Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Empezó a estudiar el violín en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. A la edad de 17 se mudó a Londres y pasaría en Inglaterra la mayor parte de su vida, aunque ella siempre consideraría que sus raíces estaban firmemente plantadas en Sudáfrica. Estudió violín con Hans Wesseley y Rowsby Woof, armonía y contrapunto con sir John Blackwood McEwen y brevemente con Nadia Boulanger. Arnold Bax la animó a que se dedicara a la composición.
Su obra es reducida: sólo 24 números de opus publicados en los géneros orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo musical es inclasificable: ella se declaró fuera de cualquier corriente o movimiento musical del siglo XX, aunque afirmaba que una de las principales influencias en su estilo eran sus recuerdos de su juventud de los sonidos de la naturaleza africana y el lenguaje y la música folclórica del pueblo Xhosa. Aunque su música muestra una fuerte compresión del dodecafonismo y el serialismo, nunca formó parte de esos movimientos. En su lugar, consideraba a Stravinski un dios y apreciaba a Bartók.
¿Por qué no es más famosa?: Tardó bastante en dedicarse a la composición y, para ella, siempre fue un proceso lento, laborioso y difícil. Además, la necesidad de ganarse la vida como profesora, intérprete y organizadora musical la distraía de la composición. Todo esto llevó a una obra reducida (lo cual nunca es bueno) conformada en su mayoría por piezas en pequeña escala (las cuales no están de moda). Su obra es difícil tanto para los intérpretes como para el público y, para colmo de males, muchas veces los estrenos de sus obras distaron de ser los mejores. Por último, los críticos y los otros compositores estaban divididos acerca de su trabajo. Como era lesbiana, no dejó descendientes directos que estuviese interesados en promover su música.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Cycle for Declamation (1953)…
…su Tríptico Pastoral (1960) para oboe solo:
…su concierto para violonchelo (1964):
…The Bee Oracles (1970):
…y el concierto para violín Due Canti e Finale (1977):
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Tomó clases de piano desde la edad de seis y empezó a componer desde una edad temprana. Cuando estudiaba filosofía en la Universidad de Hamburgo, fue animado por el compositor italiano Ferruccio Busoni a escribir música. En 1922 empieza a estudiar con Franz Schreker y tiene como condiscípulos a Ernst Krenek, Alois Hába, Felix Petryek y Jascha Horenstein.
Compuso dos óperas, música orquestal, de cámara, instrumental, vocal y coral. Su estilo, al igual que con su maestro, es un Romanticismo tardío (uno que volvía a los modelos de Beethoven y Mendelssohn), pero uno que ha sido enriquecido con fuertes influencias de la Música Moderna; en su caso, el neobarroquismo de Hindemith.
Poco a poco fue forjándose una reputación y llegó a ser considerado una de las promesas más brillantes de su generación. Con el triunfal estreno de su ópera Der gewaltige Hahnrei (1932) pareció que le esperaba una carrera larga y prestigiosa…
¿Por qué no es más famoso?: …hasta que los Nazis llegaron al poder al año siguiente y Goldschmidt se convirtió en uno de los muchos artistas e intelectuales que fueron perseguidos por el régimen. Huyó a Gran Bretaña en 1935 y dejó atrás montones de obras que se han perdido para siempre y…
En Inglaterra, su música fue recibida más que nada con indiferencia, en parte por ser alemán, en parte porque, para ese momento, fue tachada de horriblemente anticuada. Frustrado, Goldschmidt abandona la composición en 1958.
Su música sólo empezaría a ser reevaluada a principios de la década de 1980 con un renacimiento del interés en el “arte degenerado”. Al ver este renovado interés en su obra, Goldschmidt vuelve a la composición y continuaría componiendo hasta el día de su muerte.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para violonchelo (1953)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Latinoamérica produjo algunos de los compositores más importantes del siglo XX. Pero, aparte de los archiconocidos como el brasileño Héitor Villa-Lobos y el argentino Alberto Ginastera, vale la pena rescatar de la oscuridad a nombres mucho menos famosos, como el ecuatoriano Luis Humberto Salgado.
Nació en Cayambe, un pueblito cerca de Quito, y creció y vivió el resto de su vida en la capital ecuatoriana. Los fundamentos de la música se los enseñó su padre, el compositor nacionalista Francisco Salgado Ayala, quien, a su vez, fue discípulo del compositor italiano Domenico Brescia (quien promovió el nacionalismo musical en Chile y Ecuador antes de establecerse permanentemente en Estados Unidos). Realizó sus estudios en el Conservatorio Nacional de Música de Ecuador, de donde se graduaría como pianista en 1928.
Su hermano menor, quien fue pianista, diplomático y el primer latinoamericano en estudiar en el Conservatorio de Moscú, le enviaba copiosas cantidades de partituras, tratados y libros, que le permitieron mantenerse al día con los desarrollos musicales en Europa y, en cuanto a composición, fue prácticamente un autodidacta. Su estilo musical combinaba libremente un nacionalismo derivado de sus estudios de la música folclórica y popular ecuatoriana conel neoclasicismo, el politonalismo y el serialismo. Escribió alrededor de 200 obras: cuatro óperas (la primera, Cumandá, una epopeya de cinco horas que adapta una novela ecuatoriana del mismo título; las otras tres forman una trilogía inspirada en la historia del cristianismo en el Imperio Romano), cinco ballets, una ópera-ballet, una opereta, nueve sinfonías, ocho conciertos, tres poemas sinfónicos, dos misas, música de cámara, para piano, canciones y piezas de música popular.
¿Por qué no es más famoso?: Como nunca viajó ni tuvo contactos fuera de su país, Salgado no tuvo absolutamente ningún medio de hacer que su música fuese conocida a nivel internacional.
A pesar de que fue una figura muy respetada como profesor, escritor, crítico musical, pianista y por las tres veces que sirvió como director del Conservatorio Nacional, sus propias obras fueron incomprendidas por los otros músicos y el público en general. Además, sus obras en los géneros mayores siguieron estando sin estrenar por muchos años tras su muerte debido a que en Ecuador no existían orquestas capaces de interpretarlas y el que se señalara esto era visto como una afrenta al orgullo nacional; por ejemplo, su tercera sinfonía sólo fue estrenada hasta 2017, 60 años después de ser escrita. Y los pocos que se han interesado en promover su obra, sin ánimos se ofender, no son precisamente la clase de músicos virtuosos que su obra demanda.
Sumen a lo anterior el lamentable estado de conservación en el que se encuentra la obra de Salgado (montones de piezas están dañadas, incompletas o se han perdido para siempre): a su primera sinfonía le falta el finale, el cual existe sólo en una versión revisada y simplificada que fue reciclada de una muy posterior Sinfonía de Ritmos Vernaculares; la versión original de su quinta sinfonía se ha perdido para siempre y tuvo que ser reorquestada a partir de una reducción para piano; su sexta sinfonía está en un estado deplorable, muy sucia y casi ilegible; la versión original de su novena sinfonía también ha desaparecido; de su concierto para violín sólo queda la parte solista; de su concierto para viola no hay el menor rastro y…
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con estas sinfonías…
Ravel, con quien estudió en 1925 y 1926, estaba convencido que él iba a convertirse en el gran compositor español del siglo XX. Para cuando murió había firmado más de 150 obras, estaba ganando cada vez más reconocimiento a nivel nacional e internacional y su estilo maduro combina una suerte de post-impresionismo con influencias de la música popular de su natal Burgos.
Fue fusilado por falangistas después del golpe de estado que llevó a la Guerra Civil Española, su música fue prohibida por el régimen de Franco y su figura sólo empezó a ser rehabilitada en los últimos años del franquismo.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su Sinfonía castellana (1923)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Fue una de las compositoras estadounidenses más importantes de la primera mitad del siglo XX.
Su obra es reducida, pero de una consistente altísima calidad y en su mayoría está conformada por piezas para instrumentos solos, música de cámara y canciones para voz y piano o para voz y conjunto de cámara. Su carrera se divide en tres etapas: desde 1924 hasta 1929, en la que, influenciada por Aleksandr Skriabin y sus compañeros del grupo de los ultramodernos (al que perteneció) como Henry Cowell (de quien fue amiga personal), Carl Ruggles y Edgard Varèse, experimentó con la atonalidad y los ritmos irregulares; desde 1929 hasta 1933, en la que, influenciada por un viaje por Europa en el que se entrevistó con Bela Bartók, Paul Hindemith, Arnold Schönberg y Alban Berg, se pone a estudiar el dodecafonismo (aunque a su manera; no se convirtió en estudiante de Schönberg) y firma obras que la convierten en una precursora del serialismo total o integral; y una tercera etapa desde 1933 hasta su muerte en la que, por razones que se explican abajo, abandona casi por completo la composición y se dedica al estudio y la transcripción de la música folclórica estadounidense y la educación musical de los niños (en estos aspectos, es una de las más importantes en la historia de Estados Unidos).
¿Por qué no es más famosa?: Además de las razones evidentes…
…(y no es exageración mía: le prohibieron asistir a una reunión de una sociedad musicológica de la que formó parte porque no querían dar la impresión de que la musicología era “cosa de mujeres”), está el que ella misma fuese muy insegura respecto a sus talentos como compositora.
Tras su regreso a Estados Unidos de su viaje a Europa se casó con Charles Seeger (quien fue uno de sus profesores) y decidió concentrarse en ser esposa y madre. Durante sus primeros años, el matrimonio experimentó serias penurias económicas y tuvieron que aceptar trabajos en el estudio y la transcripción de la música folclórica estadounidense para poder traer el pan a la mesa. Aunque este cambio también tuvo motivaciones políticas: las ideas políticas de la pareja se hicieron cada vez más izquierdistas, lo que los hizo interesarse en música que atrajese a la clase trabajadora.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con lo más parecido que tiene a una obra famosa, su cuarteto de cuerdas (1931)…
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Estudió en Londres, Berlín y Nueva York. Busch aprendió composición con John Ireland y Bernard van Dieren y piano con múltiples profesores, entre los que se cuentan Mabel Lander, Leonid Kreutzer, Wilhelm Backhaus y Egon Petri.
Su producción es reducida: sólo unos pocos puñados de obras orquestales, de cámara, para piano y canciones, escritas en el estilo de la Escuela Pastoral, aunque con una personalidad inconfundiblemente suya y, en sus piezas finales, empezó a incluir influencias de otros movimientos musicales del siglo XX.
Esto se debe a que al principio de su carrera intentó convertirse, primero, en un pianista de concierto, pero tuvo que abandonarlo porque no pudo controlar sus problemas de pánico escénico. Eso provocó que tardase mucho en empezar a producir sus propias composiciones. Sumen a lo anterior el que componer le resultase muy difícil a Busch y que careciese del talento para autopromocionarse y forjar las conexiones necesarias para ver su obra publicada. Todo empeoró con la Segunda Guerra Mundial, pues a Busch le cerraron muchas puertas por ser hijo de inmigrantes alemanes y porque se declaró objetor de consciencia.
Busch murió prematuramente: visitó a su hija recién nacida y tuvo que hacer el largo viaje de regreso a casa a pie en medio de nieve profunda (porque todos los medios de transporte fueron cancelados); esto provocó que sufriera de hipotermia y una hemorragia interna y que, por esas mismas condiciones, ningún doctor pudiese ir a ayudarlo. Murió precisamente en el momento en que empezaba a ser reconocido como compositor.
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con su concierto para piano (1937-9)…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: De orígenes humildes, Rubbra empezó a estudiar música con una vecina que tenía un piano. A la edad de catorce dejó la escuela y trabajó en una serie de empleos normales, mientras, en su tiempo libre, seguía estudiando armonía, contrapunto, piano y órgano de forma autodidacta. Más tarde se convertiría en discípulo de Cyril Scott, Gustav Holst, R. O. Morris y Ralph Vaughan Williams.
Fue bastante prolífico, con más de 160 obras: una ópera y música incidental (las cuales, hasta el momento, existen sólo como manuscritos), más música orquestal, de cámara, instrumental, coral y vocal.
Indiferente a los movimientos musicales del siglo XX y a las reglas formales, Rubbra empleó un sistema de acuñación propia donde trabajaba desde una idea inicial y descubría la música conforme iba componiendo. Su estilo era sobrio y serio, al mismo tiempo lírico e intelectual.
¿Por qué no es más famoso?: Principalmente, porque Rubbra es otrocompositor para compositores. Desde el primer momento hasta el día de hoy, los otros músicos han sido, en general, los que han tenido a Rubbra en muy alta estima; son los críticos y el público los que con frecuencia acusan su obra de sonar “gris”.
Pero vale la pena mencionar que esto probablemente no molestó a Rubbra: no hacía ningún esfuerzo por promocionar su obra y se ganaba la vida dando clases de música, tocando el piano, dirigiendo y cumpliendo con encargos (como cuando escribió música para la coronación de Isabel II).
¿Cómo puedo empezar a conocer su música?: Con sus sinfonías de la quinta a la séptima, la décima y la onceava…
Categorías a las que pertenece: Compositores de culto.
¿Quién es?: Inició su formación musical a la edad de seis. Estudió en Viena, primero, y en Berlín con Franz Schreker, después.
Firmó 242 obras con números de opus y al menos 130 sin estos en casi cada género musical. La evolución de su estilo fue larga y compleja y pasa por casi cada movimiento musical del siglo XX. Sus primerísimas composiciones fueron escritas en un Romanticismo tardío muy deudor de su profesor y de Max Reger y Richard Strauss, pero alrededor de 1920 se pasó al atonalismo influenciado por el libro de Ernst Kurth Grundlagen des linearen Kontrapunkts y los preceptos de Ferruccio Busoni, Artur Schnabel, Eduard Erdmann y Hermann Scherchen, entre otros.
Una visita a París, durante la cual se familiarizó con la obra de Stravinski (Pulcinella fue especialmente influyente) y Les Six, lo llevó a adoptar el neoclasicismo alrededor de 1924. Poco después se pasó a un neorromanticismo que combinaba los modelos de Schubert con influencias del jazz. Fue en este estilo en el que escribió su “ópera jazz” Jonny spielt auf (1926), la cual fue un masivo éxito a través de Europa y volvió famoso a Krenek (de hecho, hasta el día de hoy, hay una marca austriaca de cigarrillos llamada “Jonny”, nombrada en su honor). No obstante, con el tiempo Krenek se desencantó de esta porque sus colegas musicales la consideraban demasiado comercial y demasiado dependiente de tendencias y porque su propio estilo siguió evolucionando. Eventualmente fue prohibida por los Nazis.
A finales de la década de 1920, Krenek abrazó el dodecafonismo de Schönberg. Más tarde experimentaría libremente con las diversas formas de serialismos conforme estas aparecían y, desde la segunda mitad de la década de 1950, también compuso música electrónica.
Fue uno de los muchos artistas e intelectuales perseguidos por el Tercer Reich. En 1938 se mudó a los Estados Unidos. Se convirtió en ciudadano estadounidense en 1945.
Nació y creció en una familia de inmigrantes alemanes de Trenton, Nueva Jersey, y desde una edad temprana escribió música, prosa y poesía. Comenzó a estudiar piano a la edad de seis con su tía.
No completó la escuela secundaria y, en su lugar, prefirió viajar a Filadelfia en 1916 para estudiar con Constantine von Sternberg, un ex discípulo de Franz Liszt. En 1919, empezó a trabajar en Nueva York con Ernest Bloch. Al principio, Bloch fue escéptico, lo rechazó y describió las composiciones de Antheil como “vacías” y “pretenciosas”; no obstante, Antheil se ganó al profesor con su entusiasmo y energía. Los viajes de Antheil a Nueva York también le permitieron conocer a figuras importantes como el músico Leo Ornstein, el periodista y crítico musical Paul Rosenfeld, el pintor John Marin, el fotógrafo Alfred Stieglitz, el director Leopold Stokowski y Margaret Anderson, editora de The Little Review.
Sternberg lo presentó a Mary Louise Curtis Bok, quien se convertiría en el mecenas de Antheil por los siguientes años, a pesar de que llegó a desaprobar su comportamiento y su obra.
Antheil, que ya llevaba un tiempo interesado en el dadaísmo, el futurismo, el surrealismo y el jazz, empezó a estudiar las composiciones modernistas de Stravinski y Les Six.
En 1922 zarpó a Europa y, tras un debut en Londres, pasó un año en Berlín. Sus conciertos enfurecían a los críticos, escandalizaban al público y desconcertaban a los otros compositores, quienes lo descartaban como un genio fallido o un amante de la atención, lo que no evitó que su carrera despegara. En esa ciudad, aprovechó un encuentro casual para presentarse a su ídolo, Stravinski. Con rapidez se convirtieron en amigos íntimos y el ruso animó a Antheil a mudarse a París. No obstante, la amistad no duró mucho: Stravinski cortó relaciones con el compositor más joven cuando descubrió que Antheil andaba por ahí jactándose que “Stravinski admirada su obra”. Esto devastó a Antheil y no reanudaron relaciones hasta 1941.
En París, Antheil y su esposa vivieron en un apartamento encima de la famosa librería de Sylvia Beach, Shakespeare & Company. Ella lo presentó a su círculo de amigos y clientes, el cual incluía a Erik Satie, Ezra Pound, James Joyce, Virgil Thomson, Serguei Diaghilev, Gertrude Stein, Fernand Léger y Ernest Hemingway. Pound, a su vez, lo presentó a Jean Cocteau.
Antheil hizo su debut parisino en la apertura de los Ballets Suecos, un importante evento social, en la que programó varias de sus composiciones recientes inspiradas en la tecnología. A mitad de su interpretación, estalló una trifulca, para el deleite de Antheil (esta era la época en la que muchos músicos jóvenes soñaban con provocar un disturbio como el que aconteció en el estreno de La consagración de la primavera). La trifulca fue filmada y, de hecho, se dice que pudo haber sido arreglada por el director de cine Marcel L’Herbier, quien necesitaba una escena de disturbio en una sala de conciertos para una de sus películas. Entre la audiencia estaban Erik Satie, Darius Milhaud, Man Ray, Pablo Picasso, Jean Cocteau y Francis Picabia.
Aparte de la música, Antheil tuvo muchos otros intereses: escribió una novela detectivesca, un libro de predicciones sobre la guerra y su nada fiable pero entretenida autobiografía, The Bad Boy of Music, la cual fue un best-seller; fue periodista y crítico musical, tuvo columnas en los periódicos donde daba consejos de relaciones y se consideraba un experto en endocrinología femenina. Fue esta última faceta la que lo hizo entrar en contacto y hacerse amigo de la actriz Hedy Lamarr. Juntos desarrollaron un sistema para guiar por radio torpedos que no pudiese ser interferido por el enemigo, el cual usaba espectro ensanchado y salto de frecuencia y es precursor de los sistemas que usamos hoy en día para las comunicaciones inalámbricas.
¿Qué salió mal?: Las semillas de la ruina de Antheil fueron sembradas al mismo tiempo que su ascenso meteórico acontecía. Parte de la razón por la que se hizo famoso casi de inmediato en París fue por la promoción incesante que recibió de Ezra Pound; el problema era que Pound, en realidad, no estaba interesado en lo más mínimo en la música de Antheil: lo único que le importaba era usar su nombre como un garrote el cual blandir contra aquellos con los que tuviese diferencias artísticas. Esto predispuso de forma extremadamente negativa a una importante sección de la crítica contra Antheil y el propio compositor reconoció en su autobiografía que “nadie pudo haber sido un décimo de bueno de como Ezra me hizo parecer”. Todo esto es cierto… pero también hay que señalar que, en el momento en el que todas estas cosas sucedieron, a Antheil no le molestaban los elogios exagerados de Pound en lo más mínimo; al contrario…
Evidentemente, una reputación edificada sobre cimientos tan inestables no necesita de mucho para venirse abajo y, de hecho, la pieza que les traigo hoy es la responsable de que tal vez no hayan escuchado hablar antes de Antheil.
La versión original de esta consistía de dieciséis pianolas especialmente sincronizadas, dos pianos, siete campanas electrónicas, tres xilófonos, cuatro bombos, un tamtam, una sirena de bomberos y tres hélices de avión, pero dificultades con la sincronización resultaron en que la reescribiera para una sola pianola y múltiples pianistas humanos. De hecho, la visión original de Antheil para la pieza sólo se pudo realizar hasta el año 2000 y se tuvo que utilizar sintetizadores con tecnología digital MIDI.
En el estreno oficial en el Teatro de los Campos Elíseos, la música de Antheil enfureció a parte del público, cuyas objeciones fueron ahogadas por el sonido de esta, mientras que otros la apoyaron vocalmente y el concierto terminó con una trifulca en las calles.
El 10 de abril de 1927, Antheil rentó el Carnegie Hall de Nueva York para presentar un concierto entero dedicado a sus obras, incluyendo el debut estadounidense del Ballet mecánico en una versión reducida. La noche fue un desastre: excesivamente hypeado y mal organizado y ensayado, la sirena no sonó a tiempo y la máquina de viento volaba los programas de las manos del público y los sombreros de sus cabezas; lejos del disturbio que Antheil esperaba, la audiencia simplemente se levantaba y se iba o se burlaba y reía de sus obras. La reacción de la crítica fue hostil y la del público fue una indiferencia absoluta. Este fracaso lo afectó profundamente y su reputación nunca se recuperó en su vida. Para colmo de males, este concierto fue la gota que derramó el vaso para Bok y le retiró su apoyo financiero.
Antheil había invertido mucho tiempo y esfuerzo promocionando el Ballet mecánico como su primera obra verdaderamente importante. También sería la última.
Después de este fracaso, Antheil regresó a Alemania, pero, con el ascenso del Partido Nazi, la música moderna fue prohibida y él regresó a unos Estados Unidos en medio de la Gran Depresión; se estableció en Nueva York. En 1936 fue a Hollywood y se convirtió en un compositor de bandas sonoras muy solicitado (lo cual también provoca sus problemas); escribió música para más de treinta películas y también para la televisión.
En la década de 1970, un locutor de radio llamado Charles Amirkhanian se acercó a la viuda de Antheil para interpretar algunas de las composiciones más radicales de la década de 1920. Ella aceptó a regañadientes y el concierto resultante en California fue un éxito resonante. Sin embargo, la reevaluación de la música de Antheil fue un proceso extremadamente lento, esto debido a que era pésimo guardando sus registros: sus partituras estaban revueltas y mal etiquetadas; identificarlas fue un proceso interminable. Poco a poco, no obstante, su música encontró una nueva audiencia y nuevos intérpretes.
¿Por qué no está en una de las secciones principales?: Antheil no tenía visión intelectual; a pesar de toda su arrogancia y autopromoción, era un compositor mucho menos original, atrevido e innovador de cómo se pintaba (a menos que se trate de la pieza de hoy) y, aun en su mejor época (la década de 1920), su obra era extremadamente irregular.
Tras el fracaso del Ballet mecánico, Antheil siguió a su ídolo musical, Stravinski, a las filas del Neoclasicismo y su música se volvió demasiado parecida a la de Prokófiev y Shostakóvich. A su regreso a Estados Unidos, Antheil siguió a Aaron Copland y Leonard Bernstein en sus exploraciones de una “identidad estadounidense”, pero sus intentos resultaron en última instancia insinceros y su sonido se volvió cada vez más convencional.
Categorías a las que pertenece: Pasto de historia alternativa.
Leopold “Leo” Smit Stichting fue un judío de ascendencia tanto askenazi como sefardita portuguesa y entre los compositores neerlandeses fue considerado una de las personalidades más prometedoras y prominentes del periodo de entreguerras.
Comenzó su formación musical muy joven y escribió su primera composición a la edad de 16. A la edad de 19 entró en el Conservatorio de Ámsterdam, donde estudió con Sem Dresden, Ulfert Schults y Bernard Zweers. Su hermana, Nora, fue, a su vez, una arpista talentosa que estudió con la renombrada Rosa Spier, quien visitaba con frecuencia la casa de la familia.
Un intento por hacer una carrera internacional basada en Francia pareció exitoso en un principio, pero eventualmente quedó en nada. Regresó a los Países Bajos, donde logró forjarse cierta reputación y su música era pasada por la radio con frecuencia. También trabajó como pianista y dio clases privadas de piano, teoría y composición. Nos dejó unas 25 piezas, principalmente música orquestal y de cámara, aunque también unas pocas obras instrumentales, vocal y corales, música incidental y bandas sonoras para el cine. Su estilo musical fue influenciado por Debussy, Ravel, Roussel, el neoclasicismo de Stravinski, Les Six (de quienes fue un asociado) y el jazz.
Tristemente, la invasión de los Países Bajos por la Alemania Nazi puso la vida de Smit de cabeza: a los músicos judíos se les prohibió interpretar en público y eventualmente se les prohibió ejercer su profesión del todo y Smit perdió a todos sus estudiantes no judíos. En 1943, su esposa y él fueron asesinados por los Nazis en el campo de exterminio de Sobibor.
Parece que toda la obra de Smit anterior a 1922 se ha perdido, pero toda la posterior a esa fecha (con excepción de sus bandas sonoras) se ha salvado, a pesar de que la vasta mayoría de esta existía sólo en manuscritos (el reducido número de su producción se debe a que él trabajaba de forma extremadamente lenta y meticulosa). A principios de 1943 distribuyó sus manuscritos entre sus estudiantes y amigos no judíos después de remover su nombre de estos para que no pudiesen ser identificados.
