’33’’ de John Cage por más de 30 años y una Sonata Erotica que consiste en nada más que la cantante ¡fingiendo que tiene un orgasmo!). Esta fue seguida por la tercera etapa, la más prolífica e interesante, en la que Schulhoff se revela como un artista tremendamente polifacético, casi como si fuese varios músicos en una sola persona: en esta combina el Modernismo de la etapa anterior con el Neoclasicismo de Stravinski, los experimentos de Bartók y Janácek con la música folclórica de Europa central, el jazz (fue uno de los primeros compositores en incorporar el jazz en la música clásica) y otros géneros bailables introducidos en la Europa de la época.

La década de 1920 vio el apogeo de su carrera pues consiguió un contrato con Universal Edition que le permitió difundir extensamente su obra, contaba con el entusiasmo de los críticos (que lo consideraban uno de los modernistas más interesantes y provocadores), se dedicaba a promover la Música Moderna y era muy solicitado como pianista a nivel internacional…

¿Qué salió mal?: …pero, también, fue una época de profunda incertidumbre económica: nunca consiguió la clase de puestos académicos que hubiese hecho su vida mucho más fácil, su padre (un rico comerciante de lana) perdió su fortuna con la inflación alemana, tenía un hijo que mantener, era visto con sospecha tanto por la comunidad alemana como por la checa en la que estaba dividida la Praga de su época y su única ópera fue un rotundo fracaso.

Las cosas empeoraron dramáticamente en la siguiente década: en 1931 su contrato con Universal Edition fue disuelto, en parte porque él era demasiado prolífico para el gusto de la Universal, en parte porque la música influenciada por el jazz estaba empezando a pasar de moda, en parte porque parece que era difícil tratar con Schulhoff; el ascenso del Partido Nazi hizo que fuese acusado de escribir “música degenerada” y se prohibió contratarlo como pianista y publicar su obra en Alemania; su compromiso político con el Comunismo y el pacifismo radical lo metió en problemas con el gobierno de Checoslovaquia; la relación con sus padres, tensa desde hace mucho tiempo, se deterioró con rapidez y su madre murió en 1938; y su esposa cayó enferma y divorció de él cuando descubrió que estaba teniendo una aventura con una de sus estudiantes.

Fue en esta época que dio comienzo la cuarta y última etapa de la música de Schulhoff, la cual está marcada por su adopción del Realismo Socialista. Como era de esperarse, esta es la etapa menos valiosa de su obra.

Con la ocupación Nazi de Checoslovaquia, Schulhoff solicitó la ciudadanía soviética, la cual se le fue concedida e intentó huir a la URSS. No obstante, un día antes de partir, fue arrestado por los Nazis y enviado a un campo de concentración en Baviera, donde murió de tuberculosis.

Su música cayó en el olvido más absoluto hasta principios de la década de 1990, cuando su ópera fue grabada. Titulada Plameny en checo y traducida al alemán por Max Brod, amigo y biógrafo de Kafka, como Flammen (“Llamas”), esta es una combinación de los mitos de Don Juan y el Judío Errante reinterpretados a través de los lentes del Surrealismo y el Psicoanálisis. A pesar de haber sido un fracaso en sus días, en el presente es considerada una de las óperas más interesantes del siglo XX y provocó que resucitara el interés en la música de Schulhoff.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Suite para orquesta de cámara (1921)…


…su Concierto para piano y orquesta pequeña “alla Jazz” (1923)…


…su Sexteto (1924):


…sus cuartetos de cuerdas primero y segundo (compuestos en 1924 y 1925, respectivamente):



…su Sonata Caliente para saxofón alto y piano (1930):


…y su segunda sinfonía (1932):

viernes, 14 de febrero de 2025

Arthur Benjamin (1893 - 1960)


Categorías a las que pertenece: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Este judío australiano fue un niño prodigio que dio su primer recital público a la edad de seis y comenzó su educación musical formal a la edad de nueve con George Sampson, organista de la Catedral de San Juan y de la ciudad de Brisbane, aunque, en realidad, sus padres fueron sus primeros profesores de música. En 1911 ganó una beca para estudiar en Inglaterra composición con Charles Villiers Stanford (y aguantar su antisemitismo), armonía y contrapunto con Thomas Dunhill y piano con Frederic Cliffe.

Tuvo una carrera larga y exitosa como compositor, pianista, director y profesor de piano (su estudiante más famoso es Benjamin Britten) y pasó la mayor parte de su vida adulta en Inglaterra. Nos dejó unas 80 piezas: cinco óperas (la última de las cuales quedó inacabada con su muerte), un ballet, bandas sonoras para el cine, música orquestal, de cámara, para piano, coral y vocal.

Como dato curioso, él sirvió en la Real Fuerza Aérea en la Primera Guerra Mundial y en julio de 1918 fue derribado por un joven piloto alemán llamado Hermann Göring.

¿Qué salió mal?: A pesar de que Benjamin era innegablemente popular con el público, la crítica siempre estuvo dividida respecto a él.

La principal acusación que se lanzaba en su contra era el que no tuviese una personalidad musical propia muy diferenciada: dependiendo de qué obra estés escuchando, Benjamin puede sonar como Gershwin, Walton, Sibelius, Bax, Hindemith, Ravel, la primera etapa de Stravinski u otros.

Otro problema era la propia naturaleza de su música: en lugar de interactuar con los movimientos musicales del siglo XX, Benjamin prefirió escribir música ligera, accesible y convencionalmente tonal con un fuerte sabor romántico, lo que hizo que mucha gente no lo tomara en serio e, incluso hoy día, muchos no sepan qué hacer con las pocas piezas en las que se puso serio (como, por ejemplo, en su única sinfonía).

Por último, él fue famoso como compositor de bandas sonoras para el cine y fue una víctima del problema con los compositores de bandas sonoras.

Tras su muerte, su música cayó rápidamente en el olvido, con la excepción de Jamaican Rumba (1938):


…que sigue siendo una pieza muy popular en el repertorio de música ligera, de la cual escribió varias versiones (la original para dos pianos es la que pueden escuchar arriba) y por la que el gobierno de Jamaica, en agradecimiento por hacer la isla famosa a nivel mundial, le mandó un barril de ron al año por el resto de su vida.

¿Qué más hay para escuchar?: Su Concerto quasi una fantasia para piano y orquesta (1950)…


…el concertino para piano (1926-27):


…y la Fantasía romántica para violín, viola y orquesta (1938):

Explicación: El problema con los compositores de bandas sonoras

¿Y cuál es ese problema? Pues que los críticos, por alguna razón, se la tienen jurada.

sábado, 8 de febrero de 2025

Curiosidades históricas: Arnold Bax (1883 - 1953)


¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas, One-hit-wonders que hicieron mucho más.

La Gloria: Nacido en una familia próspera que lo animó a que persiguiera una carrera musical y siempre apoyó sus proyectos artísticos, Bax fue un compositor prolífico de ballets, bandas sonoras para el cine, música orquestal (la cual incluye sus siete sinfonías, las cuales en su época le ganaron una reputación como el principal sinfonista inglés), de cámara, instrumental, coral y vocal.

Su estilo era una mezcla del Romanticismo tardío de los wagnerianos y postwagnerianos, Rajmáninov y Sibelius con el Impresionismo y, en sus primeros años, una fuerte influencia de las culturas y mitologías céltica y nórdica (aunque, cuando alcanzó su madurez artística, abandonó en su mayor parte sus elementos fantásticos). En su mejor época, después de la Primera Guerra Mundial y durante toda la década de 1920, fue uno de los compositores más famosos y amados de Inglaterra.

¿Qué salió mal?: En la década de 1930 la música de Bax empezó a dejar de ser considerada nueva y difícil y cada vez atrajo menos y menos atención. En sus años finales cayó en un olvido casi absoluto. La única obra suya que permaneció en el repertorio, y que aún conserva cierta popularidad, es el poema sinfónico Tintagel (1921):


…al cual, honestamente, no le veo la gracia.

Esto se debió, principalmente, a que fue uno de los muchos, muchísimos compositores que siguieron aferrados al Romanticismo en los tiempos en los que el Modernismo conquistaba el mundo (y Bax era especialmente hostil a Schönberg). Además, el que trabajase fuera de toda ortodoxia y moda musical, aunque loable desde el punto de vista artístico, tuvo la desventaja de convertirlo en una figura aislada.

Fue en la década de 1960 en la que empezó a renacer el interés en su música y hoy en día hay montones de grabaciones de sus obras, tanto mayores como menores, aunque sigue siendo un gran ausente de las salas de concierto. Una de las razones por las que sucede esto es simplemente porque sus obras en los géneros mayores demandan fuerzas excepcionalmente grandes; York Bowen lo resumió mejor que nadie: “cuando la partitura demanda tales lujos como el triple o cuádruple de instrumentos de viento de madera, seis cuernos, tres o cuatro trompetas, percusión extra y quizá un órgano, indudablemente está arrojando dificultades extra en el camino de la interpretación”.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque Bax es la clase de compositor que tiene tantos defectos como virtudes y los unos pesan exactamente lo mismo que las otras.

¿Qué más hay para escuchar?: A pesar de lo anterior, Bax tiene un par de piezas que me impresionaron bastante. Estas son la segunda sonata para piano (1919, revisada en 1920):


…y su primera sinfonía (1922):

Lili Boulanger (1893 - 1918)


Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.

Marie-Juliette Olga “Lili” Boulanger fue la hermana menor de la famosa directora y profesora Nadia Boulanger.

Esta niña prodigio (que a la edad de dos ya cantaba melodías) nació en un hogar musical: sus padres eran ambos músicos y entre los conocidos de su padre se cuentan Fauré (quien más tarde sería su primer profesor de música y fue impresionado por el talento de Lili), Gounod, Massenet, Saint-Saëns, Ravel y Widor; su abuelo fue un violonchelista famoso y su abuela fue una cantante.

Antes de cumplir cinco ya acompañaba a su hermana Nadia a sus clases en el Conservatorio de París, poco después sentándose en la clase de teoría musical y estudiando órgano con Louis Vierne. También cantaba y tocaba el piano (que estudió con Mme. Hélène Chaumont), el violín (que estudió con Fernand Luquin), el violonchelo y el arpa (que estudió con Marcel Tournier y Alphonse Hasselmans). No obstante, debido a su mala salud (a la edad de dos contrajo una neumonía bronquial, lo que destrozó su sistema inmunológico por el resto de su breve vida, la cual fue cortada por una afección que pudo haber sido la enfermedad de Crohn o una tuberculosis intestinal), a la edad de seis interrumpió sus estudios musicales y no los reanudó hasta que cumplió 16. Tras esperar pacientemente, estudió armonía con Georges Caussade y composición con Paul Vidal (siempre se vería más que nada como una compositora) en el Conservatorio de París.

Fue la primera mujer en ganar el Prix de Rome en 1913 con la cantata Faust et Hélène, la cual, en vida, fue interpretada numerosas veces y aclamada por gente como Debussy y Ravel.

Nos dejó unos pocos puñados de obras orquestales, de cámara, para piano, corales y vocales compuestas en un estilo fuertemente influenciado por Massenet, Fauré y Debussy y que, a su vez, influenciaron a Honegger y Messiaen. También dejó la ópera inacabada La princesse Maleine, inspirada en una obra teatral de Maeterlinck (el mismo autor en el que se basó Debussy para su Pelléas et Mélisande) y cuenta la leyenda que el propio autor le suplicó a la compositora que viviera lo suficiente para completar la ópera. Sin embargo, hay que mencionar que muchas de sus obras se perdieron o fueron destruidas por la propia compositora, de otras sólo quedan los bocetos y…


Vale la pena preguntarse qué más habría logrado de haber vivido más tiempo, pues iba de camino al superestrellato musical y estaba empezando a innovar con influencias de las vanguardias musicales de la época.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con Les sirènes (1911)…


…la ya mencionada Faust et Hélène (1913):


…sus tres Salmos (compuestos en 1916 y 1917):




…su Vieille prière bouddhique (1914-1917):


…su D’un soir triste (1918; la última pieza que pudo completar sin la ayuda de su hermana):


…su Pie Jesu (1918; la cual tuvo que dictar en su lecho de muerte):

sábado, 25 de enero de 2025

Curiosidades históricas: Große Messe (1923-26)


¿Quién la compuso?: Walter Braunfels (1882 – 1954).


¿A qué categorías habría pertenecido?: Glorias olvidadas.

La Gloria: Nació en una familia muy culta; su padre era un abogado y erudito literario que tradujo a Cervantes y su madre, su primera profesora de música, era sobrina nieta del compositor Louis Spohr y amiga de Clara Schumann y Franz Liszt. Continuó sus estudios de piano en el Conservatorio Hoch de Frankfurt con James Kwast.

Originalmente estudió leyes y economía en la universidad de Múnich, pero, después de asistir a una representación del Tristan und Isolde de Wagner, se decidió por la música. Estudió en Viena con Theodor Leschetizky y en Múnich con Felix Mottl y Ludwig Thuille.

Su ópera de 1920 Die Vögel, inspirada en una comedia de Aristófanes, fue un éxito mayúsculo y, de la noche a la mañana, lo convirtió en uno de los compositores y pianistas más populares de la Europa de habla alemana de su época. Fue tal su popularidad que Hitler, si darse cuenta que Braunfels tenía ascendencia judía, lo invitó a escribir un himno para el Partido Nazi en 1923, algo que el compositor rechazó indignado.

Braunfels compuso numerosas óperas, obras orquestales, de cámara, corales y vocales en un estilo que combinaba influencias tanto del Clasicismo romántico de Brahms como de post-wagnerianos como Richard Strauss.

¿Qué salió mal?: Con el ascenso de los Nazis al poder, Braunfels fue uno de los muchos artistas acusados de componer “música degenerada”, perdió sus puestos oficiales como profesor y tuvo que retirarse de la vida pública, aunque siguió componiendo.

Su esposa y él se escondieron en Suiza en los años de Hitler, pero su regreso a Alemania tras la Segunda Guerra Mundial coincidió con el ascenso de las diversas formas de serialismo, por lo que sus obras ahora parecían horriblemente anticuadas y salieron del repertorio con rapidez.

Tuvo que esperar hasta la década de 1990 para que renaciera el interés en su música.

¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Porque no lo hacía tan bien… pero tampoco lo hacía nada mal y la pieza que les traigo hoy, en especial, me parece una verdadera joyita que vale la pena conocer.

Aarre Merikanto (1893 - 1958)


Categorías a las que pertenece: Celebridades locales.

¿En qué país es famoso?: Finlandia.

¿Quién es?: La música de Merikanto está dividida en tres etapas bien diferenciadas.

La primera es la etapa de aprendizaje. Evidentemente, recibe este nombre porque todavía era un estudiante en busca de una voz propia, aunque fuertemente influenciado por el estilo nacionalista de Jean Sibelius (uno de sus dos héroes musicales). Estudió en Helsinki en 1911 con Erkki Melartin, en Leipzig entre 1912 y 1914 con Stephan Krehl, Julius Klengel y Max Reger (su otro héroe musical y el profesor que tuvo más influencia sobre él) y en Moscú en 1916 y 1917 con Serguei Vasilenko.

Esta fue seguida por su etapa radical, la cual se extendió desde 1918 hasta 1931 y en la cual escribió música en un estilo modernista que combinaba un Romanticismo tardío influenciado por Wagner, Reger, Richard Strauss y Skriabin con el Impresionismo, el Expresionismo y unos cuantos coqueteos con el Neoclasicismo y la música folclórica. Todo el mundo coincide en que esta es la etapa más interesante en la obra de Merikanto y es en la que se sostiene su reputación hoy en día pues, junto con los compositores Väinö Raitio y Ernest Pingoud, es considerado uno de los tres principales responsables de introducir la Música Moderna en Finlandia y tiene varias piezas que son proclamadas entre las más importantes alguna vez compuestas en ese país nórdico.

No obstante, esto sucedió hasta décadas después de su muerte porque, en su momento, tanto el “establishment” musical como la crítica y el público finlandeses eran tremendamente hostiles a la Música Moderna y Merikanto tuvo serios problemas para ver su obra estrenada y publicada (muchas piezas sólo vieron la luz del día póstumamente). Y no sólo fueron problemas profesionales, sino que también enfrentó una larga serie de desafíos personales: en 1922 su esposa perdió la mayor parte de su fortuna, de la que la familia dependía, cuando el banco donde guardaban sus ahorros colapsó; en 1924 murió su padre, el compositor romántico Oskar Merikanto (quien le dio sus primeras lecciones de piano y teoría musical y siempre apoyó sus proyectos musicales); y también desarrolló una adicción a la morfina, la cual había empezado a consumir para aliviar los dolores de unos cálculos biliares.

Llevado por la depresión y la frustración, Merikanto destruyó o por los menos mutiló montones de obras de esta etapa y de la anterior y…


A principios de la década de 1930, hasta el cuello de problemas económicos y personales y harto de la incomprensión hacia su obra, Merikanto tiró la toalla y dio inicio a su etapa conservadora, en la que volvió, con el rabo entre las patas, al estilo nacionalista favorecido en la Finlandia de la época, pero sin divorciarse por completo de la Música Moderna pues con frecuencia coqueteaba con la versión más accesible del Neoclasicismo. Aunque esta etapa es menos interesante que la anterior, tampoco lo hizo nada mal y vale la pena conocerla.

El cambio de estilo le funcionó profesional y personalmente pues ganó numerosos premios en concursos musicales, alcanzó cierta popularidad, en 1945 superó su adicción a los opiáceos y en 1951 empezó a dar clases en la Academia Sibelius; su lista de estudiantes notables incluye a Einojuhani Rautavaara, Usko Meriläinen, Aulis Sallinen y Paavo Heininen.

¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con la canción orquestal Ekho (1922)…

Ernest John Moeran (1894 - 1950)

Categorías a las que pertenece: Compositores de culto. ¿Quién es?: Hijo de un clérigo, creció en un hogar muy culto y recibió sus primeras...